Alfredo Volpi é um artista que ficou famoso por sua arte com bandeirinhas e Madonas. Confira neste artigo sobre estes dois elementos e sua adição de valor e prestígio para colecionadores de arte.

Alfredo Volpi e suas bandeirinhas

As bandeirinhas são símbolos reconhecidos intrinsecamente dentro da cultura popular brasileira por conta das festas religiosas comuns do país do dia de São João ocorridas na temporada do inverno.

O formato enfeita as cidades do interior como os grandes centros urbanos em locais de festa. Alfredo Volpi ficava encantado com o colorido e o formato delas penduradas de forma decorativa quando ia passar uma temporada em Mogi das Cruzes.

Como fazia estudos de desenhos com formatos geométricos, elas se encaixaram muito bem em suas retratações artísticas e começaram a aparecer de forma tímida no começo nos quadros de fachadas.

Depois, passou a fazer parte dos temas centrais ganhando destaque e fazendo sua assinatura estética. Hoje em dia, quando se vê uma obra com bandeirinhas se pensa imediatamente em Alfredo Volpi.

Esta associação de bandeirinhas com festas populares é um signo que precisa do conhecimento da cultura popular brasileira de festa junina para ser decodificado.

No Brasil elas são ligadas a religiosidade, festa, comidas de barraquinhas deliciosas, celebração, fogueiras, descontração, alegria, união, comunidade e fé.

Fora do país é um elemento não popular, mas ainda assim causa fascínio pela construção de formas e cores que contagiam independente do seus conhecimentos contagiando os olhos com o colorido e sua disposição harmônica.

Alfredo Volpi e as Madonas

Alfredo Volpi tinha expertise em retratar a cultura popular brasileira e seu fascínio por temas religiosos. Por isso, as suas Madonas também ficaram muito famosas.

No interior a figura da Virgem Maria é muito apreciada e segundo o artista já contou em entrevistas, os temas religiosos vendiam bem.

Além do estímulo econômico, elas representavam um poder muito grande como uma manifestação de fé e mote para representar a força de uma figura religiosa considerada como a maior depois de Cristo com representação da Igreja Católica.

Além disso, elas ajudam a contar hábitos religiosos e culturais em um zeitgeist eternizado pelas mãos habilidosas de Alfredo Volpi, que dominava as técnicas de desenho, de pinceladas uniformes em um mesmo sentido e com desenvolvimento de tinta de origem ítalo de qualidade e com duração superior.

As tintas de Volpi feitas com clara de ovo (têmperas) mantém sua cor ao longo dos anos, não mofam e não perdem sua qualidade com o clima.

Isso resultou em obras de cores sólidas, vívidas que dão uma outra atmosfera aos seus quadros de temática religiosa como as Madonas e representação das festas de cultura popular a exemplo de suas bandeirinhas.

Estes dois tipos são símbolos muito fortes da arte de Alfredo Volpi e continuam sendo muito valorizadas em coleções de arte, tendo sido eternizadas. Saber seus significados adiciona valor aos seus quadros.

Apesar de ser estrangeiro no Brasil, Volpi considerava sua arte brasileira, assim como ele mesmo. Prestigie os artistas nacionais e tenha em sua coleção um recorte importante da história artística com as bandeirinhas e Madonas, reconhecidas e valorizadas no cenário artístico. 

Anna Maria Maiolino terá um grande reconhecimento em sua carreira com a homenagem na Bienal de Veneza ao receber um Leão de Ouro pela carreira, além de apresentar uma exposição de esculturas e instalações em argila.

Leão de Ouro para Anna Maria Maiolino

Anna Maria Maiolino receberá um dos prêmios mais importantes da Bienal de Veneza ao ganhar o Leão de Ouro pelo conjunto de sua obra e será entregue em abril. Além de receber o prêmio, fará uma exposição de obras inéditas.

Está previsto um trabalho em grande escala em argila e continuará sua série de esculturas e instalações. Será sua primeira participação no evento representando seu grande reconhecimento internacional.

É uma honra receber Leão de Ouro por conjunto da vida na Bienal de Veneza, prêmio concedido diretamente pelo diretor artístico.

Bienal de Veneza 2024

A Bienal de Veneza é realizada desde 1895 na Itália. É considerada a bienal de arte mais importante, antiga e prestigiosa do mundo. As edições ocorrem de dois em dois anos entre abril e novembro.

Estrangeiros em Todos os Lugares

A edição que homenageará Anna Maria Maiolino é a de 2024 chamada de Stranieri Ovunque (Estrangeiros em Todos os Lugares) com curadoria de Adriano Pedrosa, atual diretor do Masp, brasileiro e o primeiro diretor artístico sul-americano na história da Bienal.

A abertura oficial acontecerá dia 20 de abril e a edição mostrará arte contemporânea com reinterpretação de diferentes culturas.

É a celebração a arte e o combate a xenofobia, pois a edição foca em artistas migrantes. Maiolino nasceu na Itália, migrou e foi radicada no Brasil após uma passagem pela Venezuela. Morou no Rio de Janeiro, em Nova Iorque e atualmente vive na capital de São Paulo.

Em uma de suas exposições, podia-se ler na parede: Italiana de nascimento, educada na Venezuela, brasileira na vivência, carioca, portenha, nova-iorquina e agora paulistana.

A arte de Anna Maria Maiolino

Em sua carreira Anna Maria Maiolino desenhou, pintou, fez poesia, usou fotografia, fez filmes, xilogravura, faz performances, instalações, mas é nas esculturas em argila iniciada na década de 90, que ela continua trabalhando até os dias atuais.

Alguns trabalhos de Anna Maria Maiolino marcantes são o filme Super -8 gravado em uma 8 mm lançado na época de ditadura militar no Brasil. Neste trabalho evocou diferentes emoções e fazia uma crítica a censura, segunda explica em entrevista ao MIS em 2023.

Segundo explica em entrevista ao Sesc TV de 2014, o seu processo de criação e vontades nas esculturas em argila se misturam quando existe intimidade com o material.

Vida é movimento

Segundo a artista, a vida é movimento e quando se sente engessada muda de foco nas suas criações, que embasam sua experiência acumulada ao longo de sua carreira e faz experimentações contínuas.

Autodidata explica que a arte foi uma forma de curar suas feridas e se expressar. Usando metáforas e subjetividade consegue abordar questões delicadas sempre mostrando suas verdades. Com a argila seu foco é a expressão gestual com foco no relacionamento com materiais elementares.

Suas obras são brasileiras

Anna Maria Maiolino define sua arte como brasileira, já que teve influências e desenvolveu seu trabalho no Brasil.

Emanoel Araújo é um artista brasileiro de grande renome nacional e internacional. Neste artigo conhecerá mais sobre aspectos de suas xilogravuras e esculturas, segundo suas próprias explicações. Continue lendo e confira sobre algumas técnicas, criações e composições.

Xilogravuras de Emanoel Araújo

Emanoel Araújo pensava antes de forma preliminar nos seus trabalhos se ajustando ao material. Começou fazendo gravuras em preto e branco e depois foi evoluindo usando cores, incluindo imagens da cultura europeia.

Teve uma fase de suas gravuras onde fez temas eróticos. A próxima fase usou abstrações geométricas com influência africana e afrobrasileira inspirada na arquitetura baiana.

A partir de uma reflexão em que uma gravura começa de forma tridimensional e quando é aplicada em papel se transforma em 2D, passou a fazer experimentações de aplicar o 3D nas chamadas de gravuras de armar da década de 70.

Esculturas de Emanoel Araújo

Das xilogravuras transitou para as esculturas, pois já fazia paineis em concreto e paineis arquitetônicos em Salvador na Bahia.

Os paineis de concreto foram os primeiros. De tamanhos grandiosos com 14 metros decorando fachadas.

Um dos seus paineis mais famosos é o da creche do Itamaraty juntando concreto, xaxim e água. Ela era um painel vivo, pois umidificada deixava propício para nascer vegetações e plantas fazendo uma obra viva e mutante.

No parque Ibirapuera Emanoel Araújo contribuiu com esculturas diversas durante sua carreira. Uma delas possui inspiração em uma aranha na parte externa. Usando metalúrgica e algumas vezes fazendo matrizes em maquete.

Esculturas viscerais

No entanto, o artista explica em vídeo de 2019 para a revista Bravo, que suas esculturas são viscerais e gestuais. Então, ultrapassando o senso matemático das linhas geométricas perfeitas.

Aplicava ponto e contra ponto usando cores vermelho e preto harmonizando com a arquitetura. Depois, passou a se dedicar a fazer apenas esculturas na cor branca.

O motivo era um interesse na luz que os planos produziam. Usando os planos baixos e altos direcionou a luz apenas em uma direção ou invertendo para desencontrar em um fluxo definido pelo artista.

Brincava com as formas

Se dedicou a série de movimentos curvos e retos brincando com as formas. Além disso, utilizava vazados fazendo jogo entre verticalidades com influência barroca.

Também usou madeira natural em paineis e biombos em ipê roxo e pinho de riga. Experimentou com linhas e formas fechadas.

Entre suas técnicas utilizadas está o sutamento quando juntava linhas em lâmina com ângulos. Suas esculturas são todas tridimensionais adicionando espaço, formas e movimento com suas obras.

Esculturas com influência religiosa

Em uma de suas séries juntou as esculturas geométricas com procedimentos religiosos da Bahia iorubá dos santos e orixás africanos com junção de planos, recortes, vazados, luzes e formas.

Emanoel Araújo foi um artista generoso, criativo, competente e dominava técnicas. É um nome fundamental da arte brasileira tendo contribuído muito em vida. Seus trabalhos adicionam valor para coleções de arte e suas xilogravuras e esculturas tendem a ser valorizadas com o seu crescente reconhecimento internacional.

Hércules Barsotti (1914-2010) é um dos nomes de destaque do neoconcretismo com suas obras sendo valorizadas dentro do Brasil e internacionalmente.

Usava geometria rigorosa usando matemática com linhas perfeitas calculadas, mas com abstração e liberdade criativa, sem seguir uma racionalidade em um movimento batizado de neoconcretismo.

Abstração, criatividade e interação marcaram o movimento surgido nos anos 50. Hércules Barsotti se relacionava com os artistas do grupo do manifesto como Lygia Clark, Ferreira Gullar e Hélio Oiticica. Também conviveu com Alfredo Volpi que visitava seu atelier com Willys de Castro.

Neste artigo entenderá 12 pontos cruciais para entender mais sobre seu trabalho. Confira.

1. Uso de nanquim

No começo usava nanquim e não explorava uso de cores. No entanto, isso mudou ao longo de sua carreira onde passou a fazer experimentações com tons diversos.

2. Imagens tensas e quebradiças

Suas telas possuem imagens tensas e não seguem uma lógica.

3. Formas impessoais

As formas usadas são descritas como impessoais por críticos, assim como é inusitado no uso de formatos de telas.

4. Curvatura e volume

Usando curvas, seus desenhos ganham volume sendo um destaque na composição quando usada de decoração em qualquer ambiente.

5. Densidade

Ao mesmo tempo em que usa linhas rígidas, curvatura, volume e um espaço criativo, seus trabalhos são densos mostrando profundidade, tanto no visual, quanto na expressão poética.

6. Uso de cores e formatos incomuns

Este é uma das características mais atrativas, a não obviedade e a criatividade fluída. Usou elipses, losangos, hexágonos, pentágonos.

7. Desequilíbrio dos campos de cor

Se no começo não usava cores, em determinada fase de sua carreira proporcionava um desequilíbrio dos campos de cor.

8. As formas flutuam

Muitos de seus trabalhos parecem flutuar da parede, bagunçando o ponto de vista do expectador levando interatividade, dependendo do lugar de observação.

9. Uso da tridimensionalidade

Suas formas geométricas dão uma ilusão de tridimensionalidade a suas obras, transformando em portais criativos.

10. Relação ambígua entre a forma e o fundo

A forma e o fundo fazem uma relação ambígua, pois elas parecem não conversar, ainda sim sem causar desconforto, pois existe harmonia estética.

11. Inclusão de poetismo em suas obras

Carregadas de emoções, as linhas, cores e densidade dos trabalhos de Hércules Barsotti fazem um ar poético. As pessoas se sentem de diferentes formas com uso da abstração das formas com suas linhas claras da geometria calculada, mas não racional.

Hélio Barsotti para sua coleção de arte

Hélio Barsotti é um artista para se ter em sua coleção de arte e um nome valorizado no movimento neoconcretista tendo exposto no Brasil e fora. Em vida produziu bastante, mas parou os trabalhos por volta de 2004, conforme conta em entrevista na época para o lançamento do livro de Willys, que foi seu parceiro de atelier.

Hélio Barsotti para decoração

Para quem busca uma decoração artística da casa ou escritório, seus trabalhos transformam o ambiente e hipnotizam, se integrando com os espaços e os valorizando de forma única e especial.

Aldemir Martins abordou extensas temáticas com foco na brasilidade com especial atenção ao Nordeste em suas gravuras. Ele também abordou temas da natureza, pessoas, entre outros que representam paixões nacionais e importantes por aqui. Continue lendo e saiba mais.

Temáticas das gravuras de Aldemir Martins

Aldemir era um talentoso gravador usando diferentes técnicas como serigrafia. Nela uma matriz para reprodução de imagens são gravadas a partir de um desenho. Confira algumas temáticas famosas abaixo.

Sol do Nordeste

A representatividade do Nordeste de Aldemir Martins através da figura do sol é recorrente nas suas gravuras.

O artista depois de muitos anos de experiência conseguia fazer o sol em seu formato redondo sem recorrer a marcações e utensílios, segundo o seu filho e atual curador de suas obras, Pedro Martins, conta no documentário Os Cearences.

Cangaceiros

Segundo Aldemir Martins contou em uma de suas entrevistas, ele passou a usar a figura de cangaceiros quando foi viver na capital de São Paulo.

Esta figura forte era representativa dos homens do Ceará, local de onde veio e nasceu. Mas, não só, pois representava todo o povo do Nordeste. Uma figura forte e o inspirava em sua luta para ser reconhecido e conseguir trabalhar como artista.

Por ser um homem nordestino em sua essência, ele sentia sua representatividade validada para usar esta figura em suas gravuras. Se replicando e replicando o Nordeste.

Os cangaceiros povoam o imaginário popular brasileiro sobre a região, sendo de fácil reconhecimento. Bravura, força e coragem estão entre as principais características.

Galos

Como observador e replicador do que via, os galos foram muito recorrentes nas gravuras de Aldemir Martins com muitas opções e carregam sua assinatura estética. Um galo do artista é facilmente reconhecido e valorizado.

Aldemir Martins contou em uma conversa abaixo disponível no Youtube (link abaixo) de forma bem-humorada que galos são mais fáceis desenhar em comparação com galinhas.

Brincadeiras à parte, o animal representa uma figura forte do Brasil, principalmente no interior e sertões onde é comum ter criações domésticas.

https://www.youtube.com/watch?v=IGinX7JWBJw&ab_channel=ArthurBandeira

Futebol

A paixão nacional do povo brasileiro é o futebol. Por isso, o artista escolhia esse tema em suas gravuras mostrando diferentes representações. Popular e um tema que sempre será core da brasilidade. Fez gravuras de times e jogos deixando a camisa amarela da seleção oficial em evidência.

Pessoas

As pessoas são a alma de uma nação e o artista sabia representar diferentes figuras, principalmente as femininas de uma forma única e expressiva.

Flores

A replicação da flora é usada com uso de imagens de flores, buquês, vasos e em paisagens. Sempre escolhia as belas flores do Nordeste.

Frutas tropicais

As frutas tropicais são temas frequentes com destaque para o fruto caju, nativo do Brasil e muito apreciada no Ceará.

Peixes

A fauna brasileira não poderia ser deixada de fora nas temáticas de gravura de Aldemir Martins. Os peixes possuem importância na alimentação de comunidades pequenas com muitas espécies endêmicas.

Apenas no Ceará são 102 espécies, segundo informações do site governamental da Secretaria do Meio Ambiente.

Aldemir Martins usou muitas temáticas brasileiras com atenção ao Ceará e ao Nordeste em si, tendo feito gravuras de marinha, caranguejo, formigas.

As obras do artista Alfredo Volpi tiveram passagem pela natureza, uso figurativo e de formas, mas não só. Explorou com sua visão interpretativa e criatividade a cultura popular brasileira colocando sua impressão sobre o imaginário.

Usou muitos planos. Criou temas, trabalhou com elaboração de formas e composição de cores, buscou harmonia e fez muitos contrastes. Confira os principais elementos de sua arte renomada e reconhecida nacional e internacionalmente.

• Uso de figura e fundo
• Simetria
• Arte figurativa
• Arte abstrata
• Uso de têmpera (toque artesanal que faz a diferença nas cores e conservação)
• Movimento com planos
• Tensão entre forma e cor
• Experiência poética entre linhas, cor, forma e espaço
• Sem previsibilidade
• Fornecem uma nova experiência
• Caráter pessoal
• Relação entre vida e arte
• Formas mostram a experiência da pintura
• Olhar de coisas banais transformados
• Imagens refletem uma cultura popular rica sem cair em clichês
• Interpretação própria dos costumes

Uso de cores de Alfredo Volpi

Cores que se projetam em outras para aparecer. Por exemplo, azul refletido em verde esmeralda (sem cores puras). Cor sempre é relação em suas obras com influências de Matisse.

Relação de formas contextualizadas

Formas ganham significados no contexto próprio. Uma pessoa que nasce fora do Brasil e vê os formatos das bandeirinhas pode não associar com as festas populares juninas, por exemplo.

Portanto, cores e formas são mutáveis de acordo com o conhecimento do expectador. Ver retângulos e remeter a fachadas é algo de Volpi que ficou marcado também. A partir da década de 50 passou a sintetizar suas formas. Veja mais características em relação a formas e cores de Volpi:

• Campos cromáticos delimitados e depois mais limitados
• Campos cromáticos justapostos
• Contornos irregulares
• Fez muitas experimentações
• Uso da cor intensa (saturação cromática)
• Textura áspera da têmpera

Principais temáticas de Alfredo Volpi

Festas populares
Temas religiosos
Casario Vernacular e colonial
Retratos
Lúdicos
Fachadas
Bandeirinhas
Mastros e faixas
 

Santas e Santos

Na década de 30 passou a se dedicar a temáticas religiosas para monetizar seus trabalhos com muitas imagens católicas.

Os santos mais retratados são a Virgem Maria, o menino Jesus, assim como São Francisco, São Benedito, São Sebastião.

Marinhas – Náuticos

Em uma época de sua vida frequentou muito o litoral onde passou a pintar os temas de marinhas e náuticos.

Cenas urbanas e rurais

Parte da década de 30 pintou muito a região de Mogi das Cruzes onde depois comprou uma chácara.

Natureza e paisagens

No início de sua carreira pintava paisagens, de acordo com o seu entorno e com o que via.

Cultura popular brasileira

Foi na década de 40 que o artista passou a ter foco neste tema.

Grandes influências

Matisse e Giorgio Morandi, Margaritoni D’Arezzo, Gioto e Piero della Francesca.

Alfredo Volpi é um artista renomado no Brasil e fora, trabalhou de forma extensiva durante sua vida e um dos grandes nomes para ter em sua coleção de arte que apenas se valoriza com o passar do tempo.

Aldemir Martins usava cores intensas, densas e alegres em suas gravuras dando uma característica marcante com luminosidade e vida. Continue lendo e saiba mais sobre este aspecto de suas obras que são marcantes e vale a pena conhecer.

Cores de Aldemir Martins

Aldemir Martins usava com técnica e ousadia as cores primárias e secundárias em suas gravuras. Vermelho, azul e amarelo são as chamadas cores puras. Delas se originam outras como as secundárias verde, laranja e roxo também em vários tons em suas representações idílicas vindas da imaginação, como de paisagens.

Muito mais que uso de técnicas, o artista eternizou o uso de cores para ir além em suas composições artísticas.

Contagiava com sua alegria

Usada como ferramenta da linguagem emocional, o artista conseguia se expressar e contagiar a todos de uma forma que ultrapassa barreiras racionais. Muitas de suas gravuras com azul passam uma sensação de paz, enquanto as cores quentes como vermelho e laranja davam um toque caloroso e acolhedor, a exemplo de seus muitos gatos coloridos. Mas, ele não se limitava a usar a teoria das cores.

Um de seus gatos de 68 é de diferentes tons de azul de olhos verdes com fundo vermelho e laranja, por exemplo.

É possível encontrá-los em diferentes cores, desde vermelho, amarelo, branco, azul, preto, vermelho, entre outros. O que mais impressiona é a sua intensidade, característica marcante de suas gravuras densas e harmoniosas.

Densidade transporta e quase dá vida a seus personagens, paisagens e animais. Enchendo os olhos, usava com técnica primorosa usando matizes com tons e intensidades diferentes. Desta forma, despertava emoções diversas e dava contrastes variados. Aldemir Martins já declarou que o uso de suas cores celebrava a vida em 2002.

Não tinha medo de misturar cores

Além disso, não tinha medo de ousar e misturar vermelho com verde ou azul com amarelo, por exemplo para mostrar alegria e riqueza de alma, segundo seu canal oficial no YouTube. Um de seus cangaceiros tinha os dedos dos pés e mãos coloridos, por exemplo.

Uso livre das cores

O uso das cores de Aldemir Martins é algo que chama a atenção, já que ele não seguia uma regra ou lógica para retratar a fauna, flora, objetos e pessoas.

Em suas gravuras as representações ganhavam a sua interpretação quanto formas e cores dando asas a sua criatividade colocando gravuras únicas com a cara do Brasil, mostrando muito mais do que a alegria, mas paixão e calor tão comuns da atmosfera do país dando vida, mas também profundidade, movimento, densidade e texturas variadas.

Inusitadas as suas composições seguiam técnicas e uso de sua experiência acumulada durante os anos, mas com assinaturas próprias colocando suas impressões que ficaram eternizadas e que são valorizadas nacionalmente e internacionalmente até os dias atuais.

Infundindo vida com as cores, Aldemir Martins também dava tons de lirismo e poetismo com profundidade e brasilidade. Grande desenhista e pintor, suas gravuras são um espetáculo que vale a pena ter em sua coleção de arte.

Claudio Tozzi é um artista brasileiro que teve fases muito interessantes. Uma delas foi a arte pop nos anos 60 com obras valorizadas, pois foi um período que teve começo, meio e fim (salvo a releitura de 2018), fazendo um recorte histórico do que ocorria naquela época estilo Zeitgeist.

O pop-art é um movimento que começou nos anos 60 com Andy Warholl nos Estados Unidos e teve influência no Brasil em vários artistas que adotaram linguagens próprias criando uma arte pop nacional e muito interessante. Continue lendo e entenda.

Como é a arte pop de Claudio Tozzi

Claudio Tozzi usou uma estética em artes gráficas no estilo HQ usando serigrafia. A linguagem é a adotada pelos meios de comunicação de massa e também usou imagens de propagandas usadas nas cidades. Inclusive, os quadros receberam as mesmas tintas usadas naquela época pelas empresas.

Ao descontextualizar estas imagens subvertendo seus significados iniciais, ele chamava a atenção para as questões sociais relevantes de sua época com preocupação com o coletivo levando a reflexão e ao debate. Desta forma, despertando nas pessoas uma conscientização crítica.

Diferenças entre nossa arte pop e pop-art dos EUA

Se por um lado, nos Estados Unidos, as imagens do pop-art eram glamorizadas usando celebridades e produtos como uma espécie de prateleira, aqui a arte pop ganhou nova figuração através das habilidades e talento de Claudio Tozzi.

Com conotação específica tomando a pintura como um ato de resistência com engajamentos ideológicos propondo novas mensagens subvertendo e propondo novas sintaxes. Desta forma, criando novos objetos.

Se você se interessa por arte pop, um dos grandes destaques são sua série Os Astronautas.

Os astronautas

Por volta de 2018, Claudio Tozzi produziu obras mais atuais fazendo uma reimpressão de Os Astronautas para mostrar como o processo de pintura evoluiu.

Originalmente foram criadas a partir de 69 indo até 72 quando saiu desta fase com mais amplitude de formas e estudo de cores.

Uma delas mostra a face o capacete de um astronauta com uso das cores branco, preto, amarelo e vermelho. Assinado como 1969-2018 mostra o espaço temporal passado desde aquela época em uma reimpressão de uma gravura já concebida.

Na década de 60, Tozzi havia feito uma impressão daquela mesma gravura, mas usando uma técnica diferente usando liquitex sobre a tela.

O passar do tempo possibilitou que ele usasse tintas que surgiram depois, segundo conta em uma entrevista para a TV USP. Isso faz refletir sobre como os recursos disponíveis são importantes nos processos e o significado disso para a produção de uma gravura.

Já na exposição Emblemas da Cultura Brasileira realizada em 2018, Tozzi afirma que ele buscava mostrar a importância da técnica gravura para a arte brasileira colocando-a em uma situação mais familiar, ou seja, conhecida.

As imagens de astronautas são ligadas ao avanço tecnológico máximo de um país, representando ciência, mas também exploração espacial. Vale a pena refletir sobre os significados que estas imagens evocam e que tipo de pensamento crítico surge.

Gallery Wall é uma forma de adicionar arte dentro de casa de uma forma intimista, criativa, que expressará seus gostos pessoais, inspirará, acionará memórias ao fazer uma curadoria e deixar em destaque em uma parede elementos em forma de quadros, pinturas, fotos, obras, gravuras, etc.

Também fará parte do décor de uma maneira casual adicionando texturas, imagens e símbolos afetivos em um determinado cômodo.

Como montar uma Gallery Wall

Se já aderiu a ideia de montar uma Gallery Wall daremos dicas para fazer a curadoria e montar a sua galeria de arte pessoal. Confira!

Planejamento e curadoria

Tudo pode começar com uma ideia ou conceito que reflita seu lado pessoal. Será algo que estará na parede da sua casa por um tempo, por isso deve ser algo planejado ou temático.

Não é muito recomendado ir pendurando de forma indiscriminada. Se planejar e pensar antes terá um resultado harmônico e que fará parte do seu décor de forma integrada.

Se já gosta e coleciona arte, qual seria a peça mais significativa, que represente algo que goste, que foi importante na sua vida, representou um marco ou que apenas agrade. Escolha dois principais que serão os destaques da composição e flutue o resto de forma complementar ou significativa.

Estética e significados

Pense nestas duas coisas na hora de fazer sua curadoria, como ficará esteticamente e os significados para os moradores da casa. Nesta hora, além de imagens, intercalar frases importantes que inspirem ou reflitam seus valores é uma forma de dar significado a sua gallery wall sem interferir na curadoria das obras de arte mantendo sua estética planejada.

Crie uma palheta de cores

Agora será a hora de pensar de forma harmônica na paleta de cores com tons e intensidades. Por exemplo, para um resultado vintage o dourado predominará.

Monte tudo no chão

Antes de sair furando a parede, faça uma prévia no chão com as peças de arteque escolheu. O que nos leva para o próximo tópico.

Formas geométricas e simetria

Dispor as artes montando formas geométricas é uma das melhores maneiras de começar. Você pode criar linhas angulares, brincar com tamanhos diferentes, deixar elas verticais ou horizontais.

Usar peças que tenham quase o mesmo tamanho dará um senso visual de coesão. Deixar em forma de prateleira alinhadas com diferentes tamanhos é uma indicação para os iniciantes que não se sentem confiantes em brincar com layouts.

Dê senso de perspectiva na disposição levando em consideração que elas fiquem de forma confortável para olhar. Então, nem muito alto ou baixo.

Adicione formas e texturas

Para variar nas formas retangulares e quadradas, adicione peças que tem formatos diferentes para adicionar diversidade. Por exemplo, algo têxtil, bandeiras, de formato arredondado, oval, que se conectem entre si.

Atenção nas molduras

Deixar as molduras da mesma cor confere coesão, usar apenas de cor preta dará uma atmosfera contemporânea, tudo branco será clássico. Optar pelas metálicas dão um toque de luxo, se for pelo dourado será vintage, paleta pastel é delicada.

Pense na impressão que gostaria de passar. Possui uma personalidade eclética e vibrante, pode brincar com diferentes molduras que dialoguem e façam sentido estético dentro do tema que escolheu.

Julio Le Parc é um dos grandes nomes do modernismo onde desenvolveu obras sensoriais usando arte óptica e cinética. Para quem coleciona arte terá em seu acervo obras valorizadas, reconhecidas de um artista ativo que já foi chamado de ícone e um dos grandes, senão maior nome da arte Argentina. Le Parc ainda trabalha de seu estúdio em Cachan, local afastado de Paris onde vive desde os anos 70.

Formas geométricas estabelecendo relacionamentos

Trabalhando intensamente desde 1958, o artista dedicou seu tempo e recursos na tentativa de extrair algo que ele pudesse sentir e sempre estava prestes a emergir. A falta de materiais não o impediu de criar. Com influência do construtivismo com possibilidades para trabalho de figuras geométricas,  usou textos e trabalhos do pintor construtivista Piet Mondrian no começo de sua carreira.

Então, ele e outros artistas começaram a trabalhar examinando o relacionamento entre as formas ou até expandindo. Muitas de suas obras possuem origem a partir da reflexão acima com estudos, experimentos e tentativas de manifestar este conceito.

De um lado a experiência, do outro o espectador

De um lado estava a experiência em superfície e do outro lado os espectadores. Ainda existia um terceiro lugar que era o relacionamento entre olho e a superfície. Tudo baseado na prática sem uso de teorias científicas.

Obras com desdobramentos e variações

Portanto, cada pessoa teria a capacidade de ver, observar, interagir com capacidade de estabelecer um relacionamento com a experiência. Isso possibilitou que os trabalhos tivessem muitas possibilidades de desdobramentos tendo um grande número de variações.

Efemeridade da instabilidade

Ao incorporar movimento se estabelece esse relacionamento com noção de instabilidade. Algo que é e deixa de ser no próximo momento. Depois vem a ser novamente outra coisa. Tudo em tempo real.

Experiência com interação

Segundo contou para uma entrevista de 2013 para a Cultura, quando as pessoas são convidadas nas interações, elas são muito receptivas com grandes capacidades de observação, de ver e comparar.

Em muitos casos quando elas escrevem ou descrevem o que viram, acabam tendo concepções, tão boas ou melhores, que a dos críticos.

Energizar e dar outros olhares

Em 2017, Julio Le Parc deu uma entrevista para a revista Apollo onde contou que tinha fé na possibilidade de que alguém que tenha baixa renda, com uma ocupação ou de posição subordinada em termos de vida social, trabalho e família, conseguisse se sentir energizado depois de visitar suas exibições para conseguir ter otimismo e proceder de uma forma diferente em suas vidas.

Ainda complementa contando que a arte é um conduíte para estimular mudanças na sociedade, além de criar consciência e atenção. Além disso, com otimismo as pessoas conseguem superar situações tremendas.

Portanto, as pessoas além de serem parte fundamental das obras criadas por Julio Le Parc, existe um lado que propõe mudanças interiores, além de serem inspiradoras. O lado humano do espectador interage, cria e reflete, sendo importante em vários aspectos mudando de percepção, assim como ocorre com as obras de Julio Le Parc.

Conheça abaixo informações sobre algumas obras famosas e interessantes do arquiteto e artista gráfico brasileiro Claudio Tozzi.

Pop art com mensagem política

Os trabalhos de Tozzi nos anos 60 representavam o dia a dia, como de passeatas do movimento estudantil da qual fez parte. Segundo contou em entrevista para a TV USP de 2018, ele fotografava o protesto, levava para o ateliê e transformava em arte gráfica.

Usando a linguagem do pop art, pegando elementos da publicidade e das histórias em quadrinho fez composições únicas e com mensagens fortes sobre a situação política da época nacional e mundial.

Mensagens de Claudio Tozzi

Claudio Tozzi explica que a arte é sempre uma atitude política, que resulta em uma ação e um reflexo. Quando é construída de forma estruturada e organizada, os quadros se tornam uma mensagem.

Apesar da influência gráfica de suas obras nos anos 60 do pop art, ao contrário do que acontecia nos Estados Unidos, com a mensagem a crítica ao consumismo em massa, por aqui Tozzi destacava as mensagens de cunho político fundamentado em crítica usando serigrafia.

Com a obra Guevara, Tozzi imprimia a arte em papeis simples de cartão para distribuir em locais específicos, ampliando a exposição com grandes públicos e aumentando o alcance de sua mensagem.

Obras públicas

Pensando em fazer arte para impactar um número grande de pessoas, Tozzi fez intervenções em prédios da cidade de São Paulo. Preparando a parede, lixando e depois finalizando com reboco, com aplicação da resina acrílica especial, massa acrílica e tinta acrílica. O artista aplicou stêncils, usou máscara com fitas, com as mesmas técnicas usadas no grafitti.

A Paisagem

Usou imagens figurativas como no quadro A Paisagem de 1976, que está em uma sala do Palácio da Alvorada, para criar paisagens com elementos da natureza. A obra mostra como a natureza deveria ser se estivesse preservada com as manifestações e suas formas espontâneas.

Já a obra do Palácio dos Bandeirantes mostra a importância da diversidade construída na cidade de São Paulo com ajuda do trabalho dos imigrantes. As formas acabam construindo pessoas, mas que não são identificáveis como indivíduos, mas formam uma massa, um coletivo.

Das mensagens diretas a subjetividade

Após sua fase de protestos com artes de mensagens diretas, passou a subjetividade com formas geométricas, texturas, cores, objetos, espaços, formas. Suas obras são representativas e dão uma visão sobre diferentes movimentos modernistas ocorridos no país.

Paz

Mostra uma mensagem de resistência usando um tema atual dos anos 60: a guerra do Vietnã. Enquanto no Brasil ocorria a ditadura, Tozzi representava o estado de espírito mundial após anos de arrastamento deste conflito internacional.

A Zebra

A pintura de 1972 que está exposta na praça da República foi feita em poliuretano sobre zinco com escala urbana. Época das loterias esportivas, representou uma mensagem irônica, pois as pessoas ficaram confusas se era uma obra de arte ou propaganda.

Claudio Tozzi para colecionadores de arte

Quem coleciona obras de arte, Claudio Tozzi é um artista nacional reconhecido e que será apenas valorizada, de acordo com passar dos anos.

Aldemir Martins é um dos artistas mais importantes do cenário nacional. As cores de Aldemir Martins são uma das características marcantes das suas obras, além de seus traços. Masterizou técnicas de pinceladas e uso de luz. Inspirando alegria, suas formas são assimiláveis e de entendimento fácil.

A qualidade técnica é mostrada com coerência no desenvolvimento temático, como na evolução técnica com fidelização ao apego visual. Veja abaixo algumas de suas temáticas famosas e que valem conhecer e ter em sua coleção de arte. Além disso, aprenda aspectos de suas composições e qualidades.

Os cangaceiros

Retratava temas relacionados ao Nordeste e a fase do colorismo em que o artista Aldemir Martins retratava cangaceiros mostrava domínio de técnicas de pinceladas, uso de luz e cores na década de 80.

Retratava aspectos do sertão com uso de verde e outras cores alegres como vermelho, azul e branco. Usou pinceladas curtas para dar uma imagem leve e efeito de cores mescladas.

Futebol

Segundo conta em uma filmagem do canal do Aldemir Martins, um registro o mostra falando sobre a mitificação dos elementos do esporte por grandes jogadores, como Pelé que transcendiam línguas.

O futebol é um esporte que permeia nações e uma das marcas registradas do Brasil. A importância do esporte é mostrada de forma bem-humorada quando ele cita que todo brasileiro é excelente jogador, técnico e especialista para escalar e jogar.

Usou estas temáticas para fazer obras dando valor a elementos simples, mas que representavam a  popularidade e o espírito brasileiro, que é movido através desta paixão.

Flores

Outro destaque entre suas obras estão as representações de flores, sempre com uso de cores vivas e fortes. Além disso, a composição mostra diferentes suportes e elementos.

Animais

Todo mundo sabe do uso da figura de gatos nas obras de Aldemir Martins, mas o artista explorou muitas outros animais em sua carreira, tendo representado galos, cavalos e peixes.

Falsificações

O artista Aldemir Martins é muito valorizado e por isso alvo de falsificações. Um dos mais escolhidos são peças com os gatos, que acabam sendo vendidos a preços muito mais baratos.

O preço é um dos maiores indicativos de que uma obra do artista seja falsificada. Apesar de parecer um bom negócio, nada valerá no acervo, por isso busque referências e o certificado de autenticidade.

O uso de técnica de alta qualidade de Aldemir mostra cores vivas, com uso de iluminação e pinceladas perfeitas que as falsificações não conseguem reproduzir. Apesar de parecerem cores chapadas, elas ganham uma suavidade, resultado de muito estudo e dedicação do artista. 

Alfredo Volpi foi um artista brilhante autodidata que viveu e atuou em território brasileiro com amplo reconhecimento internacional. Suas obras são uma excelente escolha para quem deseja ter em seu acervo peças que ganham mais valor com o tempo.

Inclusive, houve uma valorização recente em que quadros de Volpi foram comprados por altos preços em leilão realizado em 2022. Uma gravura das bandeirinhas foi arrematada por R$ 97,000, segundo reportagem do Diário do Rio.

Apesar de ter passado por várias fases em sua carreira artística, tendo se iniciado na pintura desde muito novo, Volpi é automaticamente ligado por seus quadros de bandeirinhas de São João. Por isso, abordaremos este tópico neste artigo. Confira.

Por que Volpi pintava bandeirinhas?

Indo na linha do tempo evolutiva do trabalho de Alfredo Volpi, será preciso olhar para a vida pessoal do pintor e seus rumos pelo Brasil.

O pintor foi morar uma época na cidade do interior paulistano em área de Mogi das Cruzes e depois em Itanhaém aos finais de semana para visitar sua esposa em dois momentos distintos.

Nestas experiências passou a retratar o que observava onde começava a fazer suas versões de fachadas usando composições com perspectivas, pontos de fuga, técnicas de cores e soluções de problemas que começavam com figuras geométricas, além de elementos distintos com estilos de pinceladas diversos, indo do emocional ao metódico.

Elementos das fachadas e retratação dos festejos

As famosas bandeirinhas eram apenas um dos elementos destas fachadas nos anos 50, até começarem a ter um destaque maior e chegar ao protagonismo quando o pintor passou a abandonar perspectivas, proporções e começou a fazer efeitos planos simplificando suas linhas.

Inicialmente eram pintadas juntos a mastros, como de formas complementares de imagens das festas religiosas, danças, decorações e festejos.

Todas as suas pinturas com bandeirinhas foram feitas com uma tinta antiga chamada têmpora, usando pigmentos em pó, ovo e óleo de canela. Portanto, teremos uso de recursos milenares, retratação do cotidiano e da cultura das festas juninas comuns pelo interior do país e uso de técnicas de cores superiores usando campos cromáticos, ritmo, experimentação e subjetividade nas linhas.

Em vida foi conhecido entre os curadores e especialistas como um dos grandes nomes do modernismo, mas suas famosas bandeirinhas caracterizam apenas uma fase de sua carreira e evolução.

Isso não tira sua relevância e o apreço das pessoas por estes quadros, acabam sendo os mais visados inicialmente. Mas, se você gosta das obras de Volpi, convidamos a conhecer mais sobre seus trabalhos em suas várias fases.

Estes quadros terão um valor grande em sua coleção de arte, Volpi é um dos nomes consagrados, que apenas melhoram com o passar dos tempos.

Rubens Ianelli é um artista plástico que carrega em seu sobrenome o legado de artistas proeminentes do modernismo brasileiro. Continue lendo e entenda seu processo criativo, uso de técnicas, desdobramentos e uma prévia do que é encontrado nas suas exposições.

Rubens Ianelli

Para quem coleciona arte, as obras de Rubens Ianelli possuem prestígio, além de qualidade artística e técnica que apenas valorizará conforme os anos passarem. Além disso, possui bons preços de compra para investimentos.

Em colaboração do Museu Afro e a Imprensa Oficial do Estado de São Paulo, Rubens Ianelli lançou um livro em 2013 com pinturas coletadas de seu acervo dos últimos seis anos a partir da data de publicação.

Quem gosta de sua arte encontrará uma espécie de catálogo, que será muito útil para colecionadores, como ter uma impressão de qualidade de seu trabalho para prestigiá-lo e fomentar o artista nacional.

Uso de figuras geométricas

Rubens Ianelli usa predominantemente figuras geométricas com percurso artístico usando técnicas, além de um rigor e trabalho minucioso. Possui referências modernistas, construtivistas com influência indígena.

As formas são calculadas a rigor com medidas e cálculos precisos que se transformam em pintura em guache como uma espécie de matriz, que podem ser aplicadas em projetos com aço usando técnica de corte e desdobramento ou madeira para criação de esculturas.

Também faz trabalhos em azulejo com murais. Com uso de estudo e aquarelas pintadas a mão que vão ao forno e depois transformados em placa para serem expostos com durabilidade e primor.

A geometria usada por Rubens Ianelli liberta da representação fiel da imagem para partir a outras linguagens com abstração, que podem ser vistas nas obras do artista.

Olhando para as figuras é possível ter sua interpretação pessoal remetendo a lembranças ou mesmo a arquitetura. Um de seus últimos trabalhos, Rubens usou restos de madeira comidas por cupim, que foram pintados depois e lembram a estrutura de cidades.

Mar e montanhas

O mar e montanhas foram inspirações para algumas de suas pinturas com repetição de padronagens que remetem a paisagens que acalmam e inspiram reflexão e meditação.

Alef 

O Alef é uma palavra que quer dizer o início ou primeiro. É uma pintura a óleo sobre tela, que foi desdobrada em esculturas em ferro, como em papel paraná, bambu e pvc para dar aspectos tridimensionais. Alguns foram expostos no Museu Afro, como em outras instalações recentes.

O artista ainda transforma suas ideias para instalações maiores e que as pessoas possam se sentir imersas. Este é apenas um exemplo de suas obras que não acabam na pintura, mas que se transformam em outras peças mostrando sua versatilidade.

Processo criativo

Seu processo criativo envolve primeiro o desenho, que evolui para estandartes que são transformados em pinturas e esculturas.

Rubens Ianelli explicou para a Fundação Pró-Memória de São Caetano, que o desenho é fundamental, sendo considerado peça-chave de suas composições. Ele explica que desenhos bem desenvolvidos podem ser transformados em pintura com uso de matéria e de cores.

Leda Catunda é uma artista plástica brasileira proeminente importante do circuito de arte moderna.

Ela faz muitas gravuras com colagem que possa dar a sensação de alternabilidade da imagem.

A colagem dá um aspecto inusitado para a gravura que por padrão deve se repetir. Usa imagens com bordas arredondadas e são sua marca.

Síntese e construção

A gravura tem um trabalho de síntese de forma essencial. Leda faz um tipo de pintura objeto, que possui relevos e um raciocínio de construção que parte de desenhos, como de encontros de materiais. Faz uma soma dos materiais e a artista faz uma pintura por cima para criar uma linguagem que tira vantagem da ideia da colagem.

Críticas da sociedade hiperconsumista

Já fez uma série de imagens com colagens demonstrando gostos variados para refletir o sentido de uma sociedade hiperconsumista, que justifica seu consumo através de seus amores. Por exemplo, surfe, futebol ou um estilo musical, que aspiram um consumo afetivo onde essa imagem traz um visual em que acaba dissipando o bom gosto pessoal tirando o senso crítico das pessoas.

O resultado disso é algo emblemático que reflete na construção dos ídolos, que pôde ser visto na exposição I Love You Baby de 2016.

Processo de criação

A artista tem uma parede de aquarelas onde Leda investiga objetos testando formas e possibilidades. Alguns se transformam em obras, como servem de especulações, que se transformam em paisagens e abstrações.

Segundo Leda, o artista deve absorver o seu tempo e demonstrá-lo através de sua arte. Confira abaixo as principais características com informações coletadas de vídeos e entrevistas:

• O que era rígido e plano ganha volume e movimento;
• Uso de formas orgânicas;
• Materiais com recortes, tecidos com pinturas em acrílico e costura;
• A artista não produz imagens e usa as que já estão disponíveis;
• As inspirações possuem origem em seu cotidiano;
• Objetos caseiros dão uma sensação de aconchegamento em que eles ganham nova dimensão e textura.
• Usa objetos moles – colchão, tapete e toalha, cortina de banheiro, etc;
• Exagero do aspecto artesanal;

Motivos de não criar imagens e desenhos novos

Existe uma negação, pois com tantos à disposição, seja a nível industrial das embalagens, como de estampas de roupas, Leda se aproveita do que já foi criado ressignificando tudo.

O que suas obras refletem

• Xeque do gosto onde não existe exatamente um critério;
• Reflexão em relação a gosto x valor;
• A arte cria uma metáfora que fala de mitos em que as imagens de embalagens levam a um conforto mental ilusório;
• Romance que as pessoas têm com a vida projetando seus desejos em atos, quando na verdade a vida se faz nas coisas cotidianas;
• Evoca imagens pela memória relacionando a elementos que tenham marcado a vida das pessoas. Um veludo que lembra uma cortina de teatro, por exemplo.

Obras volumosas

Se dedicou a obras que projetam volume que fazem a superfície macia ter dramatização (tecidos moles. Se aproveita das pinturas feitas por partes, como da incapacidade do tecido cobrir a tela onde usou recortes e entrelaçamentos. Por exemplo, gotas que vão grudando umas nas outras.

Obras mais recentes explicadas

Copa Family – fala sobre afetividade e a importância dos outros. O tecido imita o piso de copacabana com uso de cores que refletem o lado carnavalesco e fantástico do bairro do Rio de Janeiro.

Três –  São 40 gravuras com colagens. A artista faz parte do conselho do grupo Aurora e produziu imagens de três partes que se fundem. Elas têm pequenas partes comcolagens com uma parte central que muda de cor, de acordo com a preferência das pessoas, além de uma borda com franjas como acabamento ou mudança do assunto.

A obra tem cores laranja, fundo rosa, amarelo, azul escuro e turquesa sobrepostos. O interessante é que cada pessoa enxerga algo na imagem subjetiva.

Andy Warhol é um artista americano que ficou conhecido pelas suas obras usando elementos do pop para criar arte. Usando figuras famosas do mundo da música e entretenimento, como os rostos da atriz Marilyn Monroe, da cantora Madonna, do artista Basquiat e mais pessoas que se destacaram em suas áreas, além da estética de marcas de consumo em massa, acabou criando um novo movimento artístico. Saiba mais.

1. Celebrava o way of life americano

Sua arte celebrava o consumismo e a cultura das celebridades que estava em seu auge entre os anos 60 a 80. Além disso, deixava evidente a cultura popular, entre outras características da sociedade transformando artistas em ícones.

Suas ilustrações impressas retratam a beleza idealizada aliada ao fato delas serem comerciáveis mostrando o estilo de vida americano, que praticamente inventou as celebridades de um mundo de aparências ilusórias sustentadas pela aparência.

As celebridades mostravam um padrão de beleza e as pessoas eram alçadas a patamares inalcançáveis, além de ditarem padrões de comportamento e lançar tendências.

2. Teve uma carreira produtiva

Andy Warhol criou cerca de 10,000 trabalhos entre 1961 até 1987. Sua arte ainda é uma das mais valorizadas e procuradas entre os colecionadores.

3. Usava técnica de repetição com serigrafia

O artista explorava o tema de identidade com suas repetições mostrando que as celebridades acabavam perdendo sua individualidade com a fama, já que suas imagens viravam produto de consumo em massa.

4. Imortalizou ícones

Andy Warhol começou a pintar o rosto da atriz Marilyn Monroe no dia de sua morte em 1962 e Jack Kennedy dias após o assassinato de seu marido o presidente John Kennedy em 1963. Desta forma, suas figuras se transformaram em ícones imortalizando suas imagens.

Além da esposa do político e da atriz de Hollywood, retratou o cantor Michael Jackson, o líder chinês Mao Tsé-Tung, além de marcas famosas como a marca de enlatados Campbell e a bebida gaseificada Coca-Cola.

Uma das suas obras mais famosas são o Golden Marilyn, Campbell Can Soup, Brillo Box, Mickey Mouse, Che Gevara, Pelé, Lenin, entre outros que substituíram a tendência do abstrato que dominava os anos 50.

5. É o pai do pop art

O pop art é um movimento que se caracteriza pelas cores vibrantes com variações, retratos de personalidades e técnica de repetição caracterizando a crítica do consumo em massa.

Era um artista plástico, mas tinha a veia comercial, pois trabalhou no meio publicitário, além de ter trabalhado com ilustração com revistas de moda, sabia as tendências estéticas que dominavam o mundo em que vivia.

Suas tintas acrílicas, de alto-contraste e uso de serigrafia marcaram o pop art e definiram uma estética seguida até os dias atuais.

Anita Malfatti é um dos nomes de destaque do circuito brasileiro de arte. Pintora, desenhista e ilustradora, seu nome é um dos mais importantes a serem estudados e suas obras integram coleções valorizadas. Continue lendo e saiba mais sobre sua vida e obras.

1. Anita Malfatti fez parte do grupo dos cinco

Anita Malfatti fez parte de um grupo seleto de artistas brasileiros de sua época, com Tarsila do Amaral, Menoti del Picchia, Oswald de Andrade e Mário de Andrade.

Juntos desafiaram as regras tradicionais impostas e criaram uma vertente com base em seu nacionalismo e desafiando o senso estético admirado na época, o modernismo.

2. Lecionou desenho e pintura no Brasil

Após morar e estudar em Paris em 1923, Malfatti voltou ao Brasil em 1928 para ensinar desenho e pintura. O ato de educar é algo que Anita aprendeu com sua mãe, que também ensinava pintura como forma de sustento e ensinou o básico para a artista quando ela era criança.

Além de dar aulas, fazia exposições e participou de grupos importantes da Família Artística Paulista e Sindicato de Artistas Brasileiros.

3. Foi do expressionismo ao fauvismo

A estética de suas obras é influenciado pelo expressionismo sem usar o naturalismo ao pintar contornos grossos com temáticas nacionalistas.

Em sua carreira acabou afastando-se do modernismo para se aproximar do fauvismo com uso de cores mais intensas com temáticas regionalistas. Terminou sua vida retratando temas da cultura popular.

4. O homem amarelo é uma de suas principais obras

O quadro O homem amarelo de 1916 é uma de suas obras mais importantes e foi exposta na Semana de Arte Moderna de 1922 feito em comemoração ao centenário da independência.

5. Era amiga de Di Calvacanti

Di Calvacanti quem lhe motivou a fazer sua primeira exposição com cerca de 50 obras. Os dois faziam parte dos mesmos círculos e eram amigos.

6. Suas obras tinham denúncias sociais

Anita Malfatti retratava cenas do cotidiano de centros urbanos onde evidenciava situações de desigualdade e de pessoas marginalizadas.

7. Monteiro Lobato fez uma crítica e impulsionou o modernismo

Os quadros de Anita com influência do expressionismo tinham a estética contrária do que o circuito de arte brasileiro apreciava com pinturas acadêmicas para a elite conservadora na época.

Por isso, sua exposição recebeu uma forte crítica negativa do escritor Monteiro Lobato publicado no jornal O Estado De São Paulo, que acabou impulsionando o modernismo no país com Anita encabeçando e puxando esse movimento.

Sem formas exatas

Suas obras desafiavam o senso estético proposto pelas vertentes tradicionais, que eram apreciadas naquela época. Buscando a renovação, o modernismo não se apegava a formas exatas.

Desta forma, desafiava as normas impostas pelo tradicionalismo onde as formas e figuras ficavam livres para o desenvolvimento dos artistas.

O modernismo tinha como tema recorrente o nacionalismo com artistas que buscavam criar uma arte brasileira com tendências próprias, ao contrário das vertentes que eram influenciadas pelos movimentos europeus.

A importância das pequenas galerias de arte foi medida pela Art Industry, que é uma empresa que fez uma avaliação com pequenas galerias dos Estados Unidos para criar uma lista de tendências para 2023. Foram mais de 600 correspondentes com até seis funcionários. Confira.

Crescimento e alcance por marketplace

A maioria dos compradores que fizeram compras online são novos no negócio de colecionar arte. De acordo com a pesquisa existem muitos novatos vindos dos marketplaces sem pouco ou nenhum conhecimento, mas que mostra uma abertura que pode ser explorada.

Galerias pequenas trabalhando com poucos artistas

Além disso, as pequenas galerias de arte não estavam investindo tanto em artistas novos, com um ou dois ao máximo ficando na média dos últimos dois anos. Esta desaceleração se dá pelas incertezas causadas pela inflação e conflitos faz com que as galerias arrisquem menos.

Híbrido online e offline

A pandemia criou um ambiente híbrido em que o físico e o online se misturam com as galerias usando newsletters por e-mail, atualizando o site, social media, como fazendo eventos e deixando plataformas online preparadas.

Estas ações online acabam sendo de forma paralela com as offline com organização de eventos, funciona em um modelo que está sendo cada vez mais adotado.

Obras subiram de preço

Uma coisa que aconteceu por conta dos conflitos políticos mundiais foi o aumento do preço de algumas obras, por conta da inflação. Os colecionadores estão encontrando preços mais caros e isso afetou a quantidade de artes que eles adicionam seguindo as tendências.

Arte abstrata lideraram as vendas

Uma das últimas tendências é o do apreço pela arte abstrata, que está liderando as vendas. Seguido das artes figurativas expressivas, realísticas, de paisagem, conceituais, surrealismo contemporâneo, minimalismo, street art, neo-expressionismo abstrato e fotografia de paisagem.

Pessoas estão dispostas a comprar online

As vendas onlines dispararam mesmo com a volta das exposições, mostrando que o público está mais aberto a comprar pelo digital.

Galerias novas baseadas em mídias sociais emergem

Galerias novas de três ou quatro anos estão surgindo pautadas pelo movimento de redes sociais mirando os colecionadores mais novos.

Curadores conhecem artistas através de outros

As galerias de arte pequenas da pesquisa estão descobrindo novos artistas através de outros artistas, no Instagram, através de outros profissionais e curadoria, em exposições, outros colecionadores.

Isso mostra que fazer um networking é importante, assim como divulgar outros artistas é uma das formas de maior alcance em chegar ao conhecimento de galerias a nível internacional.

Grupos etários para galerias diferentes

O grupo que mais gastou ao colecionar arte é o de faixa etária entre 35 a 54 anos pelas galerias tradicionais, enquanto as novas vindas das redes sociais têm alcançado públicos mais novos de 18 a 34 anos.

Os dois grupos têm gostos e agem de formas diferentes, com os mais jovens estando mais abertos a conhecer artistas online e os grupos mais velhos tendo preferência por uma busca física.

Começar a jornada em colecionar arte pode ser um processo intimidador, mas que ao final das contas é uma atividade prazerosa, que não precisa ser envolta de ansiedade.

Existem alguns pontos que podem ser seguidos que guiarão uma mentalidade e ajudará no processo de descobertas e aprendizado. Confira nossas dicas.

1. Esteja disposto a ver arte

É interessante que os colecionadores estejam dispostos a ver todo tipo de arte e não se limitar a apenas ao que lhe agrada.

Por isso, é indicado a frequentar o maior número de galerias, exposições em museus e procure online. De forma contemporânea, uma possibilidade atual é o de procurar por arte nas redes sociais, um bom território para fazer descobertas, já que terá a chance de explorar.

Apesar de o digital dar possibilidades maiores, recomenda-se que não deixe de procurar por arte pessoalmente, observar estilos e ideias para saber avaliar ou reconhecer.

Fazer isso fará com que entenda o mercado quanto aos artistas, como desenvolver um olhar e saber o que procura.

Uma vez que tenha uma base sólida, será mais fácil de reconhecer o que gosta ou não dando mais assertividade para montar uma coleção de arte que agrade e seja rentável.

2. Faça sua pesquisa

Assim que estiver mais confiante quanto a suas preferências, terá uma ideia do que gosta em estilo e até em artistas. O próximo passo será se aprofundar no que pretende colecionar.

Para isso construa relacionamentos com curadores de galerias de arte para ter informações sobre novos artistas e tendências.

3. Não busque apenas tendências

Estar informado das tendências não quer dizer perseguir uma só porque ela está em alta. Antes de comprar uma obra será preciso ter os pés no chão e avaliar bem, além de ter feito uma pesquisa profunda. O foco deve estar no trabalho e não no buzz entorno dos artistas.

4. Se conecte com o que for colecionar

As obras precisam fazer sentido para o colecionador será importante na longa jornada de investimento. Então, no começo é comum escolher arte a nível pessoal de algo que inspire, relembre algo, que ajude a mudar percepções, etc. Além disso, a arte deve gerar uma impressão que dure.

5. Confira o impacto social do artista

Além de conferir as obras é importante pesquisar sobre o artista e suas atitudes e em quais causas ele é engajado. Desta forma, conseguirá apoiar e investir em impactos sociais contribuindo com a comunidade.

6. Aproveite os processos

Apesar de parecer estressante quando não se está acostumado com o mercado de colecionadores de arte, não se sobrecarregue ou se preocupe em seguir um roteiro sem flexibilidade. Faça sua história sem querer apressar processos e coisas, aproveite cada etapa para aprender.

Faça sua primeira compra de forma confortável em seu orçamento. Começar pequeno garantirá que vá aos poucos e permitirá ir progredindo, conforme ganhar mais confiança em suas decisões, mas sem torrar seu orçamento. O processo deve ser agradável e sem muitas regras pré definidas para que ele seja livre de estresse.

A arte realista contemporânea é um movimento que representa pinturas muito bem executadas em mostrar os objetos como eles são usando técnicas avançadas. Saiba mais.

Arte realista contemporânea

O realismo contemporâneo tem subcategorias existentes como hyperealismo, photorealismo, pinturas narrativas, entre outros. Este movimento histórico tem como foco retratar a natureza perfeita com a arte, além de ser engajada com a conformidade e aceitação das coisas como elas são.

As coisas como elas são

Este tipo não tenta reproduzir o que algo poderia ser, dando atenção ao agora ajudando as pessoas a enxergarem a natureza frágil do dia a dia.

O resultado são uma arte que retrata o cotidiano e pessoas com realismo. O termo realista contemporâneo ainda não é oficialmente estabelecido e de consenso aceito pelos artistas do nicho, mas é um termo que existe e está sendo usado.

Portanto, se torna relevante para quem busca se aprofundar e ter mais conhecimento sobre suas obras da coleção de arte.

O moderno é mutável, assim como o realismo

Segundo a revista americana Realism Today, podemos ver muitos trabalhos representativos que podem ser reconhecidos como realista ou moderno.

O realismo costuma mudar, conforme o passar dos tempos, desde as cenas diárias retratadas pelo Gustave Coubert no meio do século 19, até as visões de John Sloan, Andrey Wyeth e Edward Hopper.

Além disso, o termo moderno também é mutável, com cada geração mostrando uma modernidade em relação aos seu tempo e a geração anterior.

O termo foi usado para definir a coleção de Sara Robyn em um museu de arte americano The Smithsonian em 2014, mostra que o termo é usado pelas pessoas do nicho.

Representação realista

O realismo moderno pode ainda ser descrito como uma pintura ou escultura que tenha nascido da abstração na arte moderna, mas que ainda assim represente coisas de um viés realista.

Este tipo de arte deixa pouco espaço imaginativo, pois representa a figura exata da aparência das coisas retratadas.

Ainda assim podem ser usadas técnicas tradicionais que podem ser consideradas modernas, com apelo representacional do momento.

É um nicho crescente que ainda ajudam a entender modos e costumes de certas épocas, com olhar sem interferências das interpretações pessoais do artista, de forma pouco subjetiva.

Em outras palavras, mostrando aspectos da realidade moderna mostrando o mundo como ele é, aceitando de forma crua e verdadeira as formas e estéticas das pessoas e dos objetos.

É muito comum ter retratos usando diferentes métodos ou cenas cotidianas nas artes de realismo contemporâneo podendo ter vertentes que exploram o uso de hyperealismo fantástico, mostrando que o movimento é diverso e plural para todas as formas de expressão.

É um movimento que fez contraponto com o expressionismo abstrato indo ao contrário do mundo ideal, mas ligado ao real sem uso de sentimentalismo.

É uma forma de arte que ajuda a expressar como o mundo está atualmente, de acordo com a experiência pessoal de cada artista, que enxerga o mundo de pequenos recortes realistas.

Começar a expor obras em galerias de arte é um dos primeiros passos para a profissionalização, reconhecimento e crescimento.

Estes ambientes são ótimos locais para mostrar o trabalho, atingir públicos interessados e conseguir monetizar as obras, mas também fazer uma rede de conexão com curadores, outros artistas e colecionadores. Continue lendo e aprenda.

Dicas para ter suas obras em galerias de arte

As galerias de arte estão acostumadas a ter contato com novos artistas. Em outras palavras, podem existir centenas de contatos todos os meses e nem sempre um retorno será garantido por uma série de motivos.

É preciso pensar que a galeria faz parte de um nicho em que a venda e compra de artes é comum, por isso é preciso ter uma avaliação da arte para saber se ela se encaixa no lado comercial do local. Este pensamento é uma das primeiras etapas para começar a ver a arte como um negócio.

Então, muito mais do que ser excepcional em criar obras incríveis, é preciso desenvolver um lado de negociação e de construção de relacionamentos com contatos com pessoas da área, além dos curadores e demais funcionários da galeria de arte.

Tenha um portfólio consistente

Se a premissa é ter sua obra exposta em galerias de arte, deve ter no mínimo um portfólio consistente para avaliação. Um número bom seria pelo menos umas 30 obras.

Tenha fotos em qualidade

Não será possível andar com suas obras para todos os lados, portanto é importante investir em fotos profissionais de qualidade para mostrar quando a oportunidade surgir.

Invista em um site

Nem sempre será possível ter uma reunião presencial com o curador da galeria de arte, portanto é preciso digitalizar sua arte através de um site básico que tenha as obras e suas informações de contato e biografia.

Fazer isso aumentará a exposição das obras não apenas para quem trabalha em galerias, mas para o público em geral.

Estude as obras das galerias

Saber se a arte se encaixa dentro da seleção dos artistas da galeria que você deseja expor, exigirá muito trabalho de pesquisa em saber quais obras estão em exposição e venda atual. Pesquise sobre os artistas também para aumentar suas chances.

Converse e estabeleça um relacionamento de troca

Entrar em contato será apenas o primeiro passo. Mas, conseguir estabelecer um relacionamento saudável de troca será o ideal.

Isso não quer dizer entrar em contato insistentemente sempre se apresentando da mesma forma ou persistindo mesmo com uma resposta negativa.

Se sua arte não se encaixa na galeria, parta para a próxima da lista e tenha foco em seu trabalho. Você pode aguardar até o momento de sua carreira em que suas obras se equiparem ao modelo de negócios que o local trabalha ou não. Mantenha a cordialidade e as oportunidades podem surgir.

Se encontrar uma abertura, inicie um relacionamento a base de conversas, disposição para trabalho e com os interesses alinhados, transparentes, de forma profissional e consistente em que ambas as partes ganhem.

O mundo da arte e dos colecionadores movimentam altos valores onde um mercado é ávido por obras. Conheça abaixo uma lista com as vendas mais caras da história.

1. Salvator Mundi por US$ 450 milhões

Esta venda foi feita em 2017 quando um quadro de Leonardo Da Vinci foi parar nas mãos de Badr bin Abdullah al-Saud, se tornando a venda mais cara da história.

Esta pintura pertencia ao monarca King Louis XII no ano 1500, mesmo período que o quadro da Mona Lisa foi criado. No entanto, sua história é interessante, pois o Salvador Mundi não foi relacionado ao Leonardo da Vinci antes do século 21, ficando esquecido e perdido pelo mundo.

Ele percorreu grandes distâncias durante a II Guerra Mundial, antes de ir parar em uma audição de New Orleans em 2005, quando Robert Simon e Alexander Parrish a compraram pela bagatela de US$ 1,500.

Foram conduzidos seis anos de pesquisa antes dos historiadores confirmarem sua autenticidade. De acordo com dados da Bloomberg, a pintura pertence a Mohammed bin Salman, príncipe da Arábia Saudita.

2. Interchange por US$ 300 milhões

O quadro Interchange de Willen de Kooning foi comprado em 2015 por Kenneth C Griffin. Esta foi a peça de arte moderna mais cara vendida.

Kooning foi um dos fundadores do expressionismo abstrato e o Interchange foi pouco visto pelo público em geral, fazendo parte de acervos de colecionadores de arte privados.

Suas obras são sempre bem avaliadas, valorizam com o tempo, com grande procura e concorrência, já que o artista já faleceu. Portanto, existe um número de obras limitadas.

Para ter ideia esta obra foi vendida originalmente por US$ 4,000 em 1955 pelo arquiteto Edgar Kaufmann Jr. Depois ela foi negociada em 1986 para o dealer de arte Shigeki Kameyama por US$ 20,7 milhões.

Na década de 90 durante a recessão econômica no Japão foi vendida a David Geffen, penúltimo comprador.

3. The Card Players por US$ 250 milhões

A obra de Paul Cézanne chamada The Card Players (Os Jogadores de Carta) foi a obra mais cara vendida entre os anos de 2011 a 2015.

Ela é um quadro a óleo de uma série de cinco obras pós-impressionista. Todas elas possuem pequenas variações quanto ao número de pessoas na mesa e estilo de jogo.

A última versão foi comprada pelo Estado do Qatar através da família real e outra versão está no Musée d’Orsay em Paris na França.

4. Nafea Faa Ipoipo (When Will You Marry?) por US$ 210 milhões

A obra de Paul Gaugin de 1892 foi vendido em 2014. O quadro retrata a passagem de Gaugin ao Tahiti onde ele se apaixonou pelo povo e ilha. Ele foi amigo de Vincent Van Gogh onde moraram juntos e faziam pinturas juntos dos mesmos objetos sob perspectivas diferentes.

Foi por conta de uma briga com Van Gogh, que o artista se mudou e foi parar no Tahiti onde um ano depois pintou Nafea Faa Ipoipo, vendida inicialmente por 7 francos. É outra obra da família real do Qatar. 

Saiba que a arte pode fazer parte não apenas de galerias de arte, mas também dentro do acervo privado de colecionadores de arte.

Elas costumam pertencer a bilionários, artistas, industrialistas, celebridades, membros de família real, entre outros grupos de grande poder aquisitivo. Confira os mais famosos com acervos com obras famosas e bem valorizadas.

1. Ezra e David Nahmad

O valor da coleção de arte impressionista e de arte moderna desta dupla está estimado em US$ 3 bilhões.

Entre as obras mais icônicas e famosas está um quadro de Picasso Jacqueline de 1955. Os irmãos colecionadores de arte são homens de negócio, vendem e compram obras de arte visando lucro.

2. Madonna

A cantora americana Madonna é uma colecionadora de arte com um acervo de US$ 100 milhões. Ela tem fotografias, Art Deco e outros itens de artistas femininas.

Ela é a dona da Buste de Femme a la Frange de Picasso e Les Deux Bicyclettes, além de peças de Frida Kahlo e Bansky.

3. Justin Sun

O fundador de uma plataforma de criptocurrency é um colecionador de arte com obras de um acervo de US$ 100 milhões.

Tem arte digital e tradicional com obras de Pablo Picasso (Femme Nue Couchée Au Collier) e Andy Warhol são apenas algumas delas.

4. Count Giuseppe Panza di Biumo

Coleciona Pop Art e arte minimalista desde 1956. Ele é conhecido como difusor do Pop Art e sua coleção pessoal de US$ 11 milhões já foi considerada uma das mais importantes do período pós-guerra de arte americana das décadas de 60 e 70.

5. Steve Cohen

A coleção de US$ 1 bilhão de arte pós-impressionista e arte moderna tem peças de Van Gogh’s (Young Peasant Woman) e Gauguin’s (Bathers).

6. Eli Broad e Edythe Broad

Juntos têm uma coleção de mais de 2,000 peças de 200 artistas de arte contemporânea e pós-guerra de valor estimado em US$ 2,2 bilhões.

É deles a icônica peça Two Marilyn’s de Andy Warhol’s, além de peças de artistas renomados como Yayoi Kusuma, Roy Lichtenstein. Grande parte está exposto no museu The Broad em Los Angeles.

7. Paul Allen

O co-fundador da Microsoft era um colecionador de arte apaixonado. Passou 26 anos de sua vida comprando obras de arte e montou um acervo impressionante.

Gostava de arte contemporânea, pontilismo e arte florentina. Fazia de sua coleção Botticelli, Vincent van Gogh e muitos outros que foram vendidos em leilão na Christie’s em novembro de 2022 por US$ 1,6 bilhões.

A obra mais cara de sua coleção foi o Les Poseuses, Ensemble de Seurat’s que foi vendido por US$149,2 milhões.

8. Claribel e Etta Cone

As irmãs são socialites americanas que colecionam arte moderna em acervo de mais de US$ 1 bilhão. Elas são donas de obras de Picasso, Henri Matisse e Gertrude Stein.

Sua coleção é uma das mais famosas dos Estados Unidos e grande parte pode ser vista do Baltimore Museum of Art.

Paulo Whitaker é um artista brasileiro especializado em arte contemporânea bem reconhecido de forma nacional, quanto internacional. Para saber mais sobre seus quadros e desenhos, continue lendo.

1. Paulo Whitaker usa estêncil

Uma das técnicas de Paulo Whitaker é usar uma mistura de tinta spray com óleo usando o estêncil com moldes feitos de papel ou máscaras. Desenhos são recortados deixando a forma da prancha estampada.

Esta técnica envolve colocar os moldes vazados de formatos variados para criar figuras no quadro ou qualquer outra superfície. A aplicação pode ser feita em quadros, como em paredes dando profundidade, textura, camadas, efeitos diferentes.

Paulo Whitaker - Figura

Proveniente da street art, o estêncil possui um apelo forte de forma gráfica, tem o estilo de protesto, além de ter como elementos a rapidez e praticidade.

2. Faz experimentação dinâmica

Ao usar o estêncil de diferentes formatos, Whitaker vai experimentando uma forma na outra, marcado por uma dinâmica fluida que conversará de maneiras diferentes, conforme seu conhecimento empírico acumulado até aquele momento.

Portanto, poderá se guiar através de uma série de pensamentos e sensações, conforme suas vivências, experiências e tudo o que aprendeu até ali para ter uma impressão.

Paulo Whitaker - Formas

3. Seus quadros mostram um histórico de criação

O artista ao sobrepor figuras em seus quadros conta uma história em que as pessoas poderão ver momentos de suas tomadas de decisões, onde mudou o percurso, etc.

É interessante observar como estes processos foram feitos, além da ordem de aplicação acompanhando a mente do artista nos processos de construção do quadro ou desenho.

4. As formas são ressignificadas

As figuras colocadas no estêncil são ressignificadas, conforme o artista experimenta na tela. Desta forma, ele acaba dando formatos novos e formas de se enxergar as formas, curvas, profundidade, cores. Além disso, através de sua abstração, consegue expandir o conceito de espaço e tempo.

Paulo Whitaker - Oratório

Elas dará perspectiva espacial, com estruturas e configurações nada convencionais ou esperadas. Portanto, de forma calculada e espontânea elas tomam caminhos nada óbvios dando um toque de imprevisibilidade.

5. Formas evocam desconforto e plenitude

Em suas próprias palavras, quando cria suas obras, o artista fica em um estado pleno de paz, mas que lhe causa um pouco de desconforto, como uma espécie de estado de suspensão.

Da mesma forma, é possível acalmar ou excitar a mente ao observar os quadros de Paulo Whitaker, pois com foco e observação, vários elementos surgirão na cabeça enquanto observará as decisões feitas, formas e profundidade.

Paulo Whitaker é um artista contemporâneo que vale a pena conhecer e dar olhares mais longos para quadros. Se ficou com alguma dúvida, deixe um comentário ou entre em contato para saber mais do acervo disponível do artista para compra, compor coleção ou saber de exposições.

Reynaldo Fonseca (1925-2019) é um dos grandes artistas do Brasil. Entre os colecionadores de artes é bem conhecido onde seus quadros e ilustrações mostram o domínio de técnicas tendo resultados impecáveis, além de terem sua marca impressa através de algumas características. Em outras palavras, desenvolveu um estilo próprio.

No mercado, suas obras valem muito e quem deseja comprar deve desembolsar em média entre R$15 mil e R$90 mil, preço divulgado pelo Diário de Pernambuco em 2017. Uma gravura de 47cm por 66cm não sai por menos de R$ 2,000 a R$ 3,000, só para ter ideia.

No entanto, de uns anos para cá e segundo relatado no Instagram oficial do artista @reynaldofonsecaoficial, falsificações tem sido vendidas a preços mais baratos e de pouca qualidade.

O que parece ser um bom negócio, acaba sendo uma cilada, pois uma obra falsificada não tem valor algum no mercado. Estas falsificações costumam ter metade do valor original e são vendidas de forma clandestina.

Como reconhecer uma obra verdadeira de Reynaldo Fonseca

As obras verdadeiras de Reynaldo Fonseca possuem certificado de expertise, que é concedido com firma reconhecida em cartório. Este documento é uma garantia do valor da obra de arte, ou seja, é fundamental.

Ela pode ser apresentada de duas formas, com assinatura do autor no anverso e a segunda é o certificado impresso contendo fotografia da obra, descrição detalhada e assinatura com firma reconhecida.

Vá em galerias de arte confiáveis

Além disso, recomenda-se procurar obras de Reynaldo Fonseca em galerias de arte com curadoria especializada, onde poderá ter mais informações sobre sua validação ou na dúvida entrar em contato com a família do artista. As galerias confiáveis têm esta conexão ou poderá ter intermediários com opções de networking.

Quem coleciona arte costuma ter como intermediário galerias de arte, que é um dos locais mais indicados para comprar e vender. Além disso, terá todo o cuidado com os certificados, avaliações de obras e uma noção do valor do mercado, além de poder aprender mais sobre artistas e obras, ter contato com outros colecionadores qualificados tendo acesso a um nicho bem específico.

As obras de Reynaldo Fonseca têm predominância de algumas características com retratação de cenas cotidianas, com figuras humanas com uso de cores voltadas ao amarelo, laranja e marrom, ocre, terracota. Os desenhos possuem traços com técnicas aprimoradas. Além disso, os rostos de suas obras são expressivos com uma luz interna.

O artista teve uma carreira com mais de 75 anos até seu falecimento em 2019 aos 92 anos de idade, continuou pintando e quando não pôde ficar de pé, desenhou todos os dias de sua vida, por isso possui um acervo enorme e nem tudo está à venda. O que está disponível para compra está em galerias, com a família e com colecionadores de arte confiáveis.

Quem admira suas obras pode visitar os principais museus, salões de arte e bienais, como Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, Museu de Arte Moderna de São Paulo, como museu do estado de Pernambuco. As galerias também têm exposições, fique de olho nos calendários e programações. 

Zezão é um artista plástico paulistano especializado em grafitti que ganhou o mundo com a sua arte. Devido a sua relevância, confira alguns pontos importantes para entender sua maior criação: os flops.

Zezão e os Flops

O graffitti que lançou Zezão ao mundo ficou conhecido como Flops. Em linguagem técnica significa Floating-point Operations per second é usado para referir ao campo de cálculos científicos com ponto flutuante. Em outras palavras, mede a capacidade de processamento de um computador.

Já como gíria, flops deriva de flopar, que possui significado negativo, dando entendimento de fracasso.

Enquanto seu graffitti parece visualmente futurista e o próprio ter se aproximado deste tipo de referência ao ter lançado em 2014 uma exposição em black tape que lembrava sistemas de computadores, o modo como os graffittis foram colocados pode remeter ao sentido da gíria também.

Zezão 2

Zezão sempre escolheu pintar em locais de degradação e escondidos nas cidades em que as pessoas ignoram ou tentam ficar longe.

São os esgotos, lixões, locais feios de muros sujos com má manutenção, fábricas abandonadas, nas ruas esquecidas das grandes cidades aonde se reúnem as pessoas excluídas da sociedade.

Elas estão ali para ser uma crítica em forma de arte que mostra como a degradação, esquecimento e descaso dos órgãos responsáveis fracassaram em suas políticas públicas mostrando desinteresse nas pessoas marginalizadas pela sociedade.

Transgressão

De forma transgressora, ou seja, ultrapassando as noções humanas que pressupõem a existência de uma norma, mostrando que os limites foram ultrapassados, desrespeitando as condições básicas para a existência humana com o descaso das autoridades.

Através de sua arte de rua, Zezão marcou pontos da cidade de São Paulo em que havia justamente o descaso, a falta de consideração pela condição humana onde as pessoas marginalizadas são além de excluídas, esquecidas e humilhadas.

Zezão 1

Discussão atual: água

Seus flops também lembram a água pela sua cor azul e um movimento fluído lembram a má gestão deste recurso onde o esgoto cai a céu aberto em muitos locais da cidade, sem tratamento ou consideração pelas pessoas em seu entorno.

Na falta de políticas públicas e falta de importância pela sociedade de forma geral, esta situação só piora e não apenas no Brasil, mas mundo. Não à toa, Zezão saiu do Brasil para pintar esgotos e canais países à fora onde este tipo de prática também acontece, comuns de megalópolis.

Violência urbana

A violência urbana acaba sendo consequência do descaso, da afronta com a população que não encontra meios de subsistência dignas, como uma resposta direta dos problemas escondidos que fluem como a água suja dos esgotos para o subterrâneo imoral.

Zezão 3

O artista processa e entrega esta reflexão para as pessoas mostrando que a arte pode permear níveis profundos da consciência, levantando questões e criando debates.

Sérvulo Esmeraldo (1929-2017) foi um dos precursores no Brasil da arte cinética com sua excelência e experimentação de técnicas. Continue lendo e entenda sobre a técnica artística e uma de suas maiores obras: Excitables.

Arte cinética

A palavra cinética significa movimento e foi usada com maestria por Sérvulo Esmeraldo em sua carreira.

Segundo documentário sobre o artista produzido pela Sesi, ele se inspirou muito cedo na ideia de movimento e luz ao observar a natureza e objetos. Durante sua carreira trabalhou estes conceitos e ganhou projeção internacional com a série Excitables.

A ilusão do movimento foi algo que ele incorporou em seu processo criativo e nos resultados. Na arte cinética, existe a introdução do elemento tempo, fazendo refletir sobre a importância das tecnologias no mundo moderno e permite explorar uma visão diferente.

Nela, são usadas formas geométricas que distorcem a percepção das pessoas, criando arte não estática, mas que se move.

Sérvulo Esmeraldo 01

Em outras palavras, tem elementos que se movem ou que requer que o espectador se mova para ter a experiência completa com os efeitos desejados.

É muito comparada com o op-art, mas são estilos diferentes e distintos com suas semelhanças. Enquanto o op-art dá a ideia de movimento sob um ponto estático, a arte cinética contém o elemento movimento.

Ela pode existir de diferentes formas e os artistas costumam ultrapassar barreiras. Pode ser aplicada em esculturas que se movem, por exemplo. Inclusive, com obras que podem ter peças movidas.

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Excitables (Os excitáveis)

Sérvulo Esmeraldo através da obra Excitables, consegue transmitir a poética do movimento. Foi um trabalho elaborado e produzido na França ao longo de mais de uma década.

Mostrava pensamento científico e explicou este trabalho a um artigo publicado na Latin American and Latino Art (ICAA). Contou que sua obra inicialmente parece ser estática, mas de fato são como fenômenos naturais em que tudo está em movimento.

A obra se reúne em um uma série de objetos que reagem a cargas elétricas e a condições atmosféricas, por isso, estão em constante mudança. Ele realizou diversos experimentos com eletroestática do corpo humano e coisas em seu processo criativo.

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A série é composta por caixas envolta de plexiglass contendo certos materiais que podem ser carregados com energia estática e começam a se mover quando entram em contato com o corpo humano, de forma espontânea ou programada.

Segundo suas palavras, tudo na natureza é fervilhante de vida não apenas no nível da matéria. Em sua opinião, as cargas elétricas têm poder infinito dando movimento e mistério.

Com isso, uma série de coisas acontecem a níveis profundos, elas se desprendem, afloram, desaparecem, anulam ou modificam.

Elas se movimentam dependendo das condições atmosféricas, além de reagirem quando as mãos encostam no plexiglass causando uma fluidez.

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Encaixado dentro do campo de arte moderna, a arte cinética de Sérvulo causa fascinação e oferece uma experiência imersiva e que reage de acordo com os movimentos, sendo interventiva e ativa.

Dá uma sensação de tempo e espaço usando mecânicas baseadas na eletroestática valorizando o uso da ciência e transformando em arte para contemplação e reflexão.

Do pensamento crítico as obras de cunho filosófico e político, Regina Silveira, acadêmica e artista contemporânea, é um dos principais nomes brasileiros a se projetar internacionalmente com seu trabalho. Entenda quatro obras importantes de sua carreira.

1. To Be Continued

Esta é uma das obras que mais receberam projeção internacional. É composta por recortes de fotos publicadas em revistas turísticas, de embaixada e da mídia tradicional, de imagens estereotipadas da América Latina.

Estes recortes foram colocados como peças de quebra-cabeça encaixáveis, que não compõem uma ordem ou imagem única.

Regina Silveira coloca em suas criações, críticas políticas denunciando ou colocando a luz reflexões profundas. Ela fala sobre apropriação de elementos de diversas culturas diferentes sendo colocadas em logos de empresas, ilustrando matérias, fazendo parte de propagandas, etc.

Estas imagens e símbolos acabam formando uma imagem pobre, preconceituosa de diferentes povos que compões os países da América Latina.

Estas imagens projetam a imagem internacional dos países latinos, interferindo na sua compreensão e interpretação dos povos e países compostos de diferentes fragmentos, assim como costuma ser a visão de turistas da Europa e América do Norte em relação a América Latina.

A artista explicou em uma entrevista a revista online de arte contemporânea Berlin Art Link, que o nome da obra To Be Continued (A continuar) representa que ela não acaba ali, assim como as telenovelas e seriados. Foi a primeira obra que ela usou impressão digital, composta de 110 peças de 40 x 50 cm cada.

2. Brazilian Birds

Brazilian Birds (Pássaros brasileiros) representa uma forte crítica ao desmatamento permitido na Amazônia para a construção de uma estrada no período da ditadura chamada transamazônica, com influência direta de políticos e militares na década 70.

A artista pegou uma imagem de um cartão-postal turístico e usando linhas mostrou a trajetória de voo de urubus. Segundo Regina Silveira, as linhas mostram trajetórias de voos usando correntes de ar tiradas de uma revista científica Scientific American.

Já a imagem do cartão-postal fazia parte da série Brazil Today de 1977. A ideia era associar a ave de sobrevoando a transamazônica, símbolo de dominação.

3. Plugged

Plugged reúnem três fotogravuras usando placas de metal para produzir uma imagem. De forma simbólica, Regina brinca com jogo de luz em sombra para fazer uma crítica em relação a dominação e poder.

A luz é símbolo de conhecimento na sociedade moderna. Uma das fotogravuras mostra uma sombra de mão acendendo um interruptor mostrando que o poder está nas mãos de poucos e o impacto que isso tem.

Usada como metáfora para mostrar como as pessoas que controlam o poder agem pelas sombras. Outra imagem mostra uma mão com os dedos enfiados na tomada mostrando a suposta carga de energia luminosa que ela receberá.

Já a silhueta da mão com a lâmpada apagada representa a luz, fazendo uma contraposição a seu significado oculto.

4. Executive Destructers

Executive Destructers (Executivos Destrutivos) faz parte de uma série lançada nos anos 70 e 80 que usa linhas geométricas que colocam as pessoas em perspectivas para denunciar estruturas de poder.

Pierre Verger é reconhecido mundialmente por conta de seu trabalho documental, fotojornalístico, acadêmico, antropológico, histórico onde coletou um vasto acervo de imagens ao redor do mundo, além de ter sido um estudioso, etnologista e escritor.

Suas obras e jornada de vida marcaram e continuam deixando suas impressões por gerações. Confira seis curiosidades sobre Pierre Verger para entender um pouco de sua vida e obras.

1. Pierre Verger estudou profundamente a cultura e religião africana

Pierre Verger é um fotógrafo que se encontrou na matriz africana onde se especializou em ritos religiosos, na prática divinatória Ifá onde renasceu na África como Fatumbi, graduação mais alta dos babalaorixás quando esteve em Benim na África.

Estudou as raízes da cultura africana se especializando em antropologia, escreveu livros e estudou etnologia. Terminou um doutorado pela Sorbornne em Paris onde abordou o tráfico de escravos do golfo de Benin até a Bahia.

Pierre Verger - Candomblé Joãozinho da Goméa

Grande parte de seu interesse refletia em suas fotografias, que retratavam a Bahia e África. Se encantou por Salvador onde mudou em 1946, viveu e faleceu aos quase 100 anos de idade. Também se dedicou a pesquisar e estudar a cultura afrobaiana e suas influências na África.

2. Era fluente em iorubá

Sua dedicação era tanta, que além de ter sido adepto do Candomblé, aprendeu a língua iorubá. Inclusive, sua última obra escrita foi um guia medicinal escrito em iorubá reunindo um trabalho que levou décadas de pesquisa.

3. Sua primeira câmera foi uma Rolleiflex

Usava uma Rolleiflex, um clássico da fotografia e ajudou Pierre a captar imagens ao redor do mundo. A máquina é um item visado entre colecionadores e amantes da fotografia, foi a primeira de Verger e a que o ajudou a se profissionalizar.

4. Visitou mais de 60 países

Após uma tragédia familiar, virou repórter fotográfico onde passou por mais 60 países. Foi colaborador dos principais periódicos mundiais onde vendias seus registros.

Verger passou grande parte de sua vida viajando e tirando fotos. Possuía estabilidade financeira proveniente de sua família búlgara burguesa que se estabeleceu na França.

Passava pequenos períodos em Paris onde visitava amigos e familiares, mas logo partia. Contribuiu com um acervo de 62 mil negativos.

5. Morou em Salvador na Bahia

Foi em Salvador que ele se encontrou no mundo, local onde viveu até o fim de seus dias. Apaixonado pela cultura e o modo de vida, criou raízes religiosas e teve uma vida livre e liberta, conforme seus valores e anseios.

6. Livro Jubiabá o fez querer conhecer o Brasil

Leitor ávido, foi por causa do romance de Jorge Amado que se interessou por conhecer a Bahia. Publicado em 1935 tem como personagem principal um babalorixá do Candomblé. Vivia de forma simples em um local com uma vasta coleção de livros, sem luxos e minimalista.

Renina Katz é um grande nome da gravura brasileira, contribuiu em muito com sua arte e todas as suas formas de expressão.

Desenhista nata, passou pela gravura em metal, pela xilogravura, litografia e pintura. Confira algumas curiosidades sobre a vida e obra da artista, retiradas de entrevistas, que ajudarão a compreender um pouco de sua trajetória.

Renina Katz 5

1. Sua série Favela buscava fazer denúncias sociais

Renina Katz foi engajada na militância em sua juventude em uma época do país pós guerra. Se definia contra o fascismo, com simpatia por valores socialistas.

No começo de sua carreira em 1956 lançou uma série de xilogravuras com tema Favela, que buscavam destacar os problemas sociais quanto ao descaso com as pessoas pobres que moravam em aglomerados.

Representava cenários do cotidiano, de pessoas trabalhadoras, de mulheres, crianças, homens em cenários comuns. Durante duas décadas, a de 40 e 50, se engajou as questões sociais com seu trabalho e lançou obras marcantes usando xilogravura.

Renina Katz 4

Também revelou o universo dos retirantes e de pessoas marginalizadas com atmosfera dramática e expressiva.

2. Foi aluna de Axel Lescoschek

Axel Lescoschek lecionou por muitos anos no Brasil antes de voltar para a Áustria. Ilustrador e especialista em xilogravura, ensinou além de técnicas para Renina Katz valores que ela levou em sua docência quando foi professora da Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da Universidade de São Paulo.

3. Foi instigada a aprender gravura em metal por um amigo

Poty era um amigo de Renina e a instigava a trabalhar com gravura em metal. Em um ateliê do rio de Janeiro pertencente ao jornal O Globo aprendeu muitas técnicas.

Renina Katz 3

Trabalhavam seu amigo Poty, que era assistente de Carlos Osvald, que a ensinou a paixão por este tipo de arte. Lá, aprendeu a imprimir obras usando maquinaria pesada. Colocava a mão na massa e formou uma base que seria acessada anos depois em sua vida artística.

4. Construiu uma carreira acadêmica

Renina Katz, além de artista consagrada, desenvolveu uma carreira acadêmica onde fez mestrado e doutorado na USP, onde também lecionou por 29 anos. Ainda era formada na academia de Belas Artes e na Faculdade Nacional de Filosofia.

Seus diplomas foram o que salvaram seu emprego de docente quando a USP passou a exigir diploma universitário de seus professores. Como artista declarava que o aprimoramento acadêmico e técnico fazia bem ao dar uma visão mais analítica.

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5. Se encantou por estampas japonesas em sua juventude

Na Escola Nacional de Belas Artes do Rio de Janeiro se encantou por estampas japonesas feitas por gravadores. Foi então, que passou a se interessar em xilogravuras, pois achou adequado para transmitir as mensagens políticas que desejava.

A arte em preto e branco era adequada e se dedicou a este tipo de técnica por anos até entrar em crise em 1956. Passada a juventude teve vontade de fazer outras coisas, seguir outros rumos quando se dedicou por representação de paisagens com pintura e depois litogravura na década de 70.

Entender se uma obra possui qualidade, dependerá de análise e compreensão de seus elementos. Ao ter alguns parâmetros em mente conseguirá ter uma visão analítica e um outro olhar sobre desenhos, pinturas e esculturas.

Sete elementos da arte

Os sete elementos da arte são a cor, valor, textura, corpo, formato, linha e espaço. Elas podem ser usadas em conjuntura ou isolados para criar uma série de obras de arte indo do naturalista ao abstrato.

Os elementos da arte não se aplicam apenas a pinturas, mas para rascunhos, desenhos, esculturas, gravuras, decoração de interiores, espaços arquitetônicos, estruturas, etc.

Carlos Furtado 7

Regras formais ajudam na análise

Pense nos elementos como regras formais que darão uma definição artística. Existem também os princípios artísticos e trabalham em conjunto com os elementos.

São comumente definidos como organizacionais ou princípios do design. Isso inclui uma análise quanto ao balanço, unidade, harmonia, variedade, proporção, rítmica, movimento, repetição, padronagens e ênfase.

Elas são responsáveis por dar estrutura em como os elementos artísticos serão aplicados ou usados. Por exemplo, uma pintura com cor análoga ou complementar aparecerá harmoniosa e com balanço. Ela será agradável de olhar.

Se a cor estiver ao acaso, a obra parecerá sem sentido ou visualmente nada atrativa. No entanto, atingir variedade é um dos guias de princípios e as cores podem ser aplicadas em vários contrastes.

Um outro exemplo é usar linhas horizontais para dar ideia de movimento, as linhas ainda podem fazer parte de uma padronagem para dar ritmo. Em outras palavras, os princípios da arte determinarão como os elementos da arte serão usados.

Importância das cores

O valor da arte está ligado diretamente a cor, como faz parte e como é aplicado. Nós veremos as cores aplicadas em uma série de variedades em formas e efeitos enfraquecido, embaçado, brilhante, borrado, texturizado, contrastando, mais sério.

Aldemir Martins Flores do Meu Nordeste

Isso causará diferentes emoções, fazendo nos sentir alegria, melancolia, susto, surpresa, etc. Então, o que determina os efeitos diferentes que as cores provocam?

Isso incluirá graus de saturação e intensidade, sua temperatura que criará um humor com tons, sombras com esquemas de cores que incorporará as primárias, secundárias e terciárias.

Existe toda uma ciência das cores, pois elas guiam as ondas de luz que chegam aos nossos olhos, com fotoreceptores específicos que nos permitem ver um espectro de luz visível.

O espectro inclui as cores vermelho, laranja, amarelo, verde, azul, indigo e violeta. Algumas cores são absorvidas ou refletidas.

Agora que você entendeu alguns princípios básicos sobre avaliação de arte quanto a cores, regras e seus elementos poderá se aprofundar nesta análise para aprender a avaliar obras de arte e guiar melhor as escolhas.

Aldemir Martins - Paisagem

Faça um treino e observe sua obra de arte favorita pensando nos quesitos que citamos e escreva uma análise crítica. Não esqueça de pontuar os sentimentos e emoções que elas provocaram em você, as impressões e impactos.

Converse com especialistas e aprenda mais sobre estilos e técnicas aplicadas naquela obra para aprofundar seus conhecimentos e ter outras visões. 

Nos anos 80, a pioneira Sarah Charlesworth fez uma colaboração com o especialista em moldura Yasuo Minagawa. Ao colocar molduras de laca em volta de suas fotografias deu uma impressão de tridimensionalidade ao fundo de suas imagens. O resultado era limpo, monocromático e as fotografias ganhavam vida.

Desde então, diversas parcerias foram feitas com artistas como Elisabeth Murray, Dan Coley e Jennifer Barlet. Nos dias de hoje, os contemporâneos ainda usam o efeito de dupla dimensionalidade incorporando molduras em suas fotografias.

A arte foi feita para ser vista, por isso da mesma forma que a moldura funciona, outros elementos como iluminação efetiva, uma curadoria inteligente e uma escolha de cores, acabam tendo importância central na apresentação do trabalho.

Enquanto as galerias e instituições possuem conhecimento e recursos para fazer estas escolhas, para os colecionadores pode ser uma tarefa difícil.

Importância da moldura

Uma boa moldura deve proteger a obra, enquanto conjura uma sinfonia visual com o trabalho e seu entorno. Tudo dentro do orçamento do colecionador, além de estar suscetíveis a mudanças impostas por tendências.

Será provável que se use molduras diferentes para cada obra, já que elas terão diferentes valores monetários e intelectuais. Por exemplo, achar uma moldura para um desenho em papel delicado é diferente do que achar uma para uma fotografia.

As galerias costuma ter um especialista em moldura com conhecimentos em relação a estes aspectos citados. Então, antes de fazer uma busca nas lojas de departamento, vale falar com alguém com conhecimento que possa guiar os próximos passos ou achar um local especializado.

Proteção é o principal objetivo

Pense no relacionamento da arte com a moldura a longo prazo em termos de proteção. Afinal, será a responsável por deixar longe a poeira, os raios ultravioletas, contato físico e outros fatores externos que poderão danificar a peça de arte.

Deve ser reversível

Além da proteção de fatores externos, a moldura ainda deve ser reversível sem estragar a peça por dentro.

Para proteger a parte da frente e de trás deve-se usar materiais que não liberem ácido com o longo do tempo como acontece com o papelão e plásticos. O melhor é escolher madeira ou tecido de algodão especial.

Um especialista em molduras para obras de arte conseguirá indicar o que usar na hora que for proteger a peça de forma interna, incluindo os métodos para diferentes orçamentos.

Existem materiais bons, mas que tem preços mais elevados como o plexiglass para proteger de forma externa, pois é anti-reflexo e tão delicado que forma uma camada invisível. Costuma ser a escolha de museus e colecionadores de alto escalão.

Apesar de ter opções para todos os orçamentos, é preciso ter em mente que a escolha da moldura deve ser guiada com um pensamento consciente sobre o futuro.

Afinal, ela será a responsável por manter o valor da obra com o passar dos anos e aumentar seu tempo de vida. Portanto, é um aspecto importante. Faça pesquisas e converse com especialistas.

Quando se trata de comprar obras de arte existem uma série de fatores que motivarão as pessoas a procurar por pinturas, desenhos e esculturas. Confira 10 razões que costumam criar identificação e são comuns.

1. Dar suporte

Colecionadores de arte dedicados sabem o valor da arte para a sociedade. Para dar suporte a esta paixão, apoiam exposições, galerias e artistas.

2. Fazer parte de uma comunidade

A comunidade dos colecionadores de arte tem uma forte conexão para discutir assuntos em comum e encontrar mais entusiastas que possam ajudar em sua caminhada de descobertas e aprendizados.

3. Para preservar a história

Ser dono de uma obra de arte é ter um pedaço da história com você. Muitos vão atrás de peças de artistas que tenham uma história de vida parecida, alguns buscam as edições mais bem valorizadas de artistas consagrados, mas que ao final das contas acabam ajudando na preservação e continuidade de peças de valor inestimável sob o ponto de vista histórico.

4. Ter a experiência de provar a excitação da busca

A sensação de descoberta de uma peça de arte envolve uma mistura de adrenalina, satisfação e recompensa. Ninguém pode explicar a sensação de finalmente encontrar uma peça que tanto buscava ou o caminho de descobertas.

5. Para decorar a casa

Decorar espaços com arte é uma das maiores motivações das pessoas comprarem uma obra. Chegar em casa e ver um quadro que agrade pode causar sensações de relaxamento e regojizo que não tem preço.

6. Para revelar a personalidade

As obras de arte são uma fonte poderosa de expressão de personalidade e gosto. Enquanto alguns se atém a certos estilos, outros investem em coleções dinâmicas para expressar seus vários lados.

7. Para contar uma história

De forma histórica, as coleções de arte eram grandes motivadores de conversas em encontros sociais com os gabinetes de curiosidades. Eles conectam e são interessantes, pois dão abertura para falar sobre o artista, sobre o estilo, a história de compra, etc.

8. Expressar emoções

A obra evoca sentimentos e emoções importantes, que podem ser símbolos de algum significado importante na vida da pessoa.

Quando existe a conexão a nível emocional, será muito mais pessoal, com uma profundidade que dará conforto ou euforia. Experienciar isso é algo legal e ajudará a ter uma validação do que sente e na expressão de coisas que não seriam possíveis em palavras ou na racionalidade.

9. Para se conectar com artistas

Muitos colecionadores são fãs de artistas por conta de sua história de vida e estilo de trabalho. Ter suas peças é uma forma de se conectar com a pessoa alvo de admiração. Dá para comprar peças de diferentes estágios da vida do artista e acompanhar a evolução de suas técnicas ao longo dos anos.

10. Para passar um legado

 Comprar arte pode ser uma forma de montar uma herança, assim como tem gente que deixa joias e posses, as obras de arte são itens valiosos que podem ser passados de geração em geração.

Maria Leontina é uma artista brasileira paulistana nascida em 1917 e falecida em 1984 (66 anos), cujo nome é referência com seus quadros, desenhos e gravuras usando técnicas da arte moderna.

Era adepta do expressionismo figurativismo, do abstratismo geométrico e cubismo. Para quem quiser se aprofundar ou conhecer mais sobre seu estilo e trabalho, deixaremos pontos importantes para mergulhar um pouco nas bases de suas expressões artísticas, tão admirada entre colecionadores, pintores e gente da área.

Maria Leontina e o figurativismo de cunho expressionista

O expressionismo é uma arte moderna citada pela primeira vez em 1911 com fortes bases na Alemanha e tem como principal pensamento que a experiência da realidade é subjetiva.

Portanto, a representação artística de figuras da natureza, de objetos, construções, pessoas, entre outros elementos são feitos através de pinturas e desenhos.

Liberdade para explorar

Os artistas que fazem parte do movimento, assim como Maria Leontina primam pela ruptura com uma visão de revolução sob o espírito humano com liberdade para explorar.

Algo que transcende os limites da experiência humana. Geralmente, o expressionismo está ligado ao cotidiano, mas com características de pinceladas sem nuances.

Portanto, em vez de pintar uma retratação realista, se opta por ter uma versão distorcida poética. Uma de suas bases é expressar emoções e experiências pessoais com figuras que representam algo do mundo real.

A natureza era muito celebrada na virada do século XIX para o XX, como forma de contestação a realidade industrial e a vida nas cidades.

Por isso, tem muitas pinturas de paisagens, de formas naturais e panoramas idílicos. O uso de cores intensas faz parte de uma composição desafiadora para subverter ideias tradicionais da moralidade e das convenções sociais. Maria Leontina usou muito as cores em seus trabalhos. A natureza é recriada sob olhar da artista para refletir seu mundo interior e imaginação.

Maria Leontina 1

Cubismo e natureza morta

O cubismo é um movimento surgido no século XX, usa formas geométricas e visa a não valorização das formas perfeitas. Usando figuras em três dimensões, predominam linhas retas, cubos, cilindros e uso de formas simples com jogo de claro e escuro.

Uma abordagem mais criativa e menos realista das coisas com uso de retratação de natureza morta. Maria Leontina fica envolvida com esta vertente entre os anos 50 e 60. Nesta época, trabalha com vitrais e azulejos também.

Abstracionismo geométrico

Dali, se parte para abstração geométrica, que Maria Leontina também explorou em sua vida artística contrapondo a arte figurativa usado no começo da carreira.

Foi uma mudança drástica, já que o abstracionismo visa a valorização de formas e cores. No entanto, existe um objetivo comum de rompimento com antigos valores em todos os movimentos que Leontina passou.

No Brasil foi um movimento forte na década de 40 e o estilo tem como caracterização da racionalização do uso de formas geométricas. No entanto, a artista ficou conhecida por optar não se guiar pelas linhas perfeitas, mas com uso intuitivo, sensível e original, sem deixar seu senso poético.

Os gabinetes de curiosidades tiveram um papel fundamental no hábito de colecionar obras de arte e deu início ao mercado, museus e galerias. Continue lendo e aprenda mais sobre uma parte da história fascinante.

Entender estes aspectos darão uma visão dos mercados contemporâneos e dos colecionadores maiores, assim como pode ajudar a entender melhor os motivos de alguém começar uma coleção ou acender iniciativas.

Como surgiram os primeiros colecionadores de arte

A Itália da época Renascentista era marcada por uma aristocracia que tinha por prazer colecionar coisas interessantes, belas e luxuosas nos chamados gabinetes de curiosidades. Também eram conhecidos como galleria, studiolo, museo.

Existiam gabinetes de todos os tamanhos, desde os mais simples aos mais elaborados com vários compartimentos e andares, que poderiam se esticar e tomar a sala toda. Muitas vezes tomavam mais de um cômodo.

Os objetos que compunham a coleção pessoal de cada pessoa vinha de viagens longas com buscas por novidades.

As peças davam oportunidade para contar histórias sobre uma aventura épica ou como foram fabricados. 

Eles ficavam sob a vista de convidados quando havia uma festa com jantar como uma forma de entretenimento na Europa do século 19 quando não existia muita opção de entretenimento.

Papel social e de status

Como pudemos perceber os gabinetes desempenhavam um papel social importante, além de fazer uma representação da personalidade de seus donos através das posses de objetos glamurosos ou que indicassem riqueza, erudição e bom gosto.

Poder pelos objetos de arte

Eles já tinham entendido que os objetos preciosos exerciam poder sob as pessoas e as associações entre luxo e personalidade davam impressões profundas de alguém.

Eles representavam um símbolo de status social. Quem era colecionador geralmente era rico e poderoso. Os conteúdos refletiam a personalidade do dono e carregava sua identidade.

Urgência existencialista através das coleções de arte

A partir do século 18, eles deixaram de apenas representar a inteligência e riqueza do dono, mas passou a ter necessidade de fazer com que o mundo fizesse sentido em um modo mais objetivo.

Passava a representar uma urgência existencialista para entender a vida. Portanto, os gabinetes de curiosidades era simbólico e apresentava para as pessoas questões essenciais sobre a transitoriedade da vida humana.

Os gabinetes eram um local de imaginação e para colocar as suas impressões do mundo. Os museus e galerias surgiram de coleções pessoais de gabinetes de curiosidades de reis e príncipes da Renascência, segundo o Instituto de Arte Soteby’s.

Gabinetes deram início ao museu do Louvre e do Museu Britânico de Londres. De acordo com seu crescimento em prestígio e tamanho, houve uma necessidade de separação que fez com que a cultura fosse adiante ramificada em várias frentes.

Maria Bonomi é uma artista com extenso curriculum que é referência na área. Nascida em 1935 na Itália, construiu uma carreira sólida no Brasil e contribuiu com a sociedade ao criar obras públicas importantes.

Se especializou em esculturas enormes que integram espaços e se conectam com o local físico, a história do lugar e com os transeuntes. Um dos grandes destaques é o painel Epopeia Paulista, um dos grandes marcos na cidade de São Paulo em dos pontos mais movimentados.

Epopeia Paulista na estação luz do metrô de São Paulo

Maria Bonomi fez um painel para a estação da Luz dedicado aos imigrantes e migrantes que já passaram por ali ao longo de mais de 100 anos de existência. Uma homenagem ao povo de outras cidades e países, que ajudaram no crescimento da cidade.

Todos os dias, cerca de 1 milhão de pessoas passam pela galeria onde fica o painel, local de ligação entre linhas do metrô e trem.

Ao todo o muro ocupa uma área de 73 metros e foi confeccionado em três blocos. As gravuras no estilo cordel contam uma história homenageando e servindo de lembrete cívico.

Povo multiétnico de São Paulo

Mostra que a estação Luz acaba sendo um local de passagem comum a quem chega a maior cidade da América Latina em busca de uma oportunidade. Representa o povo multiétnico, plural e diverso.

Indagação social e objetos perdidos

A artista usou objetos esquecidos nos trens e metrôs na composição da obra. As gravuras fazem uma indagação social, onde questiona as condições e oportunidades, além da desigualdade comum da cidade.

Os objetos recolhidos ao longo dos anos e incorporados no painel representam uma metáfora para representar todos os povos diferentes evocando o conceito de memória. Afinal, são uma prova física das histórias individuais. Eles ficaram presos no tempo e fizeram parte de algo.

Cores

Amarelo Ocre, vermelho-terra e branco foram usados com aplicação de cimento branco estrutural. Inicialmente fazem referência ao café, a indústria e serviços. De forma mais profunda, o amarelo representa o nordeste, o vermelho narra as memórias esquecidas e o branco faz um corte no espaço-tempo, representam uma nova realidade e a visão do passageiro quando chega a estação Luz com um futuro a ser preenchido.

Como o painel foi construído

Como o painel era gigantesco, Bonomi trabalhou em uma galeria dentro do Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo no sistema colaborativo, segundo a artista “uma obra de mil mãos”.

Durante quatro anos foi confeccionada e o processo de sua evolução foi colocada a disposição de grupos, estudantes de arte e interessados pelo processo de criação da Epopeia Paulista, encomendada pela Companhia Paulista de Trens Metropolitanos.

A ideia inicial era usar a construção civil e aproveitar um muro no local onde fica a estação quando foi pensada por Maria Bonomi e pelos arquitetos Meire Selli e Rodrigo Velasco. No entanto, o plano se tornou impossível.

Na galeria do museu, as enormes placas de concreto foram transformadas em matrizes desenhadas e escavadas. Foram feitas 980 matrizes ao total. 185 placas foram esculpidas a partir de mais de 700 desenhos. Foi inaugurada no dia 26 de dezembro de 2004.

OSGEMEOS é o nome artístico da dupla de irmãos Gustavo e Otávio Pandolfo. Nascidos em 1974 cresceram no bairro Cambuci, São Paulo.

Foram estimulados pela mãe, que os levava quando crianças a várias exposições de arte, além de incentivá-los a manifestarem sua criatividade. Foi na pinacoteca de São Paulo que eles tiveram o primeiro contato com uma lata de spray quando crianças e onde voltariam anos mais tarde para montar uma exposição própria em 2021.

Começo OSGEMEOS

Um bairro culturalmente rico, diverso e um ambiente familiar acolhedor quanto a expressões artísticas, ajudou no nascimento de uma trajetória que foi evoluindo aos poucos, acompanhando o amadurecimento dos irmãos até chegar a patamares em que é possível ver suas criações em laterais enormes de prédios mundo.

Em contraste, muitas das obras criadas pelos Osgemeos foi apagada e pintada de cinza pelas prefeituras das cidades brasileiras em muros ao longo dos últimos anos.

Década de 80 e influências culturais do bairro

Era a década dos anos 80 e período de infância e juventude de Gustavo e Otávio. No Cambuci foram rodeados por um bairro em que todo tipo de arte se manifestava. Tudo isso ajudou a construir o estilo único dos osgemeos moldado ao longo dos anos.

Inspirados principalmente pelos traços do americano Doze Green, foram influenciados pela música hip hop, no estilo streetstyle, pelas rodas de dança break, rap e grafitti.

Em meio ao cotidiano urbano surgiu a vontade de desenhar, explorar materiais, estudar técnicas e aprimorar um modo de criar em dupla em conexão e harmonia criativa.

Os Gemeos - The Other Side

Exploração de materiais e traço fino de spray

Nas ruas, os dois precisaram explorar muitas superfícies diferentes e improvisaram o que precisavam com os materiais ali disponíveis pelos recursos limitados de dois jovens. Esse também era o modus operandi de quem se manifesta através da arte urbana nas ruas.

Esta prática continuou sendo aplicada em toda a carreira, com uso de materiais diversos, estudos minuciosos de técnicas e muita criatividade.

Uma das características do estilo único dosgemeos é o traço super fino feito com spray, que contorna todas as suas composições. Resultado de anos de prática e treino, hoje é referência.

Um mundo interno compartilhado fantástico

Na exposição da Pinacoteca dos OSGEMEOS, eles compartilharam um pouco de como é o mundo interno onde não existem limites para a imaginação e de onde sai muitas inspirações.

De forma espiritual, os irmãos fizeram uma simbiose de um local não físico fantástico onde os dois se sentem livres e em paz.

Ao longo dos anos, nunca repetiram um sequer personagem sempre criando algo novo dentro do estilo. Além disso, aprenderam a escalonar seus desenhos para planejar pinturas em prédios enormes para dar um alívio artístico em meio a construções de concreto em meio as principais cidades do mundo.

Hoje em dia, fazem parte do seleto grupo de artistas urbanos que conseguiram destaque internacional e são referência. Suas obras com cores fortes e sem limites de criatividade acrescentam uma atmosfera vibrante e inspiracional.

Iniciar uma coleção de arte pode parecer uma ideia distante e indicada apenas para pessoas com muito dinheiro. No entanto, para quem possui este desejo, saiba que a tarefa não é impossível e acessível para diferentes bolsos.

Confira nossas dicas que poderão ajudar nas etapas para iniciar uma coleção e pode ser seguido por todos.

Investigue os motivos

Os motivos para começar uma coleção de arte pode ser diversa e ter isso em mente facilitará os próximos passos.

Pode ser por investimento, apoiar um artista ou apenas querer vários itens decorativos para compor ambientes. Estes costumam ser os mais comuns. De qualquer forma, é uma experiência subjetiva e pessoal que deve se tornar consciente.

Saber seus motivos ajudará a destinar seus esforços no começo com mais probabilidades de ter sucesso. Por exemplo, se a intenção é investir, as escolhas devem ser guiadas com mais cuidado com olhar crítico de artistas que tem mais chances de serem reconhecidos com o passar do tempo.

Afinal, o que se visa é um possível lucro. Para quem deseja apenas ter uma coleção pessoal, já pode ser guiado pelas suas preferências e gostos pessoais, conforme for aprendendo mais sobre arte.

Quem deseja preencher espaços já terá maiores opções sem critérios quanto a nome e valorização no mercado, mas garimpar entre artistas que compõem o estilo pretendido para a decoração.

Faça uma pesquisa sobre o que gostar

Enquanto estiver no caminho de descoberta de novos artistas, é recomendado que separe os nomes que gostar para fazer uma intensa pesquisa depois e aprender.

Comece pequeno

Preferir coleções pequenas de artistas emergentes ou que estão começando a ganhar reconhecimento é uma excelente forma de começar com orçamento limitado.

Faça uma busca online

Os sites de galerias de arte são eficientes para conhecer novos artistas e fazer as pesquisas. Fica mais fácil fazer uma comparação de preços e comparar obras. Usando a internet facilita o contato para conseguir mais informações de forma acessível e transparente.

Mantenha um diário

Se a intenção é começar uma coleção de arte por muitos anos, é recomendado iniciar um diário para registros. Desta forma, conseguirá ver a evolução da coleção e conseguir notar as mudanças de gosto ao longo do processo.

Tenha paciência

Pode levar muitos anos até artistas ganharem reconhecimento, se comprou uma como investimento deverá ter paciência.

Pense na conservação da coleção

A preservação das obras é fundamental para que elas valorizem durante os anos. Além de ter um local adequado, cuide dos aspectos burocráticos e de segurança.

Trabalhe com seu orçamento

É possível começar uma coleção de arte com diferentes orçamentos, trabalhar com a realidade facilita muito a procura e compra de obras.

Direcionando o quanto tem para investir é uma forma de se manter objetivo e evita que postergue demais a primeira compra. Fotografias e desenhos geralmente são mais acessíveis. Fique de olho nos segmentos e acompanhe seus artistas favoritos acompanhando sua evolução.

Acumule conhecimento

Pesquisas são fundamentais para acumular conhecimento e experiência. Além disso, estar bem informado protegerá de cair em fraudes.

Procure um especialista para ajudar no processo

Quando visitar galerias, anote as dúvidas que surgirem e não deixe de esclarecê-las não só do ponto de vista técnico, mas quanto a documentações e formas de legitimação com um especialista.

Marcelo Solá é um artista goiano nascido em 1971 que usa diversas técnicas para montar obras com referências de arquitetura, experiências de vida, inspirações do cotidiano da vida moderna com muita criatividade e expressão.

Marcelo Solá

O artista Marcelo Solá faz uma arte inspirada do visual das paredes das megalópoles com grafites, pichações, cartazes lambe-lambe, de publicidade e toda a diversidade cultural que fica impressa ali.

Vida urbana impressa em paredes

Através destas paredes podemos saber tendências, ver a estética urbana, da impressão do tempo, do que passa na cidade, opiniões e críticas do momento, eventos, entre outras expressões da sociedade que ficam eternizadas até serem lavadas por chuvas, desgastadas pelo sol e substituídas por pinturas e cartazes de forma cíclica, que sempre se renova.

Solá consegue transportar de forma artística e conceitual, elementos contemporâneos das cidades para dentro de ambientes em forma de quadros e instalações.

Para compor suas obras, trabalha em seu atelier usando materiais e técnicas diversas para se expressar através de desenhos e pinturas em grandes telas. Usa latas de spray de tinta, tintas a óleo e água, serigrafia, lápis, aquarelas.

Gosta de expressar suas ideias de forma mais naturais não se atendo a convenções ou limites. Faz referências a arquitetura moderna de forma onírica traçando linhas que lembram muito estruturas de casa, prédios e demais instalações.

São portas, escadas, entradas e base de construções misturadas a outros elementos. Nos seus primeiros quadros era bastante comum ver desenhos de aviões em suas obras.

Naquela época, Marcelo Solá representava o atentado com aviões de 11 de setembro nos Estados Unidos onde estava de passagem na época. A imagem forte ficou em sua memória e passou a retratá-la.

Outro elemento que pode ser visto é a forma de um animal de quatro patas em referência ao lobo guará. Conforme conta em um vídeo no YouTube, uma vez estava trabalhando em seu studio que fica em uma chácara e costumava observar lobos na propriedade.

Solá é adepto de uma técnica em que começa vários quadros ao mesmo tempo fazendo esboços de vários desenhos dispostos na parede. Então, conforme as inspirações aparecem ele vai imprimindo o que sente no momento.

Importância do desenho

Marcelo Solá usa desenhos para se expressar desde sua infância e eles fazem parte importante de suas obras. Colocando sua liberdade em prática, mistura desenhos com escritas, que se misturam no meio de outros elementos.

Os escritos são feitos em caligrafia corrida, informal e representam a espontaneidade. Como se alguém tivesse tido uma epifania e com pressa para imprimir sua ideia e inspiração tivesse escrito algo com o que tinha na mão. Também dão uma sensação de pressa, comum das grandes cidades e faz parte da vida moderna.

Marcelo Solá 

Manchas

Uma de suas últimas expressões são as manchas feitas com tinta comumente feitas por artistas de rua em paredes sujas. Estes grandes borrões parecem estar ali ao acaso e feitos sem querer desafiam o senso estético padrão sem limites ou regras. Evocam um senso de rebeldia e do inesperado.

De forma simplificada, uma galeria de arte é um local que faz a ponte entre artistas, colecionadores e admiradores que desejam apreciar, aprender mais ou comprar pinturas, esculturas, gravuras e quaisquer manifestações artísticas, mas não só. Continue lendo e aprenda mais.

Qual a importância de uma galeria de arte

A galeria de arte atua de forma fundamental na relação entre artista e público. Existem vários tipos de empreendimentos comerciais que variarão de acordo com o tipo e modelo. Cada galeria pode funcionar de uma forma e ter diferentes propósitos.

Basicamente, a galeria apoia o artista em vários aspectos, aonde o sucesso de um impulsiona o outro.

Além de expor as obras e disponibilizá-las para o público, os profissionais da galeria atuarão em uma série de trabalhos administrativos, organizacionais, entre outros, que serão úteis e fundamentais no desenvolvimento de uma carreira.

Esta intermediação pode ser feita entre artista e colecionadores/público, como de acervos de colecionadores para outros colecionadores/público também.

Como é o trabalho?

A galeria pode atuar com a curadoria, suporte, monitoramento, venda, promoção, precificação, transportação de obras, organização de exposições e todo o trabalho que envolve divulgação que serão importantes para que o público e eventuais colecionadores tenham acesso ao trabalho do artista.

Dependendo da galeria este trabalho é oferecido em partes ou de forma total dando suporte para crescimento e desenvolvimento, assim como a construção de um portfólio.

Um curador será o responsável por fazer a seleção de artistas e obras, além de aprender teoricamente sobre as técnicas aplicadas para poder passar estas informações aos interessados. Ela pode ter ou não funcionários e assistentes para ajudar.

Em galerias grandes, pessoas são designadas para dar assistência ao que o artista precisar para que ele/a possa focar em criar, por exemplo. Já as menores podem dividir o trabalho, de acordo com a disponibilidade.

Por que o artista não expõe sozinho?

Nem sempre o artista possui conexões, conhece burocracias, sabe precificar, dispõem de tempo para cuidar de certos aspectos de sua carreira, verba para alugar o espaço ou conhecimento deste meio.

Principalmente quem está começando. Já os mais experientes e consolidados, acabam tendo uma forma cômoda, prática e eficiente em continuar fazendo seu trabalho.

A galeria ao trabalhar junto com um artista, estabelece uma relação de confiança e ajuda mútua, aonde a galeria de arte oferece seus serviços, além de dar mais confiança, estabilidade e empresta seu status ao artista para maior confiança do público.

Uma boa analogia é em comparação com a indústria fonográfica, onde a gravadora e selo dão todo o suporte para os músicos que assinam contrato. Sem essa conexão, o caminho pode ser difícil se quiser chegar ao mainstream, fazer sucesso ou tornar a profissão rentável.

Diferenças entre museu e galeria de arte

O museu apenas expõem as obras de arte e não comercializa. Já a galeria vende as obras, além de todo o trabalho de curadoria, divulgação, suporte e demais aspectos para que o artista foque em sua criação.

Visitar uma galeria de arte é uma boa forma de conhecer novos artistas, apreciar obras, aprender sobre arte, passar uma tarde de lazer e agradável, já que não é obrigatório comprar algo para visitar. 

Manoel Novello é um arquiteto carioca formado em artes visuais que usa pintura, fotografia, desenhos e instalações para explorar obras geométricas com senso de arte urbana.

A arte urbana com linhas geométricas de Manoel Novello

Manoel Novello possui um olhar diferenciado quando olha para as formas das cidades e dos espaços urbanos envoltos de caos e ordem. Os prédios, paredes e construções formam linhas e através de seu olhar viram desenhos de onde tira suas inspirações, seja no Rio de Janeiro da Baía de Guanabara, Praia das Pedrinhas ou em qualquer outro local em que esteja de passagem em suas viagens.

Novello pinta em seu ateliê de frente para uma vista ampla com varanda onde usa diagonais, horizontais e verticais sobrepondo linhas que dão sensação de profundidade, além de trabalhar cores.

Nascido em 1961 na cidade maravilhosa, usa seu ponto de observação em que tem um olhar artístico e criativo para compor suas obras. Expressa a parte urbana universal representada através de relações espaciais formadas por traços e linhas.

Manoel Novello

Toque humano em meio a geometria

É aberto a leituras próprias que representam paisagens com influências humanas. Segundo Manoel Novello explica em um vídeo de seu canal, ele acrescenta um toque humano com pequenas imperfeições, com marcas de seu pincel, em borrões e vazamento de cores de um campo para o outro que são únicos.

Contando histórias com arte

Fazendo isso de forma controlada e planejada, o arquiteto artista plástico consegue contar histórias usando linhas diagonais formando vetores que representam fluxos, assim como ocorre nas cidades de formas ordenadas ou cruzadas.

Como é seu processo criativo

Primeiro, ele traça uma malha sob perspectiva isométrica que será a sua base e desenvolverá o restante onde criará um problema trivial que ele tentará resolver com a pintura até atingir uma imagem que o satisfaça.

Seu processo criativo é natural e possui um fluxo constante, mas de pouco em pouco. Usa uma série de elementos que darão corpo com volumes, diagonais, vetores e traços contínuos ou interrompidos.

A cor dará a sustentação da imagem atrelada a cores vizinhas que influenciam umas às outras que resultem em uma comunicação positiva ao final do trabalho com o espectador.

Como dá nome a suas obras

Novello conta que na maioria dos casos dá o nome das obras após estarem prontas e complementa a formação da imagem final.

Explorando a beleza das cidades em meio a banalidade cotidiana

É muito comum passar desatento pelos prédios e construções em meio ao ritmo intenso que a vida moderna proporciona de um fluxo desenfreado. Manoel Novello consegue captar através de seu olhar, a arte e beleza através do aparente caos dando amplitude e sentido, mas sem perder conceitualidade.

O artista é generoso e deixa que o espectador tenha a sua própria interpretação de uma imagem, conforme suas referências, memórias, contexto e afetos em relação ao urbano que a obra representará da beleza da vida cotidiana, que acaba ficando em segundo plano, mas não menos importante.  

Airton Spengler é um artista brasileiro nascido no sul do Brasil em Canoas, formado em design de moda (UNIP), com especialização na Fashion Design na School of Fashion Design em Boston, Estados Unidos.

Foi em Boston nos anos 2000, que Airton Spengler teve seu primeiro contato com uma de suas especialidades, o patchwork.

Depois, começou sua jornada com pós-graduação em docência e começou a ministrar cursos e palestras online e presenciais.

Airton Splenger 1

Divide suas experiências e já participou de programas de televisão com foco em artesanato e difusão de técnicas diversas. Ainda possui experiência na área têxtil com aplicação na confecção de roupas e quadros.

Professor docente, artista, design fashion e artesão de mãos habilidosas, Airton Spengler foi trilhando seu caminho na área de design com especialização no campo das artes onde sua criatividade pode ser aflorada com suas obras sendo expostas em galerias de arte.

Obras de serigrafia de Airton Spengler

Com sua experiência em design e patchwork, acostumado a trabalhar com formas geométricas nos recortes, passou a usar técnica em serigrafia para criar uma arte para inspirar e decorar com uso da técnica op-art.

Airton Splenger 2

Os layouts criados pelo artista possuem alto impacto em preto e branco, com obras interativas tridimensionais.

Influências abstrato geométricas com movimento de espaço-tempo dinamizando as formas quadradas.

Para expressar as modificações da realidade, comuns da vida moderna onde tudo está em contante movimento, assim como as obras de op-art de Airton Spengler.

Airton Splenger 3

Airton Spengler na galeria Livia Doblas

É um dos artistas com obras disponíveis da Galeria Livia Doblas com quadros com dimensões 50x40 de obras originais de Airton Spengler, exclusivas e tiragem limitada. Envio imediato.

O op-art é uma expressão artística com características únicas que ajudam a ter obras que ganham movimentos e profundidade causando uma ilusão de ótica impressionante. Continue lendo e saiba mais.

Op-art

Op-art é caracterizado por uso de técnica que usa a ilusão de ótica para criar um ilusionismo de peças impressas. O uso é de p&b, preto em branco ou de cores que se contrastam e se opõem.

Victor Vasarely

Qual o objetivo da Op Art

Mostrar para as pessoas que a vida está em contante movimento, assim como acontece com as obras do op-art. Um dos objetivos é causar diferentes sensações, de acordo com o ângulo que estiver vendo um quadro que use op-art.

É a inclusão da ciência em obras de arte dando toque moderno.

Principais características da Op Art

Para reconhecer quadros que usem op-art é só conferir algumas características que são obrigatórias para criar resultados.

As obras devem ter um efeito tridimensional usando expressionismo abstrato usando formas e linhas geométricas que criam efeitos ópticos com tons fortes que causem um contraste visual.

Desta forma, a pessoa que observar a obra possuirá uma postura participante, pois dependendo do ângulo se tem um movimento e ilusão diferente.

São empregados cromáticas ou acromáticas de alto contraste, com uso de espaço negativo e positivo.

Quando surge a Op Art?

Surgiu na década de 60 de forma paralela nos Estados Unidos e Europa com vários artistas representantes com Victor Vasarely sendo um dos principais.

Outros nomes renomados e reconhecidos são Richard Anuszkiewics, Jeffrey Steele, Brigdet Riley e Larry Poons.

Eles estavam interessados em criar arte que mexesse com as percepções e criar efeitos visuais com muito resultado conceitual e experimental da junção da arte com ciência.

Preto e branco em oposição e justaoposição

O preto e branco em oposição causa contrastes na visão criando ilusões dinâmicas com expressão abstrata. É ambíguo e contraditório.

Com linhas, formas geométricas colocadas de forma estratégica criará efeitos tridimensionais que podem ganhar movimentos circulares.

Além da perspectiva ilusória, também é possível criar uma tensão cromática. Será possível ver vibrações ou pulsões, por exemplo.

Iluminação interativa

Também é possível alterar movimentos ou criar certos tipos de impressões ao usar iluminações diferentes que criem sombras e feixes.

Arte sendo experienciada

Vasarely costumava dizer que a experiência da presença de uma obra de arte é mais importante que tentar entendê-la.

A op-art cria exatamente isso, uma experiência que não precisa estar atrelada a interpretações do observador.

Victor Vasarely

Dicas para quem pretende comprar uma op-art

Como a obra interage, conforme a iluminação com nossas respostas perceptivas, pense nestes fatores na hora de escolher sua obra de op-art.

Teste alguns pontos de iluminação que possam interagir com a obra e diferentes tons e nuances para criar diferentes efeitos.

Dependendo da op-art pode criar uma sensação de profundidade, sendo excelente escolha para sensação de amplitude em espaços pequenos.

O quadro op-art pode criar efeitos interessantes e adicionar um clima de modernidade em espaços, pois possui influência com a ciência e tecnologia.

A obra também pode ser colocada em conjunto com esculturas ou fazer parte ativa de um todo.

Japonês da cidade de Kobe, Kazuo Wakabayashi nasceu no ano de 1931 e foi um dos grandes nomes da arte ligada ao abstracionismo dentro e fora do Brasil. Kazuo começa a se relacionar com a arte por sentir que tinha obrigação de propor alguma forma de linguagem que manifestasse paz para as pessoas e então, ainda jovem, quis iniciar sua formação artística, partindo para os estudos na Escola Técnica de Hikone, em Shiga, ainda no Japão.

Mais tarde, depois de terminar os estudos em Shiga, decide iniciar um curso de arquitetura no qual acaba não se formando, sendo a pintura então o seu foco a partir daquele momento. Até o final da década de 50, Kazuo participa de grupos de pintura, realiza trabalhos de ilustração para revistas e chega a receber prêmios em exposições importantes do Japão.

Sua relação com o Brasil se inicia apenas aos seus 30 anos de idade, quando Wakabayashi chega ao solo canarinho em 1961. Naquele momento, já tinha um trabalho reconhecido no exterior e uma carreira consolidada como artista abstrato, principalmente em seu país natal.

Kazuo Wakabayashi 3

O Brasil de Kazuo Wakabayashi

Quando chega ao Brasil, Kazuo se integra ao Grupo Seibi de Artes Plásticas, principalmente pela influência de suas amigas artistas Manabu Mabe e Tomie Ohtake. Então, nos primeiros anos de sua estadia, participa de exposições, de algumas Bienais de São Paulo e chega a receber alguns prêmios.

Podemos dizer que a partir do momento que fixa sua residência no Brasil, vive um período de implementações de técnicas, de repertórios artísticos e de diferentes formas de se manifestar artisticamente. É aí que o relevo, o contorno e as formas começam a “dar as caras” em suas obras.

Kazuo Wakabayashi 9

A evolução de sua obra

Dentre as características citadas no parágrafo anterior, as que mais evoluíram com sua chegada ao Brasil e com o enriquecimento constante de suas técnicas artísticas com certeza foram a ampliação do uso do relevo e da textura. Algumas obras chegam a parecer tela esculpidas com suas tintas, em outras, o relevo é trabalhado como uma textura constante e regular.

Os trabalhos de colagens também aparecem em suas obras e, mais tarde, seu trabalho com a gravura começa a ser mais constante, o que permitiu que ele pudesse escalar a sua produção, aumentar a finalização de suas obras e, consequentemente, a experimentação de suas técnicas.

Kazuo Wakabayashi – Origami

Os temas de seu trabalho Até o momento de sua chegada ao Brasil, o trabalho de Kazuo praticamente se resume a obras abstratas, o que com o passar dos anos vai evoluindo. A partir dos anos 70, insere em suas obras figuras humanas e a natureza. Com as colagens, também começam a aparecer muitas figuras da cultura japonesa estampadas em suas obras.

Kazuo Wakabayashi – Serigrafia

Kazuo Wakabayashi faleceu recentemente, em 2021, e suas obras continuarão sendo expostas em importantes encontros artísticos e comercializadas em importantes galerias dentro e fora do Brasil.

Paulista da pequena cidade de Sales de Oliveira, José Antonio da Silva nasceu no ano de 1909 e foi um artista plástico autodidata que se difundiu nacional e internacionalmente principalmente por suas pinturas, gravuras, desenhos e por seus repentes.

Antes de se tornar artista e de ter a possibilidade de viver da arte, Silva realizou os mais diversos trabalhos, como o trabalho rural. E foi aí que começaram seus primeiros desenhos, em folhas secas de café. Mas mesmo sendo repreendido por seus chefes no início, não deixou seu gosto de lado.

Sua carreira como artista começa de fato em 1946, aos 37 anos de idade, quando seus trabalhos são vistos e admirados na exposição na Casa de Cultura de São José do Rio Preto, interior de São Paulo. Naquele momento, o interesse dos críticos se deu pela frieza de suas cores e pelo tom escuro de suas obras, algo que evoluiria com o passar dos anos.

José Antonio da Silva - Moça na Janela

A evolução de sua obra

Dois anos após a exposição em Rio Preto, José Antonio já transformava seu repertório. As cores frias e escuras já davam lugar a paisagens com tonalidades mais vivas e ambientes onde a claridade era mais valorizada. Nesse momento de sua carreira, começa a participar de exposições de peso da arte brasileira, participando, dentre outras exposições, de algumas edições consecutivas da Bienal de São Paulo.

O trabalho na roça não serviria apenas para instigar seus primeiros desenhos em folhas secas de café e na verdade talvez seja o espaço mais importante para a construção de suas obras. A paisagem rural, o campo, plantações e ambientes de cultivo agrário tomam conta de seus temas, assim como o lazer que por lá costuma existir, algo que também despertou outros interesses nele.

José Antonio da Silva - Festa

Evolução rápida assim como a descoberta de suas obras, Silva teve reconhecimento e sucesso rapidamente com a inserção de outras manifestações artísticas em sua carreira. O repente, os causos e a obra falada começaram a ser exploradas por ele. Logo, o trabalhador da roça passou a ser um importante nome da arte brasileira.

José Antonio da Silva - Algodoal

Silva foi o criador do Museu de Arte Contemporânea de Rio Preto. Realizou inúmeras formas de expressão artística e chegou a trabalhar com o pontilhismo em suas construções, além de realizar obras com abordagens irônicas sobre o cotidiano do interior paulista.

José Antonio da Silva 

José Antonio da Silva faleceu em São Paulo no ano de 1996.

Manabu Mabe

Manabu Mabe, japonês de Kumamoto que nasceu no ano de 1924 e foi um pintor, ilustrador e gravador que, mesmo vindo de solos orientais, teve muito sucesso por aqui. Seu interesse pela pintura se dá já no Brasil, onde chegou ainda criança aos 10 anos de idade. Sua família se dedicava ao trabalho em lavouras de café no interior de São Paulo.

Por aqui, Manabu percebe seu interesse pelo meio artístico nos dias de chuva, quando não precisava ajudar seus pais na lavoura e ficava a pesquisar obras e trabalhos orientais em revistas e impressos trazidos do Japão por sua família. Aos 21 anos é que tem sua primeira oportunidade de trabalho no meio, preparando e fazendo fundos para as telas do artista Teisuke Kumasaka.

Do início até o amadurecimento de sua carreira, se transformou em um dos mais importantes abstracionistas da história da arte de nosso país, além de ser um dos pioneiros do movimento.

Manabu Mabe – Agonia

A mudança para São Paulo e a transição de seu trabalho

Ainda no interior, Manabu realiza uma viagem a capital, onde se identifica com o estilo de vida e acaba conhecendo o também pintor Tomoo Handa. Com o contato, Mabe intensifica seus trabalhos com temáticas ligadas à natureza, algo que mudaria com o passar dos anos.

Manabu Mabe

Em 1957, Manabu decide migrar do trabalho do campo e caminha para São Paulo para se fixar como artista. Naquela época já participava de importantes exposições com trabalhos essencialmente figurativos. Com a mudança, é nítida a transição em seu trabalho, partindo das figurações para o abstracionismo de seus traços, formas e cores.

Sem uma formação artística formal, Mabe considera sua obra como dona de um estilo próprio, por ele denominada Mabismo. Em algumas obras, é possível perceber que muitos dos traços lembram a caligrafia japonesa

Manabu Mabe 

Os prêmios e o reconhecimento

Manabu é premiado como o Melhor Pintor Nacional na 5ª Bienal Internacional de São Paulo, em 1959. Nessa exposição, apresentou trabalhos como “Composição Móvel” e “Pedaço de Luz”. Neste momento, seu trabalho é caracterizado por manchas de cor e luz, e por seus traços espessos e como se fossem produzidos com pressa e por quem ligasse mais para o resultado do que para o cuidado com as pinceladas.

Além dos prêmios nacionais, Mabe recebe importantes reconhecimentos internacionais. A revista “Time” o homenageia como o artista do ano, ou como denominado pelo periódico, “The year of Manabu Mabe”. Tudo isso o consolida como um dos maiores nomes da abstração brasileira, mesmo sem ser natural daqui.

Manabu Mabe - 2

Manabu Mabe falece em setembro de 1997 e é até hoje um dos maiores nomes da arte brasileira. Suas obras continuam sendo expostas e comercializadas, além de serem realizadas exposições póstumas em sua homenagem.

Paulista da capital, Leda Catunda nasceu em 1961 e é uma das artistas plásticas de maior sucesso na história da arte brasileira recente, principalmente com obras ligadas à cultura popular. Além de suas produções artísticas, Leda trabalha como professora e como pesquisadora.

Sua relação profissional com a arte começou quando se formou em Artes Plásticas no ano de 1984 na Fundação Armando Alvares Penteado, a FAAP, em São Paulo. Lá se interessou pelo ensino e decidiu se dedicar também ao seu lado professora, ensinando pintura e desenho na mesma faculdade onde se formou, na Faculdade Santa Marcelina e até mesmo em seus aposentos próprios.

Seus primeiros reconhecimentos como artistas aconteceram após a importante exposição “Pintura como Meio”, onde mostrou talento e se diferenciou de outros artistas da época. De lá para cá, as produções artísticas de Catunda se deram principalmente dentro das técnicas da gravura e da pintura.

Leda Catunda – Rio

Os temas de Leda

Quando começou a ter reconhecimento, suas obras levavam um ar cômico e caricato aos críticos e admiradores de seu trabalho. Para falar de seu trabalho, Leda se inspira muito na cultura americana de consumo e obras como as latas de sopa e as ligadas a arte pop.

Foi a partir dessas obras que Catunda percebeu que não precisava mais desenhar e construir suas imagens, por considerar o mundo já muito entupido de ilustrações em tudo, desde produtos domésticos até outros objetos supérfluos.

Leda Catunda - Camisetas

As técnicas e a evolução

Assim, Catunda construiu seu trabalho a partir de objetos do dia a dia e do uso doméstico, como panos, toalhas, pedaços de espuma, de colchõe, lençóis e cobertores, mas não deixou de chamar suas produções de pintura, por falta de ter a percepção de como seria melhor chamá-los e pela pintura ter uma relação e ser a técnica mais importante para a construção de sua carreira, talvez, juntamente com a gravura.

Leda Catunda - Línguas Douradas II

A relação com a gravura

Para ela, a gravura é um trabalho de síntese e de escolhas subjetivas ainda mais do que a pintura, por ser um desafio de encaixe entre os elementos que deseja integrar em suas imagens.

Leda Catunda – Itacaré

Ivan Serpa

O carioca Ivan Serpa nasceu em 1923 e foi um pintor, ilustrador e gravador muito conhecido por suas abstrações e obras construtivistas. Sua relação com o meio artístico é iniciada ao final de sua adolescência e início da vida adulta, naquele momento ainda sem nenhum aprendizado teórico sobre a arte em si e suas inúmeras técnicas, algo que foi implementado pouco tempo depois, quando decide estudar pintura, desenho e gravura com o artista austríaco Axl Leskoschek.

Do meio para o final da década de 1940, decide se dedicar aos estudos com o austríaco e, ao final da década, já começa a lecionar no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, o MAM. Por lá, se dedica também ao ensino infantil nos anos posteriores.

A partir do início da década de 1950, cria um livro sobre sua experiência com o ensinamento das crianças do MAM e, logo depois, participa da criação do Grupo Frente, que era predominado por concretistas e que contava com outros importantes artistas da época como: Lygia Pape, Lygia Clark, Mário Pedrosa, Ferreira Gullar e Hélio Oiticica. O grupo acabou se desintegrando anos mais tarde, em 1956.

Ivan Serpa - Eles e Elas

A evolução de sua obra

No primeiro ano de seu trabalho, assim como se dá o início da grande maioria dos artistas, Ivan Serpa se dedica a produção de telas ligadas ao figurativismo, nas quais a principal preocupação estava longe de ser determinado movimento ou determinada visão de mundo a ser passada, mas que se concentrava àquilo que seria apresentado tecnicamente através do conhecimento obtido no aprendizado teórico. Mas isso mudaria drasticamente com o passar dos anos.

Ivan Serpa - Faixas Ritmadas

No ano seguinte já começa a tomar gosto pelas cores e pelas formas geométricas e produz seus primeiros trabalhos abstratos, o que seria sua dedicação a partir daquele momento. Com o passar dos anos, começa a implementar mais características às abstrações, conectando-as ao figurativismo com a utilização de representações de objetos através de cores e figuras geométricas.

Ivan Serpa - Composição

O construtivismo e a evolução

Com a evolução constante de seu trabalho com as figuras geométricas, críticos consideram que com a participação no Grupo Frente, a partir do ano de 1954, seu trabalho começa a ser um perfeito exemplo do construtivismo e assim caminha até o final da década de 50. A partir daí, Ivan se permite sair um pouco do básico construtivista e começa a inserir alguns elementos em suas telas, que começam a possuir mais detalhes fora do padrão das formas geométricas perfeitas e das cores lisas.

Ivan Serpa - Hiroshima

Do início dos anos 60 até o final de suas carreira, Serpa acaba tendo de volta o interesse pela figuração, quando realiza as séries “Bichos”, “Negra” e “Mulheres” e acaba ainda voltando para as obras construtivas, como na série Op Erótica.

Ivan Serpa - Série Negra

Ivan Serpa falece em 1973, por complicações cardíacas após um derrame cerebral, nos deixando apenas aos 49 anos de idade. Suas obras são lembradas até os dias de hoje em homenagens recorrentes ao seu trabalho e sua carreira.

Inos Corradin

Italiano de Vogna, Inos Corradin nasceu no ano de 1929 e foi um artista plástico de grande reconhecimento no Brasil e no mundo, principalmente pelas suas ilustrações e pinturas, caracterizadas por seus traços marcantes e formas caricatas com um DNA único.

Começou a pintar sem nenhuma formação acadêmica, pois para ele a pintura é algo sensorial e não aprendido. Como dizia: “O pintor se forma na escola, o artista nasce artista”. Desde o início de sua carreira pintou em quase todos os dias, de domingo a domingo, fazendo um desenho durante o dia e o pintando durante a noite.

Sua chegada ao Brasil aconteceu ao final da Segunda Guerra Mundial, em 1950. Primeiro passando por São Paulo com seu pai, depois fixando residência em Jundiaí, interior do estado de São Paulo. Sua chegada até os solos canarinhos mudaria drasticamente sua vida profissional. Segundo ele, um milagre, já que seu futuro na Itália estaria fadado a profissões comuns e que não lhe despertavam nenhum desejo.

Inos Corradin - Gato e peixe

O início da arte

Inos começou seus trabalhos e sua trajetória na arte em São Paulo, no bairro da Vila Mariana, no começo instruído por argentinos no Ateliê Politône. Pouco tempo depois já fazia suas primeiras exposições e começava a ter o reconhecimento que gostaria, sendo premiado no Segundo Salão Paulista de Arte Moderna em São Paulo.

Inos Corradin - Menino com barquinho

Para ele, “O artista traduz o sentimento que ele vê, e aquilo que ele sente, a arte é a estética do DNA do artista, toda arte é uma arma, uma arma jogada na tinta!”

Os políticos e a crítica política e social

Corradin também levou a crítica política e social até seus trabalhos. Uma das séries mais famosas de seu trabalho é a “Os Equilibristas”, que foram inspirados na bagunça da política internacional. Inos os representava através de figuras caricatas que levavam e equilibram bolas com as cores de suas nações, como se fossem agentes instauradores do caos que brincavam de cuidar de seus países.

Inos também retratou naturezas mortas, paisagens, flores e o lúdico, mas tinha como elemento básico preferido o mar.

Inos Corradin - Equilibrista na Corda

O amadurecimento e seu trabalho

Ao longo de sua carreira e com seu amadurecimento, Inos fez a inserção de técnicas em seu repertório, se dedicou às esculturas e também trabalhou com outras vertentes da arte, escrevendo livros como “La Visone Incantata”, mas não deixou sua raíz de lado e continuou se dedicando aos desenhos. Além disso foi homenageado pela X9 Paulistana, vencedora do Carnaval de 2017, algo que foi motivo de muito orgulho para ele.

Inos Corradin - Equilibrista Escultura

Seu dom, talento e sua visão artística diferenciada foi passada como uma herança genética para seu filho que também é artista e possui carreira na arte. Inos Corradin continua produzindo, expondo e comercializando suas obras até os dias de hoje.

Gonçalo Ivo

Nascido no Rio de Janeiro em 1958, Gonçalo Ivo foi um artista plástico brasileiro e arquiteto muito reconhecido dentro da história da arte nacional. Suas ambições artísticas começaram logo cedo devido a clara influência de seu ambiente familiar e pelos amigos de seu pai que era poeta, escritor e jornalista, e de sua mãe que era professora. Juntos, seus pais o influenciaram positivamente ao meio da cultura, principalmente ligado a arte o levando a conhecer importantes artistas, como Iberê Camargo.

Esse ambiente o instigou a conhecer mais sobre o meio artístico e, ainda na adolescência, resolve iniciar um curso de pintura no Museu de Arte Moderna no Rio de Janeiro, o MAM/RJ. Mais tarde inicia na Universidade Federal Fluminense o curso superior de arquitetura, mas é na arte que tem sua primeira oportunidade profissional, trabalhando como ilustrador para editoras da capital paulista.

Caminhando para o final da década de 1980, fixa o seu trabalho em um ateliê no Rio de Janeiro, sua cidade natal, e começa a levar suas obras à exposição, iniciando a sua carreira e estampando o seu nome no cenário da arte brasileira.

Gonçalo Ivo 3

A obra de Ivo

Como dito nos parágrafos anteriores, seu ambiente de infância era dominado pelos amigos artistas de seus pais e, logicamente, isso também acaba influenciando em sua naturalidade construtiva.

Dentre os artistas presentes em sua infância estavam nomes como Lygia Clark e Alfredo Volpi, que eram ligados à geometria e à cor e tinham esses dois elementos, essencialmente como prioridade dentro de suas produções. Gonçalo “herdou” essas características e uniu essas experiências a sua formação em arquitetura, que também valoriza a geometria e a utilização das formas.

Gonçalo Ivo - Os Navegantes

A tecnica, os materiais e a forma de produzir

Não foi só a escolha das formas que foi influenciada por sua infância. A têmpera das obras de Alfredo Volpi também foi explorada por Ivo, sendo utilizada em um blend com aquarelas e tintas a óleo.

Para ele, o conhecimento dos materiais utilizados na construção de sua obras deveria ser algo natural como a utilização de talheres para uma refeição, ou seja, os materiais deveriam ser estudados, testados e treinados até que o conhecimento de como utilizá-los fosse instintivo e pudesse ser parte da produção de suas obras.

Gonçalo Ivo 15

A carreira e o reconhecimento

Com o amadurecimento de sua carreira, Ivo incluiu técnicas e materiais em suas produções e pregos e madeiras estão entre os objetos que começou a utilizar. Sua principal mudança de ares aconteceu no período prévio a essas inserções, com sua viagem ao território europeu. A partir de sua ida, consegue dar um ar mais comercial a suas obras, o que permite uma dedicação plena e mais tranquila à arte.

Gonçalo Ivo 25

Gonçalo Ivo continua produzindo e expondo suas telas em importantes exposições pelo Brasil. Com a construção de suas gravuras, suas obras podem ser encontradas nas principais galerias do Brasil.

Daniel Senise

Nascido no Rio de Janeiro em 1955, Daniel Senise é um artista plástico brasileiro que se mantém ativo na carreira de artista e que atua principalmente como pintor e gravador, mesmo que para a construção de suas obras ele não use pincel e muito menos tinta. Seu início na arte aconteceu quando tinha 25 anos de idade, o que é uma curiosidade, já que muitos outros profissionais da arte iniciam sua jornada ainda muito cedo, antes do período de sua adolescência.

A jornada de Daniel na arte se dá após sua formação em engenharia, em 1980, quando inicia seus estudos na Escola de Artes Visuais do Parque Lage. Curiosamente, em uma das primeiras vezes que foi produzir uma obra, imprimiu acidentalmente o chão do ateliê. Essa ação mudou sua trajetória na arte.

A partir daí, começa a visitar locais abandonados e produzir uma extensa coleção de impressões de chãos de diferentes lugares, uma espécie de gravura obtida tendo o chão como matriz e com a utilização de materiais como a cola e o cimento. Essas impressões estão presentes na maior parte de suas obras.

Daniel Senise 

O início fundeiro

No início de sua carreira, ainda utilizava pincéis e tintas realizando obras abstratas, mas naquele momento começa a ser considerado um fundeiro, ou seja, alguém que apenas constrói o fundo de suas obras e que, após seu trabalho, é necessário que algum outro artista dê prosseguimento à produção. Esse rótulo, naquela época, foi aceito até mesmo por ele, por considerar que suas técnicas ainda estavam muito cruas e que ainda deveria inserir muita experiência em seu repertório.

Daniel Senise - Sudário

O amadurecimento de sua carreira com o passar dos anos, percebeu que pintar com o pincel já não dava mais nem o resultado nem a satisfação pessoal que desejava, foi quando decidiu abandoná-los de uma vez por todas e focou em suas impressões de chão e as utilizou como palhetas.

Daniel Senise 1

A temática e a motivação

Daniel não iniciou seu trabalho pelo tema que queria abordar, pelo contrário, iniciou produzindo e com o amadurecimento e com as milhares de aplicações e experimentações entendeu que o seu entorno e as paisagens da cidade onde ele se situa são os fatores mais importantes para a construção de suas obras, mesmo que não seja claro para quem vê suas produções.

Nesse período, Senise inclui diferentes materiais em suas obras como peças de metal, tachinhas e pregos que parecem estar corroídos pela ação do tempo, assim como suas telas.

Daniel Senise

O trabalho de Daniel Senise é um resultado de dúvidas internas e do contexto no qual suas ideias estão inseridas, são a moldura pela qual ele vê o mundo. O artista continua produzindo e expondo suas obras dentro e fora do Brasil.

Carlos Vergara

Gaúcho de Santa Maria, Carlos Vergara nasceu em 1941 e foi um dos grandes artistas plásticos da história da arte brasileira, ligado principalmente à pintura, à gravura e à fotografia. Toda sua relação com a arte começa com trabalhos artesanais, produzindo cerâmicas e jóias após a sua ida para o Rio de Janeiro no início da década de 1950.

Daí já é possível afirmar que sua carreira começou como uma avalanche. Suas primeiras produções artísticas com a cerâmica e com as joias já foram expostas em 1963 na 7ª Bienal Internacional de São Paulo. No mesmo ano, decide dar os primeiros passos no aprendizado técnico e teórico para o andamento de sua carreira artística, dessa vez, além do artesanato, inserindo o lápis e o pincel através de um curso com o também artista Iberê Camargo.

A partir do primeiro curso Vergara já começa a produzir suas primeiras pinturas figurativas, caracterizadas por um estilo próprio, já com uma personalidade aparente em suas pinceladas características e marcadas nas telas, levando o figurativo ao caricato, algo próximo ao que era visto no movimento expressionista.

Carlos Vergara - Traço Pop da nova figuração

Da adolescência à maturidade de sua carreira

Com o passar dos anos é possível perceber que a arte de Vergara inicia um caminho do expressionismo ao PopArt. Ele começa a produção de murais e diversifica a utilização de materiais e de linguagens em suas manifestações artísticas. Além disso, começa a utilizar tintas naturais em suas telas.

Carlos Vergara - Auto-Retrato com Índios Carajás

A medida que seu repertório artístico e de materiais aumentava, ficava mais nítido que suas inspirações vinham de locais, culturas e identidades locais e brasileiras, tanto dentro de suas cores, que muitas vezes faziam referência a nossa bandeira, como às cores presentes em nosso dia a dia e em nossas paisagens. A partir daí se pode perceber um trabalho mais conceitual e mais liberto de entendimentos e aplicações já vistos naquele momento da história da arte brasileira, principalmente dos movimentos construtivos que abrangiam grande parte dos artistas brasileiros na época.

Carlos Vergara - Duas Figuras

A Fotografia de Carlos Vergara

Carlos começa seus trabalhos fotográficos no início da década de 1970. A princípio, sua ideia era sair do ambiente calmo e tranquilo do seu ateliê e caminhar para as ruas, sentir e observar como era o dia a dia das pessoas, o que depois se transformou em seu foco até o final de 80.

Já no início dos trabalhos era possível perceber seu talento e dom natural para a produção e, durante esse período, paira em fotos jornalísticas de movimentos culturais e populares, o que é possível observar em uma de suas capturas no carnaval de 1972, quando retrata três jovens negros durante a ditadura militar nas ruas do Rio.

Carlos Vergara - Bloco de Carnaval Cacique de Ramos

Aos 80 anos, Carlos Vergara está no período final de sua carreira mas continua produzindo, expondo e vivendo intensamente.

Carlos Cruz-Díez

Como já abordamos em outro artigo aqui do blog: As obras de um louco pela cor e as características de Carlos Cruz-Díez. Carlos Cruz-Díez foi um artista plástico venezuelano que viveu durante a maior parte de sua vida em Paris e que teve expressão mundial pela forma diferente que encontrou de utilizar as cores artisticamente, levando aos admiradores de arte os conceitos da op art, desde a ilusão de ótica até a imersão, que juntas eram responsáveis por sensações curiosas e únicas aos espectadores.

Carlos Cruz-Díez - Chromosaturations

O porquê e o uso das cores

Carlos Cruz-Díez é um pintor com formação teórica e se considera um acadêmico. As cores e a sua forma de pintar vieram de uma curiosidade da infância, quando se perguntava o motivo de todos os seus colegas pintarem da mesma maneira. Foi esse questionamento que levou Díez aos estudos, recorreu a livros de filósofos, de cientistas e de artistas com o propósito de encontrar outras maneiras de pintar.

Após muitos anos de estudos e de conhecimento buscado, Carlos enxergou formas de trabalhar as cores completamente diferentes das usuais, muitas vezes onde as cores visualizadas não eram as cores que realmente eram as empregadas por ele, mas que eram o resultado por elas projetado: “As cores são passadas de pai para filho como algo certo, mas elas não são, as cores são uma circunstância.”

Carlos Cruz-Díez – Chromosaturations 2

As fisicromias de Díez

Ao desdobramento da construção de seus trabalhos, Cruz-Díez se deu conta de que para obter os resultados desejados com as cores e a ilusão de ótica causada por elas, ele deveria de alguma maneira destruir ou reconstruir as formas pelas quais as cores seriam empregadas.

Daí surgiram as fisicromias em suas obras, trabalhos considerados por ele como algo extremamente complicado e demorado, já que todas as partes artesanais da obra exigiam um nível de detalhes exorbitante e, ao mesmo tempo que fazia as obras, tinha ideias que eram repreendidas pelo cuidado que tinha com suas cores.

As evoluções das fisicromias no repertório de Díez permitiram e o instigaram a levar seu trabalho das telas aos eventos, idealizando, construindo e expondo cenários nos quais as pessoas poderiam entrar, experimentar e fazer parte de suas obras, as conhecendo através de outra ótica, de outra maneira, observando uma obra que habita o mesmo espaço que ela.

Carlos Cruz-Díez - Transchromie

Um trabalho diferente

Outra preocupação de Carlos foi fugir da pintura em si, isso fez com que seu trabalho fugisse do comum, partisse para algo mais escalável, saindo da aba da pintura e pairando ao design. Para isso, modernizou seus processos e utilizou computadores para fazer suas obras, que começaram a partir para ambientações de luz e ganharam muito mais espaço em exposições.

Carlos Cruz-Díez - Chromointerferent Environment

Carlos Cruz-Díez foi um dos maiores nomes da arte mundial recente. Ele trabalhou até seus últimos anos de vida e modificou a maneira de produzir, de sentir, de enxergar e de admirar uma arte. Suas obras ainda são e serão muito expostas de forma póstuma.

Arthur Luiz Piza

Nascido em São Paulo em 1928, Arthur Luiz Piza foi um dos grandes artistas plásticos da história da arte brasileira, se difundindo principalmente nas técnicas da pintura, gravura, da ilustração e da escultura. Mesmo sendo multifacetário, ele é considerado até hoje como um dos maiores nomes da gravura brasileira.

Os primeiros aprendizados de Piza na arte aconteceram quando o artista tinha apenas 15 anos de idade, quando iniciou seus estudos de pintura com o também artista Antonio Gomide. Esses estudos foram responsáveis pela inserção de Arthur na arte e, alguns anos mais tarde, Piza aprende algumas vertentes das técnicas da gravura após participar da Bienal de São Paulo, quando caminha a Paris, cidade muito importante em sua trajetória pessoal e profissional.

Já em 1953, dois anos após sua ida ao território francês, Piza volta ao Brasil para participar da Bienal de São Paulo daquele ano e lá ganha o primeiro prêmio de melhor gravura. Assim iniciaria a carreira de um dos maiores artistas do cenário da arte brasileira.

Arthur Luiz Piza - L'Ombre Pyramidale

A evolução de sua obra

Após o aperfeiçoamento das técnicas da gravura, Arthur começa a inserir seus trabalhos pouco a pouco no que hoje entendemos como o movimento construtivo, ligado a um cuidado maior com a geometrização dos elementos e suas respectivas cores. A partir da inserção das formas geométricas, seu trabalho começa a caminhar para o relevo e para as texturas, isso acontece ao final da década de 50, quando ainda mora na França.

Arthur Luiz Piza - Rouge Sur Noir

E assim, o artista caminha ao longo de sua carreira focado nas técnicas da gravura e em obras relacionadas ao concretismo, inserindo diferentes materiais e até utilizando objetos do dia a dia, como vasos e louças.

Arthur Luiz Piza 2

Paris, sua arte e o pouco reconhecimento no Brasil

O reconhecimento e a valorização do trabalho de Arthur Luiz Piza é significativamente maior na Europa do que em seu continente. Por lá, críticos franceses, por exemplo, consideram que o requinte de suas obras, principalmente de suas gravuras, poucas vezes foi igualado por outros artistas da história da arte mundial.

Mas não foi esse o motivo de sua preferência por Paris. Mesmo antes de seu reconhecimento e após um prêmio ganhado em território brasileiro, o artista resolveu mudar de ares e fixar residência por lá. Na época sua escolha se deu muito por sentir falta do aroma artístico que a capital francesa exalava, pelo maior conhecimento disponível para ser obtido e, em uma época de difícil acesso a outros conteúdos, estar mais perto de suas referências.

Arthur Luiz Piza - Rectangle em Désordre

Arthur Luiz Piza faleceu em 2017 na França, passando a maior parte de sua vida em Paris.

Arcangelo Ianelli

Paulista da capital, Arcangelo Ianelli nasceu em um dos anos mais simbólicos para a história da arte brasileira, 1922, e foi um artista plástico multifacetário, se difundindo principalmente nas técnicas da pintura e da escultura, também passando pelas técnicas da gravura e da ilustração. Durante sua carreira foi reconhecido por suas cores intensas e por suas fases onde partiu da figuração, passou pelo abstracionismo até chegar a geometria.

Ianelli foi um artista autodidata, iniciando no desenho sem qualquer aula ou curso, mas também teve o cuidado de aprimorar seu repertório teórico e seus primeiros aprendizados acadêmicos na arte vieram aos seus 18 anos, quando estudou perspectiva na Associação Paulista de Belas Artes. Quando foi inserido na pintura, contou com a ajuda de outros importantes artistas do cenário brasileiro como Lothar Charoux e Waldemar da Costa, além de realizar um curso com Colette Pujol.

“O que eu quero dizer com a minha pintura, é a minha própria pintura. Eu não tenho a intenção de representar uma cena, um estado de espírito, seja ele alegre ou triste, apenas expressar a própria pintura em seus valores reais.”

Arcangelo Ianelli - Barcos a Vela

A primeira fase de sua carreira

Em um primeiro momento, Ianelli opta por realizar obras mais figurativas, beirando o realismo, algo comum no cenário paulistano da época e é possível dizer que naquele instante os valores reais de suas obras, como colocado por ele, seriam mais o aprendizado e o enriquecimento de técnica do que qualquer expressão ou movimento artístico.

Naquele tempo manteve amizade com críticos de arte, que eram muito importantes até um passado recente para o cenário artístico brasileiro e a maioria de suas pinturas eram realizadas com tinta a óleo. Ao longo dos anos, caminha em uma trajetória retilínea e vai demonstrando seu interesse a outros tipos e movimentos da arte, até que chega mais perto da vertente construtiva.

Arcangelo Ianelli - Estaleiro

As linhas cores e formas

Após sua fase figurativa que durou entre 16 e 17 anos, chega em suas obras uma fase mais ligada ao construtivismo, onde a figuração deu lugar ao abstracionismo e o real foi dando espaço ao cuidado com as cores, as linhas e as formas. Dentro desse campo passa por algo que podemos considerar subfases de seu trabalho, onde caminha pela fase da matéria, do grafismo e uma fase denominada por seu amigo e também artista Paulo Mendes de Almeida como “Balé das Formas”, que dá início ao seu processo de geometrização de suas obras, por onde se mantém durante 10 anos.

Arcangelo Ianelli - Vibrações

Nesta fase, que ocorreu em 1970, começa a utilizar a têmpera por muitos anos devido a um problema de saúde causado pelo chumbo da tinta a óleo. Com ela conseguiu desenvolver aspectos translúcidos em suas obras, época na qual surgem obras como “Transparências” e “Superposições”.

Arcangelo Ianelli - Superposições em Vermelho

Arcangelo Ianelli faleceu em 2009 e foi um artista reconhecido em vida, tendo o primeiro prêmio em duas Bienais e tendo retrospectivas de seus trabalhos também em vida, algo que foi muito importante para o reconhecimento de seu trabalho.

Imagem de uma matriz litográfica

Como já abordamos em artigo anterior, a gravura é uma técnica artística pela qual se obtém uma imagem por meio de uma impressão, normalmente construída em bases duras, como madeiras, pedras e metais. A partir do material usado como base é diferenciado o tipo da gravura, como por exemplo, a Litografia ou litogravura, Xilografia ou xilogravura, Lineogravura e outras.

Hoje falaremos sobre a litografia e sobre os artistas que são reconhecidos como os precursores da técnica, ou que ao longo de suas carreiras fizeram um exímio trabalho através dela.

A litografia ou litogravura em si

A litografia se refere a técnica de impressão de uma imagem por uma matriz feita em pedra preparada previamente através soluções químicas. Com a utilização de outros materiais como a água e a tinta, são realizadas as impressões em uma espécie de carimbo (no caso a pedra) responsáveis por fixar o desenho sobre a superfície ou tela desejada. Para saber mais sobre a litografia, confira o nosso artigo completo sobre todos os tipos de gravuras.

A história da técnica e os artistas

A litogravura foi muito trabalhada e explorada por renomados artistas do passado e até hoje existem artistas no cenário que são focados na técnica.

Francisco Goya

Historicamente, críticos tem a ideia comum de que o primeiro artista plástico a usar a litografia foi Francisco Goya, quando realizou uma das obras da série "Touros em Bordeaux". A briga de touros era um entretenimento muito comum antigamente e logo também era um tema comumente retratado por artistas na época. As técnicas aplicadas por Goya nessa série foram água-forte e água-tinta, utilizadas para ilustrar as cenas de movimentos violentos dos touros. Goya foi chamado de repórter por apresentar uma arte que por sua perfeição parecia uma foto do evento, o que mostra que seu domínio da técnica era irretocável.

Francisco Goya - Touros em Bordeaux

Vieira da Silva

Com o passar do tempo essa técnica se popularizou e muitos outros artistas passaram a trabalhar também com a litografia, como Maria Helena Vieira da Silva, que abandonou o início da carreira como escultora para se dedicar à pintura e à gravura, principalmente à litografia. Entre os famosos trabalhos dela na técnica estão "Plombs", produzido em 1971 e "Lisbonne du Retour" de 1993.

Vieira da Silva – Plombs

Vincent Van Gogh

A litografia também fez parte da carreira de um dos mais importantes artistas da história da arte mundial. A obra "Tristeza", tradução do nome original "Sorrow", é uma litografia do artista realizada em 1882 com desenho feito com lápis pelo pintor em Paris e depois passada para uma matriz em pedra. Além dessa, Van Gogh criou também a “Sorrow Woman", em 1887, feita com giz preto sobre papel e que também foi replicada inúmeras vezes, o que foi permitido pela técnica.

Vincent Van Gogh - Sorrowing

Regina Silveira

Nascida em Porto Alegre em 18 de janeiro de 1939, Regina Scalzilli Silveira, ou apenas Regina Silveira, é uma artista brasileira difundida em diversas vertentes das artes, mas, principalmente, gravadora, pintora e professora, sendo uma das artistas plásticas mais influentes de sua geração.

Regina se graduou como pintora em 1959 pelo Instituto de Artes da Universidade Federal do Rio Grande do Sul e lá foi aluna dos famosos pintores Aldo Locatelli e Ado Malagoli.

Sua carreira como pintora se iniciou ainda em Porto Alegre e no fim da década de 60 começou a representar o movimento geométrico-construtivista através de esculturas e serigrafias. Nesse início Regina teve aulas de pintura com Iberê Camargo. Críticos do cenário consideram que a artista absorveu forte influência de sua arte, como a maneira de utilizar a técnica como um meio artístico e não apenas a técnica por ela mesma. A partir daí Regina passa a pintar diferentes representações da arte.

As características de suas obras

Uma de suas características é a reinvenção. Com diferentes linguagens, sua obra explora temas que passam pela composição da imagem, pela reinvenção da representação, pelo poder e pela política.

A partir do tom questionador da pintura tradicional, Regina se torna uma das referências no estímulo da revitalização da arte com suas perspectivas ilusionistas quebrando espaços arquitetônicos e com desenhos e pinturas que distorcem o espaço original.

Regina Silveira 2

A serie “Desaparências” entra nesse contexto, mostrando sua visão em perspectiva com a técnica de colagem de adesivos em vinil formando linhas interrompidas que representam um ateliê de pintura distorcido. Um estúdio com cavaletes, móveis e instrumentos tradicionais de pintura, mas fugindo totalmente do linear.

Regina Silveira – Desaparência

Além disso, segundo ela a série “Desaparências” é também uma peça bibliográfica, uma vez que o estúdio criado em sua obra pode ser o seu antigo ateliê.

Regina Silveira 3

Além das telas

Apesar de ser definida como distorcida, essa arte contemporânea foi uma busca de tornar a pintura como um objeto do cenário além do quadro. A utilização de imagens na trajetória da artista se inicia com a série de serigrafias “Middle Class & Co”, em que tem como tema a dilaceração do cidadão contemporâneo e tem como métodos intervenções de fotografias com recortes, diagramações etc.

Regina Silveira - Middle Class & Co

Após ganhar uma bolsa em um curso de Filosofia em Madri e ficar 6 anos por lá, Regina decide voltar ao Brasil e assume o comando da área de gravura da Faculdade de Artes Plásticas da Fundação Armando Álvares Penteado, a FAAP.

Regina também deu aulas na Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo, a ECA, na USP, onde obteve o título de doutora anos mais tarde. Regina continua realizando suas obras e realizando mostras individuais ou participando de importantes exposições no Brasil e no mundo.

Adriana Varejão

Nascida na cidade do Rio de Janeiro em 1964, Adriana Varejão é uma artista plástica contemporânea e uma das que ainda em atividade possui mais reconhecimento. Ela é conhecida principalmente por suas obras na pintura, mas ainda trabalha outras vertentes da arte, seja incluindo-as em suas telas ou trabalhando-as individualmente.

Adriana teve seus primeiros contatos com o meio artístico ainda jovem, no início de sua fase adulta, após abandonar o curso de Engenharia da PUC. Fez cursos de arte na Escola de Artes Visuais do Parque Lage e realizou sua primeira exposição individual aos 24 anos, na Galeria Thomas Cohn. Antes mesmo de sua primeira exposição individual a carioca recebia o Prêmio Aquisição do Nono Salão Nacional de Artes Plásticas, da Fundação Nacional de Artes do Rio de Janeiro.

Adriana Varejão - Abóbada

Entre o prêmio e a primeira exposição

Entre o prêmio e sua primeira exposição individual, Adriana Varejão teve a inclusão de um importante movimento em seus conhecimentos artísticos. Após uma viagem a cidade histórica de Ouro Preto, o barroco foi inserido em seu repertório, que até o momento era caracterizado por uma maioria de obras figurativas.

Obras com pinceladas características das azulejarias das igrejas começam a se tornar uma marca das obras daquele momento da artista. As cores e tonalidades barrocas também acabam se tornando frequentes, o que pode ser visto em obras como “Altar I” e “Abóbada”.

Adriana Varejão – Altar I

Arte crítica e mensageira

Para ela, a arte não pode ser algo exclusivamente belo e ou decorativo. É importante que a obra tenha uma linguagem que a aproxime de quem a vê, da mesma forma que tenha uma mensagem, uma razão e que realmente tenha um sentido interno.

Daí podemos entender o peso e o valor de suas artes contemporâneas, que se transformaram com o passar dos anos e que agora acompanham do belo dos azulejos desenhados, com geometria e cor, ao peso da aparência de seu interior, que carrega um olhar mais fúnebre ou denso, como se formasse um corpo dilacerado.

Adriana Varejão – Swimming Pool

Esses trabalhos, em sua maioria, criticam as forma de colonização que dilaceraram algumas culturas para que outras se tornassem mais importantes. Dentre as críticas, Adriana também questiona e simboliza o processo de evangelização da igreja católica e de suas frequentes polêmicas.

Adriana Varejão – Varal

O trabalho e o reconhecimento

Adriana se considera uma pessoa extremamente aficionada pelo trabalho e que acredita que se não trabalhasse tanto com certeza se tornaria maluca.

Apesar de ter recebido seu último prêmio em 2013, quando foi premiada com o Prêmio Mario Pedrosa de Melhor artista de linguagem contemporânea da ABCA, hoje talvez esteja no auge de sua carreira, com exposições individuais ou em grupo por inúmeras partes do mundo e importantes galerias, como a Gagosian em Nova Iorque.

Max Bill

Max Bill foi um artista plástico nascido na Suíça em dezembro de 1908 que, além das telas, teve também o design gráfico e o design de produtos como partes importantes da sua carreira. Na arte, Bill teve um trabalho multifacetário que passou pela pintura, gravura, escultura e pelas salas de aula.

Bill iniciou a carreira aos 16 anos de idade, quando ainda na Suíça começou a participar de cursos de arte. Rodou a Europa no começo de sua fase adulta e aprendeu em uma das escolas mais importantes da arte mundial: a Escola Bauhaus. Com o amadurecimento de sua carreira, o Suíço seria conhecido como um dos maiores nomes da Escola no meio artístico mundial. Os críticos consideram o trabalho de Max essencialmente concretista.

A evolução do concretismo

É comum a percepção dos críticos pelo cuidado com a cor e, principalmente, com a forma nas telas de artistas concretistas. Mas Max Bill foi além. O artista também incluía elementos matemáticos e de lógica, sem perder o cuidado com a estética de suas obras, principalmente naquelas que tinham funcionalidade.

Sim, Bill também foi um artista que se preocupou em realizar obras funcionais, ou seja, que tinha uma utilidade além da estética, da reflexão e dos valores que uma obra de arte carrega consigo.

Max Bill – Geometrie

A escultura também foi uma das partes da arte que foram exploradas por Max Bill. Nelas, o artista trabalhava, em sua maioria, com o metal polido e tem nessa faceta da arte uma de suas obras mais importantes e reconhecidas, a “Endlose Treppe”.

Max Bill - Endlose Treppe

Max Bill e o Brasil

Bill trouxe conhecimento e repertório à arte e à arquitetura brasileiras e trouxe junto do conhecimento algumas críticas, tanto às obras quanto a quem as fazia. Com isso, construiu uma relação polêmica de amor e ódio com os profissionais brasileiros, pois considerava que eles não se atentavam ao social no momento que realizavam seu trabalho. Mesmo assim, é impossível dizer que o Suíço não trouxe evolução ao trabalho artístico e de arquitetura aos brasileiros.

Max Bill faleceu em 1994 e, mesmo tendo sido em vida uma figura polêmica, teve inúmeras homenagens pelo Brasil.

Mira Schendel

Myrrha Dagmar Dub nasceu em Zurique, na Suíça, em 1919 e ficou conhecida no Brasil como Mira Schendel. Mira foi uma artista plástica que teve uma carreira reconhecida internacionalmente e por aqui é compreendida como um ícone da Arte Moderna Brasileira.

Quando era jovem, viveu em inúmeros países. Isso aconteceu porque Mira veio de uma família judaica e os tempos não eram os ideais para os seguidores da religião. Em plena Segunda Guerra Mundial seus pais foram obrigados a fugir constantemente, até que em 1949 chegou em Porto Alegre e, anos depois, mudou-se para a sua “cidade natal” no Brasil, São Paulo.

Mira Schendel - Que Beleza

Mira Schendel pintou até os 17 anos e só retomou a pintura quando chegou ao Brasil. Na época a arte era levada apenas como um meio de viver e sobreviver, mas com o passar dos anos se transformou na melhor maneira que ela tinha de se expressar.

Mira e o Brasil

Quando chegou ao Brasil, Mira permaneceu em Porto Alegre por 10 anos, onde trabalhou com design gráfico, pintou e trabalhou com esculturas em cerâmica. Por lá também trabalhou com uma vertente da arte que a acompanharia durante toda sua carreira: o poema e a literatura. As letras e as palavras acompanharam a arte de Mira até mesmo no interior de suas telas. Através delas a artista procurava a melhor maneira de transmitir o seu pensamento e o seu sentimento para suas obras.

Mira Schendel - A Volta de Aquiles

De 1953 até o final de sua vida reside em São Paulo e é nessa época que cria suas séries de obras e realiza exposições dentro e fora do Brasil.

Uma carreira muito reconhecida e pouco planejada

Assim como seu início na arte, Mira nunca tentou ou fez questão de construir sua carreira de forma planejada. Apenas criou, sentiu e tornou palpáveis suas obras sensitivas e intuitivas, experimentou diferentes técnicas, diferentes materiais e produziu obras melancólicas, irreverentes, delicadas e que por muitas vezes os críticos tratam como algo de outro mundo. A profundidade e o movimento faziam parte das obras de Mira, assim como a filosofia e a teologia, que sempre a acompanhou.

“Cada pessoa vê como pode”

Muitas vezes teve seu trabalho criticado e demorou a ter um reconhecimento fora do Brasil, mas foi uma artista livre e tolerante, que não produzia para os críticos, não aprofundava suas obras para ser reconhecida, mas para expressar o que tinha em seu interior. Daí a frase: “Cada pessoa vê como pode!”, que deixa claro que não menosprezava a crítica de quem não enxergava o que ela queria passar, não se aborrecia por ela não poder enxergar, muito menos mudaria a sua forma de trabalho por isso.

Mira Schendel morreu em 1988 quando residia em São Paulo e, mesmo que tardio, seu reconhecimento internacional fez com que tivesse uma exposição póstuma em uma das mais importantes galerias de Arte Moderna do mundo, a TATE Modern, em Londres.

Amilcar de Castro

Mineiro de Paraisópolis, Amilcar de Castro nasceu em 1920 e foi um artista plástico brasileiro muito reconhecido por ser um artista multifacetário. Seus aprendizados no meio da arte surgiram não muito cedo, quando tinha 24 anos de idade. Amilcar iniciou um curso de Escultura Figurativa na Escola de Belas Artes de Belo Horizonte, após, por influência de sua família, cursar Direito na Faculdade de Direito da Universidade Federal de Minas Gerais, a UFMG.

Aos 30 anos se mudou para o Rio de Janeiro, onde focou na carreira artística. Nesse período obtinha no Jornal do Brasil seu sustento, sendo responsável por toda parte de diagramação. Em alguns anos reformulou totalmente a estrutura gráfica do periódico, trabalho de grande valor para o futuro do artista.

Mesmo sendo multifacetário, foi na escultura onde o artista teve seu maior reconhecimento e valorização. Amilcar teve como um de seus grandes mentores Franz Weissmann, outro grande escultor nascido na Áustria. Futuramente, Amilcar de Castro faria esculturas em importantes locais públicos pelo Brasil.

Amilcar de Castro - Escultura no MuBE - Foto Duda Carvalho

O Movimento Neoconcreto e os prêmios

Com o passar dos anos, as obras figurativas dele começam a dar lugar a peças mais abstratas. A representação do real passa a existir cada vez menos e as formas e objetos tomam seu lugar gradativamente, até que ele se torna um dos idealizadores do movimento neoconcreto, junto com seu mentor Franz Weissmann.

A partir daí se inicia uma das décadas mais importantes para a carreira do artista, a década de 50. Nela, Amilcar recebe importantes prêmios e expõe suas obras em exposições de renomados museus e locais ligados a arte. Dentre esses feitos, a medalha de bronze em Escultura no III Salão Baiano de Belas Artes, em Salvador e Exposições no Museu de Arte Moderna de São Paulo, o MAM-SP, e do Rio de Janeiro, o MAM-RJ.

Amilcar de Castro - Escultura no jardim do TCU

A ida ao exterior e a carreira de professor

Em 1968 Amilcar vai aos Estados Unidos após receber uma bolsa no Memorial Foundation, como prêmio do Salão Nacional de Arte Moderna, o SNAM. Fato é que, além do estudo, outras sementes foram plantadas e o artista resolveu dividir seus aprendizados e partir para a carreira de professor, carreira esta que persistiu por 19 anos, de 1971, quando voltou ao Brasil e se fixou em Belo Horizonte a 1990, quando decidiu voltar o foco de sua carreira a produção de obras.

Amilcar de Castro - Escultura no MAM-RJ

Podemos entender as esculturas de Amilcar muito melhor se as enxergarmos como algo do local onde ela está, muito mais do que do material pelo qual elas foram construídas ou pelas cores que foram colocadas em sua produção. Suas obras, principalmente as monumentais, são algo da natureza e fazem parte do meio que está ao seu redor, assim como a ação do tempo, que para ele é algo que não deve ser entendido como “corpo estranho” em suas esculturas.

Amilcar de Castro - Escultura em Dom Silvério

Amilcar de Castro falece em novembro de 2002 na cidade de Belo Horizonte e valorizou importantes locais do território brasileiro com suas obras.

Fang

Nascido em 1931 na China e naturalizado brasileiro, Chen Kon Fang ficou conhecido apenas como Fang no território brasileiro e marcou sua trajetória como um dos maiores artistas da arte sumi-ê no Brasil. Além disso ainda seria reconhecido como um excelente ilustrador, gravador e professor.

Fang começou sua trajetória na arte aos quinze anos de idade quando começou a estudar a história da arte sumi-ê e pintura, ainda na China. Cinco anos mais tarde veio ao Brasil, onde dez anos depois se naturalizaria brasileiro.

Por aqui aprimora seus conhecimentos artísticos estudando pintura com o artista plástico Yoshiya Takaoka, em São Paulo. Oito anos após sua chegada, Fang realizaria sua primeira de muitas exposições individuais no Clube dos Artistas Plásticos de São Paulo. Nessa época, o chinês trabalhava com artes ligadas ao figurativismo, estilo este que seria deixado de lado por pouquíssimo tempo. Após um foco no abstracionismo Fang volta ao figurativismo que o acompanharia até o final de sua carreira.

Fang – O Menino

A cultura e o equilíbrio

Fang se considerava metade chinês e sempre fazia questão de preservar a cultura de sua terra natal, como a caligrafia chinesa e o Tai Chi Chuan, importantes para suas obras e para que ele tenha paz e leveza durante o trabalho. Exercitar sua paciência e calma o ajudava em pinceladas mais lentas.

No início gostava de retratar favelas e sempre foi um pintor de paisagens e de arquitetura. Sempre destacou a importância do equilíbrio em suas obras, talvez um contraponto “uma parte pesada e outra leve” em um mesmo quadro, como é possível ver em sua obra “Cadeiras”, onde os objetos alocados em cima de cada cadeira se contrapõem e equilibram o peso da arte como um todo.

Fang – Cadeiras

A arte de Fang

Durante toda sua carreira, Fang foi dono de uma arte leve, simples e que sempre foi acompanhada por suas origens chinesas, além de uma óbvia e irretocável técnica extremamente apurada, que o possibilitou ser referência na arte sumi-ê pelo mundo afora. Mesmo em obras simples, o chinês fez questão de destacar a importância da energia no momento de sua elaboração e produção.

Fang – Pássaros

Além das telas

Além de sua carreira como artista, Fang lecionou na Faculdade Belas Artes de São Paulo e em 1981, 9 anos após suas primeiras aulas, é feito um curta metragem como homenagem a ele chamado “O Caminho de Fang”. 4 anos mais tarde visita a China a convite do Governo Chinês, que visava valorizar locais e a história da arte chinesa.

Fang – Marinha

Fang faleceu em 2012 na cidade de São Paulo e suas obras ainda são expostas e vendidas nas melhores galerias do país.

Geraldo de Barros

Paulista da cidade de Chavantes, Geraldo de Barros foi um artista plástico que se difundiu principalmente na pintura e na gravura mas que, além de outras ocupações, também trabalhou como designer de móveis e teve muito reconhecimento na fotografia.

Nascido em 1923, Geraldo começou na arte aos 22 anos de idade ao estudar pintura com o japonês Yoshiya Takaoka e com os artistas Clóvis Graciano e Colette Pujol. Na mesma época, começou a realizar experimentos fotográficos, fazendo cliques de jogos de futebol em periferias e produzindo artes com negativos, cortes e sobreposições no período pós revelação.

Algo que pode ser feito com facilidade nos dias de hoje como em programas como o Photoshop não era possível na época e, junto a seus aprendizados no curso de pintura, seriam o ponto de partida de Geraldo de Barros na arte.

Geraldo de Barros - They are playing - Poker face

A Fotografia

Foi na fotografia onde Geraldo de Barros teve o seu maior reconhecimento, mesmo que ele não tivesse um trabalho exclusivamente fotográfico, mas talvez fosse o seu maior diferencial.

Além de profissão, a fotografia foi talvez seu primeiro amor. Geraldo construiu sua própria câmera em meados de 1946 e com ela começou a produzir seus primeiros conteúdos fotográficos. A partir desse momento já é possível ver trabalhos em negativo e em revelação, realizando experimentos com cortes, colagens e associações entre imagens.

Geraldo de Barros - A menina do Sapato

Além disso, Geraldo foi pioneiro da fotografia abstrata no Brasil. Nessas fotos é possível ver que ele trabalha com algo além do que é visualizado na imagem e começa a produzir obras mais reflexivas.

Geraldo de Barros - Abstrato, from the Fotorma series, Estação da Luz, São Paulo

Dentro e à frente de seu tempo

Geraldo foi considerado um artista que esteve ligado diretamente aos temas e aos acontecimentos de seu tempo, como a construção do MASP e do MAM de São Paulo e do Rio de Janeiro. Trabalhou como ajudante de uma exposição do artista suíço Max Bill, importante artista do movimento concretista, que com sua presença pode mudar a percepção do concretismo no território nacional.

Dentro de uma percepção artística do que as obras trazem à sociedade, críticos analisam que Geraldo foi um modernista, já que acreditava que sua obra em si já representa a ideia. A arte não deve ser explicada ou contextualizada, mas deve, sozinha, apresentar e representar a ideia que o artista teve antes de fazê-la.

Talvez esse fato seja um reflexo de sua personalidade. Suas filhas dizem até que antes de fazer uma obra, Geraldo não gostava de explicar o que estava fazendo e pedia que elas esperassem para que ele mostrasse o resultado.

Geraldo de Barros - Cadeira desenvolvida por ele

Além da fotografia

Além da fotografia, Geraldo teve um período de estadia na Europa, onde pode ter contato com a arte internacional da época, analisando o que poderia trazer de novo para cá.

Outro trabalho muito valorizado e reconhecido na carreira de Geraldo foi o design de móveis, onde já trabalhava com a ideia de democratização de bons produtos, indo além do preço e chegando em algo que ainda não podemos ver na sociedade, que é ser bom e ser acessível ao mesmo tempo. Com essa ideia, Geraldo já introduzia a possibilidade de produção em larga escala para os produtos que desenvolvia.

Geraldo de Barros - Sem título

Geraldo de Barros faleceu em 1998, na cidade de São Paulo e até hoje tem suas obras nas melhores galerias e são realizadas exposições que valorizam seu trabalho e sua história.

Dionísio Del Santo

Dionísio Del Santo nasceu no ano de 1925 na cidade de Colatina, no Espírito Santo, e foi um dos artistas plásticos de maior expressão na história da arte brasileira. Dionísio teve seus primeiros contatos com a arte em sua adolescência, quando produziu seus primeiros desenhos. Vindo de uma escola que valorizava a arte, o artista pôde, com o passar dos anos, se aprofundar com mais foco em técnicas que seriam importantes para sua carreira.

Em 1946, apenas um ano depois de fazer suas primeiras ilustrações, vai ao Rio de Janeiro e lá começa a estudar pintura, com aulas que lhe davam noções de arte, de técnicas de pintura com modelo-vivo e que também lhe permitiam entender mais sobre as cores e sua importância na arte.

Tais conhecimentos serviram de pontapé inicial para a carreira de Dionísio, que anos mais tarde já começaria a trabalhar com publicidade e artes gráficas e com o passar dos anos viria se tornar um importante nome da arte ligada a pintura, ilustração e gravura.

Dionísio Del Santo - Cavalo, mulher, criança

A fase abstrata de Dionísio

Um fato interessante de sua carreira e talvez até incomum se dá logo em seu início. Dionísio, ao contrário de outros artistas, já inicia sua obra com a temática abstrata, com o a valorização e o enriquecimento das formas geométricas e das cores, algo que podemos comparar à fase mais madura da carreira de Alfredo Volpi. Claro que este trabalho abstrato não aconteceu de forma exclusiva, mas ao contrário da maioria dos artistas, principalmente brasileiros, não houve um momento de virada onde o abstrato acabou sendo mais valorizado.

Com o amadurecimento de sua carreira, podemos ver surgir obras figurativas muito interessantes e talvez sejam elas que o tornaram um artista diferenciado. Em suas telas podemos ver pessoas, paisagens e momentos representados por figuras geométricas com cores chapadas, em uma representação única, algo que nitidamente partiu do abstrato para o real e não o contrário.

Dionísio del Santo - Composição com vacas

A gravura e a produção com relevo

O trabalho com a serigrafia também esteve presente durante toda a carreira do artista, que produziu muitas vezes a partir de um outro desenho, mudando algumas técnicas ou invertendo cores, onde se pode analisar a importância do diferente a partir de algo primário.

Com o tempo foi inserindo relevo em suas pinturas, principalmente pela influência dos artistas plásticos Jesús Rafael Soto e Carlos Cruz-Diez.

Dionísio del Santo - Escultura de Parede

A Importância do artista no cenário nacional

Alguns críticos ligam a importância de suas obras aos trabalhos concretos, outros destacam a importância de sua carreira à maneira indefectível que produziu com a inserção da serigrafia.

Dionísio del Santo - Figura na Janela

Suas obras integram galerias pelo Brasil afora e fazem parte do acervo de importantes museus, como o MAM no Rio de Janeiro. Dionísio Del Santo faleceu em 1999, em Vitória, capital de seu estado natal.

Carlos Cruz-Díez

Nascido na Venezuela em 1923, Carlos Cruz-Díez foi um artista plástico e professor que teve sua carreira reconhecida mundialmente por ser tão diferente dos artistas plásticos que até hoje são muito conhecidos e valorizados. Desde criança esta era uma pergunta que pairava em seu pensamento: “Por que todos pintam da mesma maneira?” e foi com as respostas que ele criou que o fez diferente, fora da caixa, e a frente de seu tempo.

Díez começou seus primeiros trabalhos com arte em sua cidade natal, Caracas, e com o amadurecimento de sua carreira ficou conhecido como o Venezuelano Mestre das Cores, cores estas que com certeza são a principal marca de suas obras, unidas aos movimentos por elas causados.

Carlos Cruz-Díez – Sem Título

A cor e a ilusão de ótica em conjunto

Considerado um louco pela cor, mais concentrado na cor do que na pintura e na obra em si, fez a cor significar mais que qualquer outro elemento. Isso fez dele um artista pioneiro também no aspecto da produção em escala. A valorização do lúdico foi uma das marcas registradas do venezuelano que também levava aos admiradores diversas possibilidades de artes que causavam ilusão de ótica.

Carlos Cruz-Díez - Banheiro Minimalista

A imersão em suas obras

Além das cores, Cruz-Díez realizava obras que permitiam a entrada, a imersão do espectador, muitas vezes trazendo a ideia de dualidade e a possibilidade de analisá-las através de pontos de vista diferentes, com a intenção de mostrar que mesmo aquilo que é analisado de perto pode ter outra interpretação, outro ponto de vista que também deve ser valorizado.

Carlos Cruz-Díez – Exposição

O movimento a diversificação e a exposição póstuma

Além das pinturas, Carlos realizou diversas exposições que continham fotos de sua produção. Muitas dessas fotos eram colocadas em preto e branco como um contraponto às suas pinturas, porém valorizando-as com o mesmo peso. Díez ainda foi um dos poucos artistas a receber uma exposição póstuma como homenagem. A exposição recebeu cada detalhe que ele deixou programado antes de partir, com sua característica mistura de cores que também acontecem a partir de jogos de luzes.

O movimento também é algo a ser valorizado dentro das obras de Díez. Analisando o movimento causado pelas linhas altamente coloridas de suas telas, ele nos leva ao movimento do espectador, que unido à ilusão de ótica proporciona um novo conjunto de cores causado pelas combinações introduzidas em suas telas.

Carlos Cruz-Diez – Dasartes

Carlos Cruz-Díez faleceu em 2019 e suas obras se encontram em museus e sítios espalhados pelo mundo e continuam fazendo ilusão de ótica e abrilhantando seus espectadores com as mais diversas cores.

Matriz de uma gravura

A gravura é uma técnica muito comum e atualmente muito valorizada. Elas permitem que um artista dissemine suas obras de uma maneira que elas possam ter um valor mais acessível e ao mesmo tempo cheguem de forma ampliada até as paredes de quem gosta de seu trabalho.

O que são gravuras?

Para você que deseja saber mais sobre todos os tipos de gravura, suas diferentes técnicas e as mais diversas maneiras que um artista utiliza para gravar suas obras de forma original, acesse nosso artigo sobre as gravuras onde apresentamos tudo sobre a técnica. Por aqui abordaremos um pouco mais sobre o seu valor e sobre a forma de autenticação e fatores como sua numeração e ordem que foi produzida.

Imagem de uma gravura em madeira

A gravura assinada

A gravura assinada nada mais é do que uma reprodução de uma obra do artista, porém, ao contrário do que muitos acham, não é uma reprodução escalada e fria. Cada gravura é uma obra única, assinada e numerada de acordo com a sua produção e com sua respectiva serie.

Outro pensamento muito comum é de que uma gravura é uma obra reproduzida e não original do artista, mas isso passa longe de ser verdade. O fato de ter varias reproduções de uma mesma obra não faz com que ela seja desvalorizada ou perca sua originalidade, pelo contrário, as gravuras reforçam que as obras sejam 100% originais e tenham 100% de fidelidade, passando por pericias no momento e apos a sua reprodução.

O impressor também é um profissional importante para a produção das obras. Um bom impressor tem conhecimento total dos processos necessários em cada tipo de gravura e normalmente trabalha de forma conjunta com o artista.

Gravura assinada e numerada - Tarsila do Amaral

A numeração

Além de serem obras assinadas, com aspectos e características únicas, as gravuras também possuem numeração que tem valorizações diferentes entre si. Normalmente, a numeração aparece do numero da reprodução seguido pelo numero total de reproduções que a obra teve, desta maneira, quanto menor for o numero da impressão, normalmente mais valorizada a obra será.

Isso acontece porque as primeiras obras feitas são reproduzidas a partir de uma matriz sem desgaste, sendo uma obra mais fidedigna e sem “defeitos”.

Gravura assinada e numerada - Esther Grinspum

A valorização

Nos dias de hoje, uma obra pode ser facilmente impressa ou copiada e é nesse momento que a gravura tem seu maior ponto de valorização. Ela revive o olhar artístico, a técnica, a originalidade e o seu real valor artístico.

Portanto, mesmo que sejam mais acessíveis, as gravuras carregam consigo o real valor de uma obra de arte e são normalmente o ponto de partida para quem quer colecionar obras.

Emanoel Araújo

Emanoel Araújo teve sua entrada na carreira artística pela profissão de seu pai, que era ourives, e isso caminhou para os aprendizados com o trabalho em madeira, fazendo um curso de marceneiro com Eufrásio Vargas. Este curso marcou o ponto de partida do baiano para os trabalhos com escultura.

Mas logo após fazer o curso Emanoel começou a trabalhar com a escultura? Não, pelo contrário! O artista passou por inúmeras outras vertentes da arte antes de focar na escultura, principalmente pelo gosto que tem pela cultura africana e baiana, o fazendo representar de maneira única tais estilos de vida e até mesmo a natureza de tais regiões.

Emanoel Araújo - Sem Título

O curso de Arquitetura

A partir de 1960, seus aprendizados se inclinaram ainda mais para que sua carreira tivesse foco nas esculturas. Emanoel foi morar na capital de seu estado, Salvador, e iniciou uma Graduação em Arquitetura ao mesmo tempo em que ingressava na Escola de Belas Artes da Universidade Federal da Bahia, a UFBA.

Tais fatos podem trazer a seguinte reflexão: a nutrição entre os aprendizados sempre fez com que Emanoel Araújo tivesse uma visão diferenciada sobre o que aprendia em uma e outra faculdade, unindo os aprendizados estruturais aos conceitos de arte e vice versa, o que o tornaria um profissional das esculturas diferenciado.

Emanoel Araújo - Geometria do Medo

Assim como em suas pinturas, desenhos e as consequentes gravuras, Emanoel também trouxe a abstração para suas esculturas, uma marca de seu trabalho até os dias de hoje.

Emanoel Araújo - Estrutura Vermelha

Genial não apenas nas esculturas

Mesmo tendo recebido diversos prêmios como escultor e muitas vezes ocupado cargos importantes devido a sua relação com a escultura, muitos críticos consideram que ele foi um artista absolutamente completo, fato que também pode ser comprovado por outras formas de reconhecimento e prêmios que recebeu, como título de Melhor Gravador pela Associação Paulista de Críticos de Arte em 1973.

Emanoel Araujo - Escultura em Resina Translucida Vermelha

Confira a relação de Emanoel Araújo com suas obras, outras fases de sua rica carreira que caminha a passos largos até os dias de hoje, e, como ela anda hoje com cargos de gestão em importantes museus brasileiros em sua biografia completa. "A Bahia, a África e as Grandes e Grandiosas obras de Emanoel Araújo"

Flávio de Carvalho

Nascido no ano de 1899 em Amparo da Barra Mansa no Rio de Janeiro, Flávio de Carvalho foi um artista brasileiro multitécnicas, curiosamente formado em engenharia e que também evoluiu seus trabalhos para âmbitos que vão além do obvio.

Filho de pais empreendedores do ramo do café e que sempre foram motivo de muito orgulho para ele, Flávio se mudou para São Paulo com a família com apenas 1 ano de idade e foi por lá que teve seu primeiro contato com o meio artístico, ainda longe das telas, mas algo de grande valor para a época e para sua carreira, quando realizou um curso particular de violino. Aos 12 anos vai para a Europa e primeiro fica em Paris. Já adulto e na Inglaterra, obtém o diploma de Engenharia na Universidade de Durham.

Seu curso de engenharia aconteceu durante o período da Primeira Grande Guerra, quando ficou preso na Inglaterra sem os pais e sem documentos e acabou tendo seu segundo contato com aprendizados artísticos. Em Londres aprendeu teatro, algo que seria muito importante para seus futuros trabalhos como cenógrafo. Foi lá também que aprendeu importantes técnicas dos arquitetos Bauhaus e Le Corbusier que também seriam de suma importância para sua carreira.

Flávio de Carvalho - Sem Título

O retorno ao Brasil, a arquitetura e o início da carreira

Na volta ao Brasil, Flávio presenteia sua mãe com uma casa em Valinhos por ele projetada, seu primeiro projeto, com marcas claras da arquitetura inglesa. Nesta cidade se encontra outra casa também por ele projetada que muitos críticos consideram sua mais importante obra, a Casa da Fazenda Capuava um dos projetos pioneiros da Arquitetura Moderna brasileira.

Participou de diversos concursos de arquitetura e mesmo sem vencer nenhum deles sempre trouxe algo inovador e incomum para a época. Talvez não fosse vencedor porque aqueles que julgavam suas obras ainda não estivessem preparados para as avaliar.

Flávio de Carvalho - Casa da Fazenda Capuava

As telas, a personalidade e a escrita de Flávio

Além de ser uma obra de arte da arquitetura brasileira, a Casa da Fazenda Capuava também era o local onde Flávio fazia seus desenhos durante suas festas e “eventos”. Nas obras estavam presentes em grande maioria mulheres nuas que eram pintadas em locais da “Máquina de Morar”, apelido carinhoso dado à casa pioneira na arquitetura moderna do Brasil. Tais pinturas aconteciam sem cerimonia, com no máximo um pano que servia de porta e cortina para que os funcionários ou curiosos não invadissem a privacidade das mulheres que eram por ele desenhadas.

Outra parte muito conhecida de sua vida foi uma manifestação solo durante uma procissão de Corpus Christi. Durante a procissão, Flávio caminhou em sentido oposto ao da passeata, vestindo apenas um chapéu e uma saia, o que seria de extremo desrespeito para a cultura dos católicos que ali estavam. Mais tarde escreveu um livro sobre o que passou naquele momento, tendo que sair de lá escoltado pela polícia pois havia transformado uma passeata que tinha o intuito de paz em um quase linchamento pelos religiosos, querendo mostrar a hipocrisia deles.

Flávio de Carvalho – Mulheres

Pioneiro e inovador

A inovação e o pioneirismo sempre fizeram parte dos trabalhos da carreira de Flávio de Carvalho, desde a forma como desenhou seu primeiro projeto, até a serie de desenhos que produziu ilustrando a morte de sua mãe. Desta maneira podemos considerar que a polemica esteve presente em suas obras tanto quanto a inovação e o pioneirismo.

Flávio de Carvalho - Série Trágica - Minha Mãe

Flávio faleceu em Valinhos no ano de 1973 e sua casa é tombada pelo patrimônio histórico da cidade.

Lothar Charoux

Pintor, ilustrador e professor, Lothar Charoux nasceu na Áustria em 5 de fevereiro de 1912 e veio ao Brasil quando tinha 16 anos de idade. Seus primeiros conhecimentos artísticos surgem antes de vir ao Brasil, quando estudou técnicas da arte com seu tio Siegfried Charoux, escultor austríaco e dois anos após chegar ao Brasil Lothar continua seus estudos no meio artístico.

Se fosse brasileiro, Lothar seria paulista e foi em São Paulo que ficou durante toda sua vida. Lá aprimorou seus aprendizados na arte no Liceu de Artes e Ofícios de São Paulo, o LAOSP, local onde seria o responsável pelas aulas de desenho no futuro. No Liceu conhece Waldemar da Costa, artista plástico modernista do Pará que teve muito sucesso dentro e fora do Brasil e que foi responsável pelos seus aprendizados na técnica da pintura 12 anos depois de sua chegada.

Lothar Charoux - Sem Título

O início da carreira e as influências

No início de seus trabalhos, principalmente pelo aprendizado com Waldemar da Costa e por sua influência direta sua obra é essencialmente figurativa, mas isso não seria algo que o acompanharia por muito tempo. Mesmo com tais influencias, as telas de Charoux traziam algo surrealista para o figurativo, ou seja, passavam um pouco do real e caminhavam para o que vai além dele.

Isso acontece até mais ou menos o ano de 1947, quando realizou sua primeira exposição individual na Galeria Itapetininga. No ano seguinte, Charoux já partiria para a fase mais característica de sua carreira com as obras construtivas.

Lothar Charoux – Refração

O Concretismo de Charoux

Para os críticos, a obra concreta de Charoux foi crucial para o movimento concretista do Grupo Ruptura, que atingiu seu ápice com sua participação e com suas obras que valorizavam os elementos do concretismo como a linha, as formas e o movimento. Além de Lothar, outros nomes foram fundamentais para o movimento como Geraldo de Barros e Waldemar Cordeiro.

Lothar Charoux – Série Branca

Outro ponto muito valorizado de suas obras foram a falta de temática. Isso mesmo: a falta. Enquanto muitos artistas do mesmo tom de Charoux empregavam temáticas ligadas ao cotidiano, às formas da natureza, às religiões e até mesmo episódios bíblicos, Lothar trazia aquilo que era essencialmente abstrato e, mesmo sem que fizesse referencia a outras questões, era facilmente considerado como algo genial pela crítica e pelo público.

Lothar Charoux – Composição

Os Fundos Negros

As telas com fundos negros de Lothar Charoux são comumente apresentadas quando alguém deseja mostrar algo característico do artista. Críticos consideram que elas exploravam a oposição das cores e valorizava a maneira antagônica pela qual tais elementos eram frequentemente tratados. Assim, além dos traços, dos elementos, da cor e da forma, Charoux valorizava algo que no meio concretista não podia ser muito valorizado: a luz.

Lothar Charoux - Sem Título

Talvez o maior legado de Lothar Charoux para a arte tenha sido o uso de elementos não muito utilizados nos movimentos pelos quais passou. Charoux buscou inovar e trazer algo inusitado, assim como fez com a luz e a cor de suas obras de fundos negros. Lothar Charoux faleceu em São Paulo no ano de 1987.

Rubem Valentim

Baiano de Salvador, Rubem Valentim nasceu em 9 de novembro de 1922 e foi um pintor brasileiro reconhecido por suas pinturas gráficas e características de um geometrismo construtivista de formas e cores marcantes. Pinta desde muito jovem, desde seus 9 ou 10 anos de idade, quando aprende com um pintor de casas a fazer sua própria tinta, a tempera.

Nos anos seguintes, quando já praticava a pintura realizando paisagens e naturezas, começou seus primeiros estudos e contatos com inúmeros outros artistas para que seu trabalho fosse enriquecendo. Com conhecimento obtido, entendeu que não deveria passar o restante de sua carreira copiando paisagens e migrou para obras mais abstratas, através das quais realizava um trabalho que ele tratava como linguagem não verbal, inserindo e representando seu sentimento e suas sensações na tela com formas e cores que determinavam e ao mesmo tempo espelhavam o seu estado de espirito.

Através de uma linguagem artística universal, mostrou a parte mais Africana e Baiana do Brasil com uma pintura forte, simbólica e erudita, representada pelos frequentes elementos do candomblé estampados em suas telas.

Rubem Valentim - Sem Título

As cores chapadas e as formas

Da mesma formas que em seus quadros, as cores representavam seu interior. Elas não sofreriam variações de tonalidade: o branco era exclusivamente branco, o preto exclusivamente preto e o amarelo exclusivamente amarelo. Sua ideia através desse pensamento seria que uma obra que trouxesse o sentimento de bem-estar e felicidade não pudesse trazer consigo outro sentimento se não aquele.

Rubem Valentim - Sem Título

Mesmo com essa preocupação com as cores, muitos críticos consideram que elas não eram o principal elemento de suas obras, mas sim as suas formas geométricas, pelas quais ele se comunicava e representava o que ele era como pessoa e como artista. Por meio delas, expressava-se e passava elementos e sentimentos de sua religião, de seu vasto conhecimento, de seu cotidiano e do lugar de onde veio. Rubem Valentim representou pelas formas geométricas tudo o que Alfredo Volpi representou pelas cores.

Rubem Valentim - Emblema

As mudanças, o aprendizado e a carreira

Sendo um pintor autodidata, Rubem não tem grandes formações artísticas. Fora de sua principal profissão, resolveu cursar jornalismo e escreveu sobre o que mais gostava: a arte. Após a formação em jornalismo, vai ao Rio de Janeiro onde junto com Carlos Cavalcanti leciona no Curso de História do Instituto de Belas Artes.

Rubem Valentim - Estudo para Serigrafia

Foi no Rio de Janeiro que inseriu em seu repertorio a escultura. Começou a fazer pinturas com a inserção de relevos na tela e partiu para a escultura em madeira com trabalhos visualmente muito característicos de sua história na pintura.

Após essa jornada, Valentim recebe o importante prêmio de viagem ao exterior no Salão Nacional de Arte Moderna e por 4 anos mora em Roma na Itália.

Unindo elementos e técnicas inseridos por toda a extensão de sua carreira, pelas influencias obtidas através dos lugares por onde morou e pelas pessoas com as quais conviveu, foi em 1977 que muitos críticos consideram que atingiu seu auge, apresentando na 16ª Bienal Internacional de São Paulo a obra “Templo de Oxalá” que unia relevos e objetos simbólicos e predominantemente brancos.

Rubem Valentim – Templo de Oxalá

Aos 69 anos Rubem Valentim faleceu e deixou Bené Fonteles, seu parceiro de profissão e religião, como “Guardião de Suas Obras”.

Glauco Rodrigues – Sem Título

Gaúcho de Bagé, Glauco Rodrigues nasceu em 1929 e foi um dos grandes artistas plásticos da história da arte no Brasil, difundido e reconhecido principalmente por seus trabalhos na pintura e nas técnicas da gravura. Precoce, Glauco foi um artista que começou a pintar aos 16 anos de idade sem que fizesse alguma aula ou curso para isso. Ficou conhecido por seu talento natural e por sua facilidade em aprender, sendo considerado por muitos um autodidata.

Quatro anos depois de começar a pintar, em 1949, Glauco recebeu uma bolsa de estudos da prefeitura de sua cidade natal e, na Escola Nacional de Belas Artes, fez cursos curtos de artes plásticas e fundou o Clube de Gravura de Bagé. Mais tarde, participa de outro grupo de gravura, desta vez na capital de seu estado, junto com os também muito renomados Carlos Scliar e Vasco Prado.

Passou por uma fase abstrata liberta de movimentos, mas o ponto alto de sua obra acontece quando ele resgata a pintura figurativa e a insere no tema nacional, ao contrário dos movimentos mais difundidos como o cubismo e o expressionismo que são movimentos que adotam uma linguagem mais universal, com temas internacionais.

Glauco Rodrigues - Sem Título

Tropicalista de todos os movimentos, gravador de todas as técnicas

O artista e crítico de arte Ferreira Gullar o considera mais importante que o próprio movimento tropicalista, já que para ele a participação de um artista em determinado movimento ou o uso de determinada técnica não o define. O tropicalismo esteve na obra de Glauco, assim como o figurativismo. Do mesmo modo a pintura esteve em suas obras, assim como a gravura, o desenho e a cenografia.

Glauco Rodrigues – Sem Título

Além de Porto Alegre, Glauco Rodrigues passa pelo Rio de Janeiro e depois muda-se para Roma. Durante sua estadia na Itália, suas obras vão quase que completamente para a abstração. Anos depois volta ao Rio de Janeiro, onde reinclui o figurativismo em seu trabalho. Em 1960 participa então de uma importante exposição no Museu de Arte Moderna no Rio de Janeiro, onde já mostra obras bem humoradas e temas ligados ao popular e a arte pop.

Glauco Rodrigues – Segundo Reinado

Os temas de Glauco

Glauco começou a pintar o que via por perto, como as praias, e desta maneira conheceu o país. Por isso temas populares são a maior parte de seus trabalhos figurativos. Depois, incluiu temas de engajamento político e em tom de denúncia. É nessa parte de sua obra que as gravuras passam a ser a técnica mais importante de seu trabalho, já que para difundir a sua critica e forma de pensar Glauco deveria escalar sua arte.

Glauco Rodrigues - Paisagem de Faz-de-conta

Dentro desses temas não poderia faltar a brasilidade do futebol e do carnaval, já que ele é um dos artistas que mais representou o popular brasileiro e suas paixões. Esses temas podem ser visualizados em obras como “No país do Carnaval” e “Terra Brasilis”, que apontam nitidamente ao Brasil e ao brasileiro.

Glauco Rodrigues – Terras Brasilis

Glauco Rodrigues faleceu no Rio de Janeiro em 2004.

Gustavo Rosa

Nascido em São Paulo no dia 20 de dezembro de 1946, Gustavo Rosa foi um dos grandes artistas plásticos do Brasil. O gosto de Rosa pela arte aconteceu ainda muito cedo. Autodidata, ganhou seu primeiro prêmio aos 18 anos de idade. Uma viagem ao exterior fez com que o gosto por desenhar e pintar fosse ainda mais encrustado em suas raízes artísticas.

Não muito disciplinado, mas muito talentoso e inquieto, faltava à escola para aprender arte e ao longo dos anos construiu sua própria maneira de criar. Muito conhecido por pintar figuras humanas gordinhas mesmo que elas não fossem, Rosa entende que o artista não necessariamente precisa trazer a realidade ou representá-la em suas obras. Fazer a própria realidade também é arte e traz o humor e o caricato, assim como Pelé foi representado por ele.

Com mais de cinco mil obras únicas produzidas, Gustavo Rosa representa nelas o cotidiano e a simplicidade: mulheres com latas d’agua na cabeça, crianças, sorveteiros, vendedores de comida de rua e figuras tipicamente brasileiras que são facilmente notadas nas em qualquer cidade. Rosa era fã assíduo de Pablo Picasso e nitidamente influenciado por seus traços cubistas. No Brasil, os artistas plásticos Di Cavalcanti e Alfredo Volpi foram para ele grandes referências. Di Cavalcanti, em uma de suas exposições, fez um elogio ao seu estilo e suas técnicas: “Esse rapaz tem um traço muito bom”, comentário este que serviu de grande motivação a Rosa e fez com que os dois mantivessem uma amizade até o final da vida de Cavalcanti.

Gustavo Rosa – Aldemir Martins

Expos em muitos lugares do mundo

As décadas de 70 e 90 foram as mais produtivas da carreira do artista. Em 70 fez sua primeira exposição individual, na qual expos obras figurativas ricas em detalhes e em aspectos técnicos. Seu talento o levou a exposições em diversos lugares do mundo, em uma semana expondo para um galerista no frio de Nova Iorque, em outra no calor de uma praia do Guarujá.

Gustavo Rosa – A Gata

Os gordinhos e as crianças

Talvez essas duas series representem os dois fatores que mais foram apresentados, ironizados, humorizados e criticados nas obras de Gustavo Rosa. Os gordos representavam a parte do humor, que veio após as crianças, que por sua vez representavam a crítica e o afeto de Rosa a temas importantes de sua sociedade. As crianças vieram de outro tema que também foi representado pelo artista, as mulheres com latas d’água na cabeça que eram acompanhadas de seus filhos em seus afazeres diários.

A serie das “Banhistas” foi um dos grandes trabalhos dele e vieram de seu gosto pela observação e por suas visitas constantes às praias. Porém, o grande e real amor de Gustavo não eram os temas, mas a pintura. Os temas eram apenas o fator que possibilitava que ele pintasse algo, já que não se via pintando obras abstratas.

Dentro desses temas estavam os gatos, que assim como na obra de Aldemir Martins também estiveram muito presentes e são considerados uma marca registada de Rosa.

Gustavo Rosa – Mulher na Praia

Humor, cor e dia a dia de forma leve e caricata Gustavo Rosa Busca suas informações no dia a dia e tem uma tendência a levar suas obras ao humor e ao lado caricato da arte. Mesmo que nunca tenha ido ao abstrato, Gustavo se considera um artista que não se atem a um estilo ou moda. Para ele os estilos são passageiros, assim como o que ele entende por modismo que é o que mais se faz em determinada época.

Gustavo Rosa – O Golfista

Gustavo Rosa pintou sem pensar muito no que viria para o dia seguinte, acreditando em seu “dom” e em sua vocação e na magia da resposta que a tela lhe daria. Foi um artista excessivamente intuitivo. As obras de Gustavo estão expostas em sua casa, que virou o Instituto Gustavo Rosa, aberto ao público para exposições e oficinas. Com câncer na medula óssea, o artista faleceu em 2013.

Orbis Descriptio com Fronteiras Indiferentes - Anna Bella Geiger

Nascida no Rio de Janeiro em 1933, Anna Bella Geiger é uma das maiores artistas brasileiras vivas. Passando por inúmeras vertentes da arte, desde o desenho até a escultura, é conhecida por ter características únicas e bem definidas em seu repertório artístico, apesar de ter passado por inúmeros estilos durante sua extensa e premiada carreira na arte.

Uma das pioneiras da arte abstrata do Brasil, o início da carreira da carioca se deu predominantemente na abstração ao mesmo tempo em que o Movimento Concretista que vinha de São Paulo também ganhava espaço. Ainda muito jovem participou da Primeira Exposição Nacional de Arte Abstrata, em 1953, no Hotel Quitandinha. Anna teve muito reconhecimento em seus trabalhos abstratos. Firmou as suas características e individualidades dentro do movimento e se sentiu prestigiada por isso.

Sem Título - Anna Bella Geiger

No ano seguinte, Anna Bella parte para os Estados Unidos e no Museu Metropolitano de Arte de Nova Iorque faz um curso de História da Arte com Hanna Levy. Talvez, este tenha sido o momento em que Anna tenha se encantado por outra arte também muito comum entre os artistas, a arte de lecionar.

Sem Título - Anna Bella Geiger

Abstração x Figurativismo, Moderno x Contemporâneo

A partir do início dos anos 60, Anna Bella inicia um caminho de transição entre o abstrato e o figurativo, entre o modernismo e o contemporâneo. A partir dai começa a pintar corpos e partes de corpos, partes estas, que por suas palavras, vinham de forças estranhas. Neste período também aprende sobre gravura em metal no MAM do Rio de Janeiro, onde mais tarde viria a ministrar aulas.

Orgão Ocidental - Anna Bella Geiger

A vitalidade de ensinar e aprender com o ensino

No final dos anos 60 lecionou no MAM, o Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, e começou trazer a ideia de iniciar trabalhos artísticos dentro do jardim do Museu junto com seus alunos. Nesse momento caminha então o seu trabalho para a parte mais conceitual: do conhecimento, da sensibilidade e da reflexão interna.

É nessa época que, muitas vezes com ironia, Anna incluiu as palavras em suas telas e obras. Ela considera que a inserção de ideias através das palavras é uma necessidade da maioria dos artistas e são uma forma de colocar “os pés no chão”, na realidade, e fazer refletir sobre temas político-sociais que ela considerava importantes.

Burocracia - Anna Bella Geiger

As técnicas inovadoras e exóticas

No quesito técnica e utilização de materiais e ferramentas a obra de Anna Bella Geiger talvez seja uma das mais complexas e completas da arte brasileira. Com o passar dos anos seu repertório só aumentou, incluindo a inserção de técnicas pouco empregadas em telas, como o xerox. Na década de 90 Anna adicionou ainda mais elementos em seu repertorio e produziu obras que estão em uma linha tênue entre a gravura, a pintura e a escultura.

Mapa Mundi com Ventos - Anna Bella Geiger

Anna Bella Geiger vive e trabalha até hoje no Rio de Janeiro.

Kenji Fukuda - Foto Paulo Garavelo/Divulgação

Nascido em 14 de setembro de 1943 em Indiana, interior de São Paulo, Kenji Fukuda foi um artista brasileiro que começou seus primeiros passos na arte ainda muito novo, aos 12 anos de idade, quando começou a aprender técnicas de pintura. Filho do imigrante japonês e assim como ele artista plástico Tamotsu Fukuda, Kenji sempre tratou seus dons artísticos como algo genético.

Na pintura, Kenji Fukuda iniciou seus passos com obras figurativas como naturezas mortas, paisagens e marinhas e se manteve nessa vertente por um considerável período. Após essa fase, Kenji passa por um longo tempo focado em obras abstratas, que talvez sejam as obras que mais o caracterizam, mas sem deixar de lado a importância do figurativismo para a evolução de sua obra. Como dito por ele: “A fase figurativa é sempre o início e é muito importante para adquirir experiência, encontrar caminhos. Com o tempo fui enxergando outras possibilidades e criando a concepção de que a pintura deve ser mais livre”.

Marinha 1 - Kenji Fukuda

Seguindo o caminho que lhe trazia mais liberdade, Kenji expôs pelas galerias das cidades mais importantes para o mundo da arte, como em Paris, Nova Iorque, Berlim, e nas mais importantes do Brasil, como em São Paulo, Rio de Janeiro e Curitiba.

Sem Título - Kenji Fukuda

As fases bem delimitadas na figuração e na abstração

O nipo-brasileiro se difundiu na arte nacional no eixo Rio – São Paulo, e, ao contrário do que muitos artistas pensam, gostava de ter fases bem delimitadas em sua vida artística. Considerava que muitos daqueles que gostam de seu trabalho e até ele mesmo poderiam se cansar de um estilo único por muito tempo.

Dentro da importância que dava ao período figurativo inicial de sua arte, Kenji dizia que ainda no início de suas obras abstratas se surpreendeu negativamente com as obras que fazia e enfrentou muita dificuldade na migração de estilo. Fukuda considera que o passo para a abstração não pode ser inicial, mesmo que com muito aprendizado teórico. A figuração deve ser sempre algo que antecede ao abstrato, inserindo técnicas e conhecimento ao artista.

Os retratos aparecem esporadicamente nas obras de Kenji e são para ele a parte mais difícil de sua obra pela exigência de um período de concentração intenso e o emprego de diferentes técnicas na mesma peça.

Sem Título - Kenji Fukuda

As manchas características

As manchas em suas abstrações talvez sejam as mais marcantes características de suas obras. Para ele as manchas vem da inserção de novas técnicas e da implementação de ideias e de sensações que aparecem, são criadas e acrescentadas em seu reportório artístico com o tempo e com o estudo.

“A minha característica, muitos vão dizer, está diferente, mas é do Fukuda”. Talvez esta seja a citação do artista que mais faz entender o que ele pensava sobre a migração de suas fases e da importância de manter algo característico e conceitual em sua obra.

Sem Título 2 - Kenji Fukuda

Multifacetário

As esculturas não foram deixadas de lado pelo artista. Fukuda produziu esculturas para importantes datas, como um monumento de 15 metros de altura que fez em homenagem aos jogos Pan-Americanos de 2007 no Rio de Janeiro.

Kenji Fukuda - Monumento em Homenagem aos Jogos Pan-Americanos de 2007

Fukuda faleceu em Março de 2021, após complicações geradas por um procedimento médico.

León Ferrari - Destinos

Nascido em 1920 na cidade de Buenos Aires, na Argentina, León Ferrari ficou conhecido por uma carreira repleta de obras críticas e pelo amplo repertório de obras e de técnicas artísticas utilizadas em sua “estadia” no meio artístico.

Os primeiros passos de León aconteceram com a pintura e logo migrou para a produção de esculturas. Ainda jovem e residente na Itália, Léon compôs obras predominantemente de aço e arames. Também foi por lá que mais tarde realizou sua primeira exposição individual. Nesse período o argentino ainda concentrava suas produções em obras abstratas, porém, a partir de 1965 León dá um passo que seria um dos mais importantes, se não o mais importante de sua carreira, que foi a entrada no movimento cultural e político do Instituto di Tella de Buenos Aires.

León Ferrari – Minhocas na Casa Branca

A partir desse momento, as obras de Leon Ferrari ganham o peso de suas intrínsecas criticas, que por muitas vezes eram irônicas e debochadas como na obra “Minhocas na Casa Branca”. Outras eram apenas reflexivas como em “Destinos” e por outras causavam um conjunto de sentimentos como em obras que traziam textos que tinham poucas partes legíveis e faziam criticas à ditadura vivida por ele.

León Ferrari 3

A crítica ao catolicismo

Dentre os vários temas abordado por León, a época da Inquisição foi um dos mais explorados pelo artista. Imagens de um tempo em que milhares de pessoas foram mortas por serem consideradas hereges estavam na arte do argentino, que fazia questão de rivaliza-las ao mandamento “Não Matarás”.

Nem seu conterrâneo Papa Francisco foi poupado. Quando ainda era Cardeal na Argentina, León fez críticas a igreja católica por considerar que ela manipulava as pessoas e realizou protestos colocando imagens da Virgem Maria dentro de um liquidificador e ligando-o.

León Ferrari - Obra Crítica ao Catolicismo

A relação com o Brasil

Sua vinda ao Brasil aconteceu devido a críticas de um Regime Militar também vivido em território Argentino e que obrigou León a exilar-se por aqui. No Brasil, León não deixou de lado seus ideais político-sociais e continuou produzindo uma quantidade significativa de obras, como fez durante toda a extensão de sua carreira.

A relação com artistas como Julio Plaza e Regina Silveira fez com que o argentino se interessasse por obras mais chamativas visualmente e mais expressivas León então acaba por criar artes em texto, em vídeo, artes postais e livros artísticos.

No Brasil o artista foi premiado como o Melhor Expositor do ano de 1983 pela Associação Paulista de Críticos de Arte, a APCA.

León Ferrari – 02

A volta a Argentina

Passado o período militar em sua terra natal, León decide voltar ao seu país em 1993. Neste regresso publicou livros e chegou a receber o Prêmio Constantini. Sem ficar preso pela idade, incluiu técnicas em seu repertorio e utilizou a tecnologia em suas experiências profissionais e pessoais. Foi nesse período também que o artista mais realizou exposições, pelas mais variadas partes do mundo.

Desde sua volta, León Ferrari não saiu mais da Argentina, onde faleceu em 2013. Até hoje o argentino é conhecido por muitos como o artista nascido no século 20 mais influente América Latina.

Roberto Magalhães - Perfil 1

Nascido em 1940 na Ilha do Governador, no Rio de Janeiro, Roberto Magalhães começa seus primeiros passos artísticos ainda muito novo em uma gráfica que tinha como dono o seu tio. Lá aprendeu a desenhar materiais gráficos como rótulos, cartazes e outros tipos de materiais publicitários que são normalmente produzidos em gráficas especializadas até mesmo nos dias de hoje.

Nessa época, Roberto já realizava trabalhos de ilustração para o Jornal da Ilha, jornal de circulação da sua cidade natal. Antes dos 18 anos de idade, quando estudava no Colégio São Bento, já tinha uma visão a frente de seus colegas, produzindo obras caricatas, valorizando os pontos positivos e negativos de seus amigos e professores.

Roberto Magalhães começa a se tornar artista em 1961, quando entra na Escola Nacional de Belas Artes, a ENBA, escola que também formou outros artistas nacionais de grande renome como: Cândido Portinari, Zélia Salgado e Milton Ribeiro.

Livre de fases, sua obra vai e volta em seus pensamentos e em seus estilos, tudo em prol de sua liberdade e em prol de um trabalho completamente intuitivo, que não se identifica com um grupo de pensadores, muito menos como propriamente um intelectual. Além de não ter o desejo da busca por indagações ou pensamentos específicos de “o que?”, “quando?” e “como?” deve pintar, trata tudo com muita liberdade.

Roberto Magalhães - Máscara

A Espiritualidade, a pausa e a retomada da Arte

Em 1969 Roberto Magalhães pausa suas atividades artísticas e começa a se dedicar completamente ao Budismo, nesse período, o artista mergulhou completamente na religião e até mesmo ajudou na construção de um Centro de Meditação para a Sociedade Budista do Brasil. Esta fase espiritualista, muito provavelmente incentivada pelo envolvimento de sua esposa com o espiritualismo, resultou em uma experiência posterior com obras propositalmente místicas, quando retomou suas atividades artísticas e fez exposições individuais de desenho e pintura em São Paulo e no Rio.

Roberto Magalhães - Mão

As técnicas e a percepção própria

Com construções de inúmeras artes em pinturas pasteis, cheias de traços e nuances características do artista, Roberto tinha em seu repertório técnicas que utilizam dos dedos para a construção das obras e costumava agrupar a técnica que mais combinaria com o resultado que gostaria de chegar para a realização da tela.

O carioca diz até hoje que só percebe suas obras depois de prontas, e, ao mesmo tempo, se considera um artista que leva muito tempo para finalizar um quadro, já que normalmente na fase inicial da construção da obra as ideias ainda estão muito dispersas e cruas e se leva um tempo para chegar em um conjunto de penamentos que resultariam em um “produto final”.

Roberto Magalhães – Perfil

Os prêmios

Os prêmios e exposições são inúmeros durante a carreira do carioca, porém, os anos 60 foram os mais especiais da carreira do artista, mesmo logo após o início de sua carreira. Em 1965, por exemplo, Roberto ganha o prêmio de gravura na Quarta Bienal de Paris, onde moraria dois anos mais tarde. No ano seguinte, sua obra “Édipo Decifra o Enigma da Esfinge” ganha um prêmio no Décimo Quinto Salão Nacional de Arte Moderna, o SNAM.

Tido como um ícone da pintura brasileira, Roberto considera que tudo é novidade quando se é realmente autêntico e que essa autenticidade resulta em uma obra rica e atemporal. Quando se copia, por menor que a copia seja, não há nem liberdade nem novidade, apenas há a representação de um pensamento e de uma ideia que não é própria.

Roberto Magalhães continua em atividade até os dias de hoje.

Aldemir Martins – Marinha 2 – Serigrafia

A gravura é o nome dado a uma técnica artística que utiliza de matrizes ou moldes para a construção de uma pintura, tela ou arte que pode ser impressa em inúmeros tipos de material. Normalmente construídas em superfícies duras, as matrizes são feitas com incisões, cortes ou corrosões sobre o material que pode ser de pedra, madeira e metais como o zinco, o cobre, o alumínio e até mesmo o latão. Essas incisões podem construir a imagem impressa através de duas maneiras: a partir do relevo, funcionando como um carimbo onde a imagem será impressa, ou através da depressão formada, funcionando como um negativo.

A partir dessa matriz, que é na maioria das vezes uma construção artesanal, várias copias da arte podem ser produzidas.

Tipos de Gravura:

Os tipos de gravuras são denominados segundo o material de sua matriz e são chamados de:

Litografia ou litogravura

A litografia é a execução da técnica da gravura através de pedras desenhadas. Nessa técnica, a impressão é feita em um processo basicamente químico, que utiliza do princípio da repelência entra a água e óleo. Esta é a técnica que resulta em um aspecto mais parecido com o da pintura, já que a pedra, plana e normalmente porosa, é desenhada a mão. Após feita a sua pintura, são adicionados reagentes químicos que passam esta pintura para a superfície final com a ajuda de uma prensa.

Imagem de uma matriz de Litogravura

Xilografia ou xilogravura

A xilogravura é a gravura feita em madeira. Originalmente feita em um processo artesanal, a xilogravura é uma técnica pela qual o artista produz sua matriz em um processo parecido com o da escultura, realizando a retirada das partes que não serão impressas em tinta na tela final com a ajuda de ferramentas de corte específicas.

Imagem de uma matriz de Xilogravura

Lineogravura

A lineogravura é uma técnica descendente da xilogravura e é realizada em processo extremamente semelhante, porém a madeira é substituída por materiais não naturais, como borrachas ou placas sintéticas de outros tipos de materiais, que assim como a madeira, funcionam para a técnica como uma espécie de carimbo.

Imagem de uma matriz de Lineogravura

Serigrafia

A serigrafia nada mais é do que a técnica conhecida por muitos como silk, ou estêncil, onde é determinada a área pela qual a imagem será formada, havendo a liberação de tinta e o bloqueio da passagem de tinta, onde não haverá impressão. A serigrafia é feita através de uma matriz única, ou por um conjunto de matrizes. Essas matrizes são telas que liberam a tinta para a superfície impressa em um processo manual, com a ajuda de uma ferramenta parecida com um rodo.

Processo de serigrafia

Gravura em metal

No caso dos metais, as ranhuras são construídas através de cortes, que podem ser feitos a mão ou através de máquinas, ou podem ser construídos através da imersão do metal em um ácido, onde a parte do metal que deve ser mantida intacta é protegida por substâncias antiácidas.

Artista gravando chapa metálica - Foto: Valeriy Kondratenko / Shutterstock.com

Como fica a originalidade das obras?

Ao final do processo da gravura, cada obra deve ser devidamente assinada pelo artista e é reconhecida como uma obra única. O processo de impressão de uma serie com várias impressões não desqualifica, diminuiu a originalidade ou faz com que determinado número de reproduções tenha menos valor.

A importância da gravura para a história da arte

Artistas de suma relevância para a história das obras de arte brasileira como Aldemir Martins, Eduardo Sued, Ferreira Gullar, Oswaldo Goeldi, Lívio Abramo, Marcelo Grassmann, Evandro Carlos Jardim, Carlos Oswald utilizaram e continuam utilizando de vertentes da técnica da gravura para difundir suas obras pelo Brasil e pelo mundo. Muitas dessas obras ainda estão no mercado mesmo após a morte de seus idealizadores justamente por mérito da técnica.

Desde o século 15, as gravuras fazem parte dos recursos de grandes artistas. Com a gravura foi possível que a cultura popular de várias partes da história da arte não fosse perdida e pudesse ser revivida. A evolução do conhecimento de inúmeras técnicas da gravura trouxe métodos comuns e altamente tecnológicos de impressão dos dias atuais. Porém, se engana quem pensa que impressoras e materiais exclusivamente eletrônicos substituirão as prensas de gravuras mais manuais. Até hoje, muitos artistas utilizam a técnica e fábricas de roupa ainda realizam impressões com a base da gravura e continuarão realizando suas produções nessa metodologia. Para a arte especialmente, seu caráter bastante físico e quase artesanal atribui um “sabor” especial a cada impressão. Atualmente, a maneira mais fácil e bela de obter uma obra original e de qualidade é adquirindo uma gravura de seu artista preferido.

Claudio Tozzi - Astronautas

Claudio José Tozzi nasceu em São Paulo no ano de 1944 e teve seus primeiros contatos com a arte ainda muito cedo.

Mestre em Arquitetura pela FAU, a Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da Universidade de São Paulo, Tozzi na verdade não queria ser arquiteto quando buscava um curso. Buscava uma faculdade de Artes Plásticas que não encontrou, fato que o fez caminhar para sua área de formação, porém, sem esquecer da arte, seu verdadeiro propósito.

Claudio Tozzi - Cidade

Durante o curso de arquitetura, Claudio esperava manter-se em contato com a arte, já que sabia que muitos professores do quadro do curso eram artistas. Porém, logo no início de sua jornada acadêmica Tozzi se deparou com um fato de muita importância, que despertou ainda mais suas veias artísticas e de seus colegas de universidade, fazendo com que a arte viesse mais rapidamente a pauta universitária e em uma proporção muito maior do que a esperada.

Claudio Tozzi - O Olhar

Este fato foi o Golpe Militar de 1964, que aconteceu logo após sua entrada na Faculdade de Arquitetura da USP. O artista então acabou por participar do movimento estudantil e de movimentos contrários ao regime militar. Com isso, Tozzi sempre esteve ligado ao espírito da época e manteve seus trabalhos com temáticas conectadas ao ambiente de resistência e protesto.

A política, o dia a dia e a Arte

Para ele, a arte sempre foi uma atitude política. A estruturação de um trabalho como uma forma bem organizada é um reflexo de uma organização política. No começo, as manifestações políticas serviram para Tozzi como um trabalho fotográfico, com trabalho de tratamento de imagens e edição fotográfica, ainda com pouca tecnologia naquele momento. Após isso, trabalhou com serigrafia na FAU em papéis simples, mas que já eram colocados à venda em espaços públicos, como a venda de imagens do Garrincha aos finais de jogos.

Che Guevara é outro personagem marcante que foi tema da obra de Claudio Tozzi. Personagem este que também representava muito o momento e a resistência à ditadura militar vivida por ele. Em sua obra é nítida a influência de histórias em quadrinhos misturadas com a pop art.

Claudio Tozzi - Guevara Vivo ou Morto

A busca por evoluções temáticas e técnicas

A preocupação de levar sua arte para um público mais amplo sempre esteve presente na carreira de Tozzi. A união deste fato em conjunto com uma viagem a Europa em 69 pode ter sido um fator importante para que, pouco tempo mais tarde, ele diminuísse a temática da política e passasse a fazer uma obra mais figurativa, perto do que hoje é conhecido como a pop art e de obras mais abstratas.

Neste período, o artista transformou a crítica social em um trabalho de formas puxado para a figuração.

A década de 70 trouxe para a Arte de Tozzi um estilo mais conceitual com experimentações de temas e técnicas diferentes do que vinha praticando. A obra "Color" representa muito do que o artista discutiria naquele período: a construção das imagens através dos pontos de cor com muitas combinações cromáticas.

Nas próximas décadas, essas características se desenvolveram e se pode ver muitas cores únicas, porém, com a intenção de criar relevos e profundidade usando tons distintos em diferentes áreas do quadro. Sua obra caminha para uma construção de paisagens ainda mais arquitetônicas e urbanas, como podemos ver nas séries “Territórios”.

Claudio Tozzi - Territórios

As conquistas e Claudio Tozzi nos dias de hoje

Logo no início de sua carreira, antes mesmo da sua entrada no curso de Arquitetura da FAU, Claudio Tozzi venceu o concurso de cartazes do 11 Salão Paulista de Arte Moderna.

O curador e historiador Manuel Neves fez um trabalho de pesquisas sobre a produção da Arte Brasileira nos anos 60 e destacou os trabalhos de Tozzi, avaliando-o como um artista fundamental na cena contemporânea Brasileira, e um dos artistas mais importantes de sua geração. A partir dos resultados das pesquisas, o historiador fez uma Mostra em 2018: A Caixa Cultural Curitiba, que apresentou a exposição “Emblemas da Cultura Brasileira: Retrospectiva da obra gráfica de Claudio Tozzi dos últimos 50 anos”.

Há pouco tempo, em 2018, o próprio Claudio Tozzi realizou também uma retrospectiva de sua obras e até os dias de hoje, aos 76 anos de idade, Tozzi se mantém na ativo, realizando trabalhos e vivendo de suas telas e artes.

Speto - Pássaro - Grafite

Nascido em São Paulo, em 1971, Paulo Cesar Silva, conhecido no meio artístico cultural como Speto, é um artista plástico brasileiro conhecido mundialmente por seus trabalhos no grafite e gravuras.

Grafiteiro por natureza, a história artística de Speto se inicia ainda muito novo, como uma brincadeira, tendo um avô sambista e um irmão violinista, o que já seria mais do que suficiente para realçar suas veias artísticas.

Mas, pode se dizer que as veias do grafite se saltaram quando Speto assistiu ao filme Beat Street. A partir daí, deu os primeiros passos e seguiu em um movimento que é conhecido como a Primeira Geração do Grafite de São Paulo, junto com “Os Gêmeos” Otávio e Gustavo Pandolfo e Jaime Prades.

Speto - Painel Museu Afro – Grafite

Arte, conhecimento, São Paulo

Em uma época quando não existia no que se basear e a internet não possibilitava o conhecimento rápido do que acontecia no mundo, Speto se baseou na técnica da gravura para se especializar no grafite.

Mesmo com a dificuldade e falta de agilidade na informação, com muita pesquisa e busca por conhecimento artístico o Grafiteiro norte americano “Mode 2” chegou ao seu conhecimento e foi fonte de muita inspiração, assim como o Rock e o Hip Hop que estavam em uma exponencial crescente no território brasileiro.

Em seus primeiros trabalhos, Speto sentia que suas artes eram incompreendidas numa época em que o grafite não era “cool” e ainda era visto por muitos como um vandalismo. Nessa época, também trabalhou em revistas como ilustrador e junto com os artistas da primeira geração do grafite, Speto decidiu invadir São Paulo com sua arte. O movimento começou pelo centro da cidade para as partes periféricas e nunca mais parou. De lá pra cá, é difícil ver uma bela paisagem da capital paulista que não esteja ainda mais valorizada com um de seus muros e suas características pinturas.

Speto - Rua da Consolação - Grafite

O lado “comercial” e a “marca Speto”

Com o passar dos anos Speto viu a necessidade da criação de uma característica única de suas pinturas e a criação de um estilo próprio que identificaria suas obras. Isso lhe traria o reconhecimento que desejava para além da fama e do dinheiro: a leitura de suas obras como a arte verdadeira que elas realmente eram.

Beco do Batman - São Paulo

A pintura de sereias que para ele dão a ideia de valorização da mulher, pessoas com olhos grandes e com traços fortes e marcantes, são algumas dessas características e marcas de seus trabalhos. Além de estarem por toda a paisagem da cidade, o grafite ganhou muito espaço completamente a ele dedicado, como o “Beco do Batman”, local de muitas obras de Speto.

Speto – Lara, Mãe d’água - Serigrafia

Os anseios, sentimentos e curiosidades de Speto

Improviso, sentimento, intuição, emoção e serenidade são os artistas internos das obras de Speto. O preto e o branco em um colorido preto e branco, já que, com suas palavras, “preto e branco são cores e não a falta de cor”. Speto pinta no modo deixar rolar e gosta dos muros porque o trabalho fica apenas entre eles. Não lhe cobram prazos, valores, gostos. Ali, a liberdade reina.

Seu primeiro grande muro foi grafitado em 2008 em Roterdam, na Holanda, e o seu maior, na lateral do Centro de Eventos do Ceará, em Fortaleza.

Speto - Centro de Eventos do Ceará – Grafite

A música teve grande influência na carreira do artista. Speto participou da idealização das primeiras identidades visuais de bandas como o Planet Hemp, O Rappa e Raimundos. Também participou de grandes campanhas publicitárias e pintou para blocos de Carnaval.

Fã da Arte Naif e da cultura pop, Speto gosta de Viver o presente, de se alimentar bem, de manter suas práticas saudáveis, fazer ioga e customizar o bairro onde mora, a famosa e paulistana Vila Madalena. O artista também compara muito o Grafite ao futebol. Para ele há uma multidão de jeitos, formas, ideias pessoais, e uma arte com muitos aspectos comuns entre si.

Iniciado na arte de maneira quase marginal, hoje Speto é reverenciado mundialmente por seu estilo e pela originalidade das obras que enriquecem as paisagens de São Paulo.

Emanoel Araújo - Aranha - Escultura

Pintor, gravador e escultor, Emanoel Araújo nasceu em 1940 em Santo Amaro da Purificação, cidade do Recôncavo Baiano, e começou sua jornada artística logo cedo, já que era oriundo de uma família de ourives. Seu pai o obrigou, ainda muito novo, a fazer um curso de marcenaria com “seu mestre”, como ele mesmo diz, Eufrásio Vargas. Pode se dizer que esse curso foi seu caminho de entrada na arte e, mesmo que começasse com trabalhos em tela, o ajudaria muito no decorrer de sua carreira e seus futuros trabalhos com esculturas.

Em sua cidade natal, Emanoel foi expulso de escolas, fez artes gráficas, foi colega de importantes nomes da arte brasileira como Caetano Veloso e deu seu pontapé inicial mais importante no “mundo da arte”. Sua primeira Exposição Individual ocorreu quando tinha apenas 19 anos, em 1959. Em 1961, o baiano começou seus estudos de gravura na Escola de Belas Artes da Bahia com o também pintor, escultor e gravador Henrique Oswald.

Emanoel Araujo - Sem Título 1 - Serigrafia

Um artista da Bahia que adotou São Paulo

Nos anos 70, o artista plástico começou a flertar com obras mais abstratas e partiu para uma vertente construtivista, com trabalhos menos figurativos, com formas menos realistas, mais geométricas e de tamanho grande.

Emanoel Araújo - Bicho Alado - Escultura - Crédito: MASP

No começo, os trabalhos abstratos eram predominantemente gravuras. Com o passar do tempo foram sendo adicionados relevos e formas geométricas em terceira dimensão, formas estas que tinham ligação enorme com a cultura africana, tanto na cor quanto na forma. Ondulações, relevos, cores e tons que se ligavam ao mesmo tempo com a cultura negra, baiana e africana.

Emanoel Araújo - Gravura de Armar – Gravura

Um dos poucos reconhecidos artistas plásticos negros do Brasil, Emanoel Araújo escolheu e adotou a cidade de São Paulo como sua moradia e foi nela onde teve seu primeiro contato com o racismo. Vindo da Bahia, lugar em que segundo ele todos “eram a mesma coisa e da mesma cor”, aqui ouviu de um conhecido que era o primeiro negro a entrar em sua casa.

Melhor escultor, gravador e medalha de ouro

Em 1972 Emanoel recebe Medalha de Ouro na 3ª Bienal Gráfica de Florença, na Itália. Em 1973, foi reconhecido pela Associação Paulista de Críticos de Arte, a APCA, com o prêmio de Melhor Gravador e em 1983 recebe, pela mesma associação, o prêmio de Melhor Escultor.

Em 2009, o artista plástico foi reconhecido com o Oficialato da Ordem do Ipiranga.

Emanoel Araújo - Sem Título 1 - Escultura

Curiosidades

Em 1988, Emanoel Araújo chegou a dar aula de Artes Gráficas e Escultura no Arts College, em Nova Iorque, nos Estados Unidos. Antes disso, comandou o Museu de Arte da Bahia entre 1981 e 1983. Foi também Diretor da Pinacoteca do Estado de São Paulo, um dos locais de maior importância para a Cultura da Arte Brasileira.

Araújo é um artista muito desprendido de suas obras, tanto as de sua construção como as de sua coleção. Costuma doar obras que compra em suas viagens à Europa ou a África, por exemplo, e gostava de, com suas palavras, se “desfazer” de algumas obras que faziam referência a cidades ou países por onde passou.

Para ele, suas exposições são feitas como uma maneira de agradecimento e de devolver o que recebeu de conhecimento e experiência aos locais por onde passou.

Emanoel fundou e comandou o Museu Afro Brasil no Ibirapuera, em São Paulo, e até hoje produz obras de grande importância para a arte brasileira.

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